En un truco inteligente que nos lleva a la comunidad a punto de presenciar la espectacular caída de la figura pública que lucha por la verdad en el centro de Un enemigo del pueblo, una barra desciende desde arriba durante la pausa entre actos, con los asistentes al teatro subiendo al escenario para recibir tragos de aquavit mientras músicos y cantantes interpretan canciones tradicionales noruegas. Varios miembros del público permanecen sentados en la periferia cuando se reanuda la acción. Las luces de la casa también permanecen encendidas, lo que no nos da escapatoria de nuestra complicidad mientras el médico de la ciudad, el Dr. Thomas Stockmann, interpretado con intensidad erizada por Jeremy Strong, es ridiculizado con burlas que desembocan en violencia física.

La crepitante producción de Sam Gold hasta ese momento ha sido engañosamente tradicional, bellamente escenificada en el Circle in the Square, con un primer acto que prepara el escenario para un conflicto enconado en la calidez y la acogedora domesticidad de la casa de Stockmann, iluminada por lámparas de aceite. y transitado por un flujo constante de invitados a cenar. A diferencia de algunas de las reposiciones de Gold que han presentado textos clásicos con vestimenta moderna, el escenario aquí sigue siendo una pequeña ciudad de la Noruega de finales del siglo XIX. Pero las cuestiones suscitadas por el drama de Henrik Ibsen de 1882 tienen ecos mareados en la América contemporánea.

La adaptación muy condensada es de Amy Herzog, quien el año pasado atravesó los siglos en su contundente actualización de la obra de Ibsen. Una casa de muñecas, protagonizada por una paralizante Jessica Chastain en la espectacular reposición de Jamie Lloyd en Broadway. El agudo diálogo de Herzog es fluido e identificablemente americano en lengua vernácula, pero no está plagado de anacronismos.

Sin siquiera criticar la asombrosa relevancia actual de esta obra, la nueva producción subraya hábilmente los paralelos de nuestra fea división política actual; los riesgos de ser denunciante; desconfianza en la ciencia por parte de personas cuya ignorancia es manipulada por quienes están en el poder; juicio por la opinión pública; y un conflicto entre preocupaciones ambientales y económicas, todo lo cual resultará familiar para el público estadounidense del siglo XXI.

El drama sigue los intentos de Stockmann de difundir información sobre la peligrosa contaminación bacteriana en las aguas de un balneario que es el alma de la ciudad. La trama recuerda todo, desde la crisis del agua de 2016 en Flint, Michigan, hasta el negacionismo de COVID que se extendió durante la pandemia, incluso cuando el número de muertos a nivel nacional superó el millón. Una risa que es a la vez cómplice y nerviosa recorre al público cuando el desilusionado Stockmann considera huir del país: “En Estados Unidos, no tendremos que preocuparnos por nada de esto”.

Parte de lo que la mantiene interesante es la negativa de la obra a liberar a los liberales de actitudes que van desde la ingenuidad hasta la superioridad beligerante. El Stockmann de Strong es un hombre imperfecto, tan convincente por su intransigente arrogancia como por su justa indignación.

Trabajando juntos por primera vez, marido y mujer Gold y Herzog comprimen la estructura original de cinco actos en dos horas apretadas, interrumpidas sólo por esa pausa de borrachera, más corta que el intermedio habitual de Broadway.

Algunas opciones no son del todo beneficiosas para la obra, como el cambio demasiado abrupto del joven editor de un periódico antiautoritario de izquierda Hovstad (Caleb Eberhardt), que pasa de ser un entusiasta partidario de Stockmann a un vehemente detractor. Pero también hay cambios inteligentes como la eliminación de la esposa de Stockmann, convirtiéndola en un personaje compuesto con su hija maestra, Petra (Victoria Pedretti), y dándole al médico la tristeza persistente de un hombre que acaba de enviudar.

Al principio, Stockmann se siente validado y alarmado cuando los informes del laboratorio de la universidad confirman sus sospechas de que el spa, donde trabaja como médico residente, ha sido contaminado por contaminantes industriales, la mayoría provenientes de una curtiduría propiedad de su malhumorado suegro. , Morten Kiil (David Patrick Kelly).

No tiene problemas para conseguir que Hovstad y el casi radical colega de este último, Billing (un Matthew August Jeffers muy gracioso), se unan para publicar los hallazgos en El mensajero del pueblo, un nombre que pasa de ser simbólico a amargamente irónico a medida que se desarrolla la obra. Hovstad lleva mucho tiempo impaciente por un cambio de guardia, y los viejos ricos del ayuntamiento deberían ser apartados en busca de sangre nueva con ideas más progresistas. Cree que el desastre del complejo y la reducción de costes de los inversores bastarán para desacreditarlos.

Incluso el impresor más conservador que financia la publicación, Aslaksen (Thomas Jay Ryan), está del lado de Stockmann y promete utilizar su considerable influencia para conseguir el apoyo de las asociaciones de comerciantes y propietarios. Pero Aslaksen muestra suficientes indicios de ser una comadreja congraciadora que su cambio radical no sorprende.

La persona cuya oposición Stockmann menos espera es su hermano Peter (Michael Imperioli), el importante alcalde de la ciudad, lo que demuestra lo poco que se entienden los dos hombres. Los indicios de una antigua rivalidad entre hermanos alimentan la ira de Peter cuando acusa a Thomas de irresponsabilidad al amenazar con hacer públicos hallazgos especulativos que traerán costos exorbitantes, cerrarán el spa por tres años o más y probablemente provocarán el colapso de la economía impulsada por el turismo de la ciudad.

Thomas sigue intratable en su convicción de que la salud de la población y el alto riesgo de enfermedad o muerte son de mayor importancia que cualquier preocupación financiera. Pero su desdeñoso hermano se apresura a debilitarlo. No hay calidez en la relación de los hermanos, pero al mismo tiempo, la voluntad de Peter (interpretada con compostura helada y alegre falta de sinceridad por Imperioli en plena forma) para destruir a Thomas es impresionante.

Al negarle un medio oficial para publicar su informe, Thomas declara su intención de hablar directamente con la gente en una reunión municipal. Esa asamblea es un asunto cada vez más estridente, y cualquiera que alguna vez se haya sentido irritado por el obstruccionismo burocrático se estremecerá ante la insidiosa eficiencia de Peter y Aslaksen, trabajando en conjunto para evitar que Thomas hable. La escena se desarrolla como un sombrío crescendo, cuyo resultado es escalofriante.

A través de todo esto, Strong pasa de una tranquila certeza a una indignación febril; hasta que aparece una resignación entumecida y, más tarde, un extraño optimismo por una reivindicación futura, está tan tenso que hace su Sucesión El personaje, Kendall Roy, luce tranquilo.

El papel de Thomas Stockmann parece hecho a medida para la peligrosa energía del actor. Pero no es un mártir simplista en un mundo de posverdad. Herzog ha optado por conservar uno de los discursos más espinosos de Ibsen, una diatriba sobre la evolución social en la que Stockmann habla de la diferencia entre perros mestizos y razas de pedigrí como una analogía para las masas sin educación y la intelectualidad de élite.

Es una perorata que vira hacia la eugenesia, mostrando de repente al personaje bajo una luz poco comprensiva. El hecho de que nunca pueda recordar el nombre de la criada de la familia, Randine (Katie Broad), también pone en duda su respeto por la clase sirvienta.

Strong nunca ha sido un actor que rehuya un borde abrasivo, pero mantiene el equilibrio suficiente para mantenernos en la esquina de Thomas. La sorprendente imagen de su total sumisión física después de la brutalidad del encuentro también da un verdadero patetismo al trato que recibe el personaje por parte de la gente del pueblo. Si bien los ajustes chejovianos de Herzog al final de la obra parecen menos seguros, todavía nos deja con una enfermiza sensación de podredumbre moral y el aislamiento de quienes hablan en contra de ella en una sociedad corrupta.

Si bien las reposiciones de los clásicos de Gold han tendido a ser menos consistentes que su incisivo trabajo en nuevas obras (los conjuntos de sus Rey Lear y Aldea En ocasiones, ambos parecían estar actuando en diferentes producciones: su elenco uniformemente excelente aquí está en la misma página, muchos de ellos actuando como cantantes y músicos en las transiciones de escena.

Además de Strong e Imperioli, se destacan Ryan, el epítome de la mojigatería resbaladiza como Aslaksen; Kelly como Kiil, el viejo borracho y malvado; Eberhardt como el editor traidor, cuyo oportunismo le cuesta cualquier avance romántico que haya logrado con Petra; y Pedretti en el último papel, una mujer joven con tanta agallas como su padre pero quizás con una visión más clara. Alan Trong también impresiona como el Capitán Horster, un marino único en su lealtad a la familia de Thomas.

Los decorados del colectivo de diseño conocidos como “dots” hacen un uso ingenioso de la puesta en escena en redondo para guiarnos a un salón y comedor del siglo XIX o a las oficinas de El mensajero del pueblo, con muebles de aspecto notablemente auténtico. (Los fanáticos del diseño escandinavo salivarán con una hermosa mecedora de madera tallada). La iluminación de Isabella Byrd y el vestuario finamente detallado de David Zinn evocan la época, mientras que Gold nos devuelve audazmente a nuestro mundo contemporáneo con su ingeniosa solución para la reunión de la ciudad. Lo que podría haber sido un truco sirve más bien como puente entre el entonces y el ahora.

Está lejos de ser la primera vez que Ibsen (y este trabajo en particular) ha sido arrastrado al presente, pero es urgente y eficaz. En última instancia, uno de los puntos fuertes de este vigorizante resurgimiento es que presenta un drama clásico como una obra de teatro para nuestro tiempo.

Lugar: Circle in the Square, Nueva York
Elenco: Jeremy Strong, Michael Imperioli, Victoria Pedretti, Caleb Eberhardt, Thomas Jay Ryan, Matthew August Jeffers, Alan Trono, David Patrick Kelly, Katie Broad, Bill Buell, David Mattar Merten, Max Roll
Director: Sam Gold
Dramaturgo: Henrik Ibsen, adaptado por Amy Herzog
Diseñador escénico: puntos
Diseñador de vestuario: David Zinn
Diseñador de iluminación: Isabella Byrd
Diseñador de sonido: Mikaal Sulaiman
Presentado por Seaview, Patrick Catullo, Plan B, Roth-Manella Productions, Eric & Marsi Gardiner, John Gore Organization, James L. Nederlander, Jon B. Platt, Atekwana Hutton, Bob Boyett, Chris & Ashlee Clarke, Cohen-Demar Productions, Andrew Diamond, GI6 Productions, Sony Music Masterworks, Triptyk Studios, Trunfio Ryan, Kate Cannova, DJL Productions

Trabajando en Sábado noche en directo puede ser un regalo y una maldición. Cada semana, el elenco espera y ve si sus bocetos salen al aire o se eliminan por completo antes del show. Por supuesto, el proceso de «quiero o no quiero» de la institución nocturna es la norma para los miembros del elenco, incluido SNL el veterano Bowen Yang. Le preguntaron qué sentía cuando Lorne Michaels cortaba sus bocetos y daba una respuesta visceral.

Cortar un boceto de televisión no es nada del otro mundo. Isla de Fuego estrella, dado el beneficio adicional de aparecer en la icónica serie de bocetos. Yang se derramó hacia Hoy con Hoda y Jenna sus verdaderos sentimientos acerca de cómo algunas de sus ideas nunca salieron al aire después de sus Hooters SNL bosquejo. El comediante fue bastante sincero y dijo:

En este punto, tengo todo el cuerpo completamente calloso, no siento nada, así que está bien, él puede hacer lo que quiera.

El último diario de desarrollo de Vampire: The Masquerade – Bloodlines 2 está dedicado al sistema de combate del RPG de terror y describe tres estilos de juego entre los que los jugadores podrán elegir. Alex Skidmore, director creativo de The Chinese Room, comienza con el estilo de juego de «acosador estratégico», que es tu paquete de asesino sigiloso para los amantes de las puñaladas por la espalda.

«¿Disfrutaste la serie Dishonored», pregunta Skidmore, «o jugar configuraciones centradas en el sigilo en los juegos Fallout o Elder Scrolls? ¡A mí también! Te da tiempo para preparar qué poder de Disciplina te gustaría usar y cuándo. Una vez que tu plan está listo, invocar los poderes de la sangre, acercarse sigilosamente a un enemigo, distraerlo, alimentarse de él antes de que estalle una pelea o tácticas de golpear y huir son opciones para las personas que aman jugar de esta manera».

The Chinese Room ha publicado un nuevo diario de desarrollo de Vampire: The Masquerade – Bloodlines 2 donde el director creativo Alex Skidmore habló sobre el sistema de combate visceral e inmersivo del juego.

El objetivo, dijo Skidmore, es ofrecer una experiencia de juego de acción convincente que pueda estar a la altura de los estándares modernos. Para ello, The Chinese Room ha identificado tres estilos de juego diferentes que vale la pena apoyar en Bloodlines 2, comenzando con el llamado Strategic Stalker. Como era de esperar, este tipo de jugador utiliza el elemento sorpresa para conseguir su fantasía de vampiro depredador.

Una vez que tu plan esté listo, invocar los poderes de la sangre, acercarse sigilosamente a un enemigo, distraerlo, alimentarse de él antes de que estalle una pelea o tácticas de golpear y huir son opciones para las personas a las que les encanta jugar de esta manera.

Luego está Action Brawler, para cualquiera que quiera enfrentarse cara a cara a los enemigos y patearles el trasero.

Cualquier clan puede pelear, pero aquí es donde brillan los Brujah. Los verás en nuestro video de revelación del juego de enero. Sus poderes tienen como objetivo dominar el combate cuerpo a cuerpo. Las referencias para este estilo son los juegos de acción y peleas como la serie God of War, Shadow of Mordor y Elden Ring. Se trata de estar en el centro de la pelea y usar tus habilidades para controlar a la multitud para poder causar el mayor daño posible.

Skidmore luego aclaró que Bloodlines 2 permitiría a los jugadores elegir cualquier combinación de los dos para encontrar el equilibrio preferido entre acechar y pelear. El tercer estilo de juego es el Aventurero narrativo, que es para todos los que prefieren centrarse en los elementos narrativos y de exploración sin profundizar demasiado en los sistemas de combate y progresión.

Para lograrlo, The Chinese Room ha preparado un esquema de control simplificado. Sólo habrá cuatro habilidades activas (asignadas a los botones frontales del gamepad); sin embargo, los jugadores experimentados podrán aprovechar su dominio del juego. Por ejemplo, esquivar por sí solo es un movimiento defensivo para apartarse del camino. Sin embargo, cuando se usa directamente hacia un personaje atacante cuerpo a cuerpo, producirá un contraataque y hará tambalear al enemigo del jugador.

El diario final del desarrollador se sumergirá en el tercer pilar de Vampire: The Masquerade – Bloodlines 2: explorar el Mundo de Tinieblas. Sin embargo, tendrá que esperar hasta principios de febrero, ya que los desarrolladores publicarán la tan esperada revelación del juego la próxima semana. El juego está programado para el otoño de 2024 en PC, PlayStation 5 y Xbox Series S|X.

En TGA 2023, Moon Studios (el estudio con sede en Viena detrás de los juegos de Ori) y Private Division finalmente revelaron su proyecto ARPG: No Rest for the Wicked.

El juego se describe como un ARPG isométrico visceral que presenta un brutal ‘combate basado en la precisión’ impulsado por animación donde los jugadores expertos pueden realizar movimientos mortales y golpes viscerales. Según el desarrollador, el combate de No Rest for the Wicked requerirá habilidad y sincronización adecuadas en lugar de presionar botones sin sentido.

Moon Studios también busca innovar en el mundo del diseño. Según se informa, el entorno insular artesanal de Isola Sacra permitirá una «verticalidad inigualable» en comparación con otros ARPG. Cada ubicación contará con NPC complejos con sus propios problemas que deben resolverse, tesoros escondidos, secretos descubribles y, por supuesto, varias criaturas mortales. No Rest for the Wicked también continúa la tradición del estudio de un estilo artístico «pintado» y de apariencia única. El juego admite modo multijugador cooperativo en línea para hasta cuatro jugadores.

Thomas Mahler, cofundador y director creativo de Moon Studios, declaró:

Hemos estado soñando con poder contribuir al género ARPG con el que todos crecimos y amamos. Después del éxito de Ori, teníamos claro que Moon ahora era lo suficientemente maduro como para finalmente hacer realidad esos sueños. ¡Estamos ansiosos por ver cómo reaccionarán los jugadores ante esta versión completamente nueva del género!

Gennadiy Korol, cofundador, director de tecnología y producción de Moon Studios, añadió:

Durante los últimos seis años hemos trabajado duro en el proyecto de nuestros sueños: un ARPG de siguiente nivel, impulsado por nuestro amor y ambición por las mecánicas de juego estrictas y la construcción de mundos. Estamos emocionados de revelar nuestra propia visión de lo que siempre hemos imaginado como los cánones centrales del género ARPG, mientras damos los siguientes pasos para reimaginar los elementos que consideramos maduros para la innovación.

No Rest for the Wicked se lanzará en Steam Early Access en el primer trimestre de 2024. Se compartirán más detalles en una exhibición digital dedicada a ‘Wicked Inside’ ya programada para el 1 de marzo de 2024. Una vez que el juego salga del acceso anticipado, también se lanzará para PlayStation 5 y Xbox Series S|X.

Las “tres décadas de investigación” de Michael Mann proporcionaron la clave para poner al público en el asiento del conductor de Ferraris antiguos que recorren mil millas de carreteras italianas que son bien conocidas por cobrar vidas humanas.

Eso es lo que descubrió el director de fotografía de “Ferrari”, Erik Messerschmidt, cuando se asoció con el director de clásicos del crimen como “Heat” y la serie de televisión “Miami Vice” para contar la historia de Enzo Ferrari, fundador de la compañía de autos de carreras más emblemática de Italia, interpretado por Adam Driver. .

“Le pregunté qué debería mirar y Michael dijo: ‘¿Por qué no empiezas con mi biblioteca?’”.

Messerschmidt, conocido por su exigente trabajo en películas como «Mank», la historia de «Ciudadano Kane», que le valió un Oscar, se enteró de que Mann había estado investigando Ferrari durante 30 años. El director había acumulado cientos de libros, fotografías, noticiarios, recortes y cartas que documentaban todos los aspectos de la vida de Ferrari, los primeros días del automovilismo, además de fondos igualmente impresionantes sobre criminalidad, psicología y otros temas de interés.

«Tenía un archivo increíble», dice el director de fotografía. “Así que comencé allí”.

El material fue más que suficiente para ayudar a Messerschmidt a imaginarse los elegantes, rápidos y a menudo mortíferos autos de carreras descapotables de mediados de la década de 1950 y los paisajes que recorrían en carreras como la Mille Miglia, la carrera de mil millas a campo traviesa que determinaba si alguien como Ferrari haría realidad sus sueños o iría a la quiebra.

“Las secuencias de carrera utilizan todos autos reales, carreteras italianas reales, sin pantalla verde”, dice Messerschmidt, con vehículos modernos hechos a medida con carrocerías de estilo antiguo realzadas con algo adicional: “Los ingenieros británicos incorporaron puntos de montaje para cámaras. Eso era esencial para Michael”.

Mann quería que el público «sintiera que tenía que limpiarse la grasa de las gafas», dice Messerschmidt. “Por eso queríamos evitar los ángulos de cobertura clásicos que normalmente se utilizan en una película de coches. Es casi una gramática diferente”.

De hecho, evitando cualquier efecto que haga que los corredores parezcan estar rugiendo por las carreteras más rápido de lo que realmente van, dice el director de fotografía, «Michael quería que los autos fueran a las velocidades reales; los autos realmente van a velocidades competitivas».

Con cámaras atornilladas a los marcos de las maquetas de Ferrari, añade: “Podíamos hacerlo de forma muy segura y eran rígidas. Estos autos en particular son uno de los personajes de la película y para Michael era muy importante que el público experimentara la naturaleza visceral de las carreras de autos de ese período”.

Eso también abarcaba los peligros, dice Messerschmidt, señalando que los corredores de esa época no tenían cinturones de seguridad, no porque Ferrari no hubiera pensado en la seguridad del conductor, sino porque salir arrojado de un automóvil era la mejor oportunidad que tenía el conductor de sobrevivir a un accidente.

«Se incendian», dice el director de fotografía. «Son máquinas increíbles».

Dejando a un lado las escenas de carreras, las cualidades específicas de luz y tono del norte de Italia se capturaron cuidadosamente para otros escenarios en tomas de exteriores, incluidos los interiores de las casas y la oficina sobria y casi espartana de Ferrari, dice Messerschmidt. Por sugerencia de Mann, estudió retratos italianos de finales del Renacimiento de Tiziano, Tintoretto y Caravaggio para conseguir el aspecto perfecto.

Las pinturas de esa época, dice Messerschmidt, “realmente hablan de la apariencia de los interiores de las casas italianas. La iluminación es muy simple, son oscuras, hay contraventanas en las ventanas, hay muchas cortinas. Y nos gustó la idea de que la casa Ferrari fuera el espacio más oscuro, más frío y más restrictivo y que la casa Lardi fuera el único lugar donde él estuviera al sol”.

La amante de Ferrari, Lina Lardi (Shailene Woodley), le dio un hijo, Piero, cuya legitimidad y título se convirtieron en una gran crisis para el magnate de las carreras, cuyo primer hijo, Dino, había muerto el año antes de que comenzara la historia de la película, en 1957. .

Esa relación y la profundamente conflictiva con la esposa y socia comercial de Ferrari, Laura (Penélope Cruz), se desarrollan con matices en “Ferrari”, cada una ambientada en una casa que refleja esas cualidades visuales distintivas de los viejos maestros.

Mientras filmaba con la cámara Sony Venice, Messerschmidt también fue a Panavision y habló con el maestro gurú de la óptica Dan Sasaki sobre cómo mejorar aún más la mirada del período, dijo.

«Tomamos un juego de lentes que habían sido diseñados para mí para la película ‘Devotion’ y los modificamos ligeramente para que haya un poco de aberración esférica en la lente que agrega algo de suavidad en las luces y recorta ligeramente los contrastes».

Para las secuencias de carreras, explica: “Hay mucho trabajo con lentes largos en la película, mucho trabajo con zoom. En la casa Ferrari apostamos por lentes anchas y su diseño es más clásico. Somos más amplios y más cercanos a todos los actores. Cuando llegamos a las carreras, con lentes más largos y comprimiendo el espacio, la estética es diferente”.

Messerschmidt, Mann y el equipo también corrían contra el reloj, afirma el director de fotografía. «Toda la película fue difícil: teníamos una agenda apretada, éramos una película independiente para un estudio, sin una segunda unidad, por lo que fue apretada».

«Rodamos primero todo lo dramático (a falta de una palabra mejor): las relaciones interpersonales».

Cruz, que brilla en el papel de esposa afligida y armada con una pistola, tuvo un corto período de disponibilidad, dice Messerschmidt, “así que hubo que hacerlo desde el principio. Creo que eso fue mucho para Adam y el resto del elenco: tuvieron que hacer todo el arco argumental en las primeras semanas de la película”.

Pero el director de fotografía estaba decidido a hacer que las cosas funcionaran, sin importar el plazo, dice. Habiendo visto toda la preparación y pasión de Mann, explica: “Sentí la enorme responsabilidad de cumplir con él. Es una leyenda. Soy un fan.»

Trabajar con menos recursos de los que ha tenido a menudo con el director David Fincher, con quien Messerschmidt filmó el thriller mundial “The Killer” este año y había hecho dos temporadas del éxito “Mindhunter”, fue un desafío, admite el lente.

Pero, dice, “lo fácil es aburrido. Nunca es fácil con David… nunca. Pero es fantástico entrar en el entorno de otra persona y ejercitar nuevos músculos”.

Además, Messerschmidt añade: “Me gusta trabajar con directores veteranos y consagrados porque tienen una máquina establecida y bien diseñada sobre cómo quieren hacer una película. Y entras en ello y ves: ‘Oh, él lo hace de esta manera o ella lo hace de otra manera’. Es una manera maravillosa de aprender, realmente, sobre el cine”.

Inicie el DOS e inserte el disquete, Mundo de terror te llevará en un viaje a una época en la que los colores en los videojuegos eran un sueño y la más mínima animación era una hazaña sólo al alcance de los mejores programadores. Y, sin embargo, cuán memorables fueron muchas de esas aventuras basadas en texto, recuerdos persistentes de imágenes pixeladas y cuentos emocionantes. World of Horror logra ese objetivo, aparentemente un juego básico pero con mucho más escondido debajo de los evidentes píxeles y las espantosas historias. Este es un juego escalofriante y original con más atractivo del que honestamente debería tener, pero aún le vendría bien un poco de pulido adicional.

Elige tu propia muerte

World of Horror comparte deliberadamente su concepto con esos libros clásicos de «elige tu propia aventura». Cada carrera te lleva a través de una selección aleatoria de misterios espantosos que puedes resolver en el orden que desees, los caminos son diversos y dan como resultado uno de múltiples resultados. En cierto sentido, este es un juego de rol de aventuras roguelite, en el que te enfrentas a una serie de cartas de eventos con la esperanza de llegar al final de la historia. Y luego lo vuelves a hacer, intentando encontrar nuevos eventos y desbloquear diferentes finales.

Esto es más convincente de lo que parece, debido a la naturaleza sin restricciones de la aventura. Toma una página de la escuela de HP Lovecraft y de algunos autores japoneses de renombre, con situaciones muy descriptivas ayudadas por un excelente pixel art y algún que otro jumpscare. Muy pronto, reiniciarás algunos misterios porque quieres probar otros caminos e investigar diferentes áreas, anhelando algunas escenas nuevas y desgarradoras que pueden resultar en mejores armas u objetos adicionales. Después de todo, esto es un juego de rol y tu personaje tiene estadísticas e inventario.

Algunas acciones y misterios terminados te recompensan con puntos de experiencia y puedes subir de nivel a tu personaje seleccionando un nuevo beneficio y una mejora de estadísticas. Estos resultan útiles para algunos eventos, ya que hay una cantidad considerable de RNG en marcha, con comprobaciones de éxito o fracaso que afectan el resultado de la situación. Pero lo más probable es que prestes mucha atención a tus estadísticas cuando entres en una de las muchas batallas contra criaturas horribles.

El combate por turnos es inicialmente desalentador, siendo la interfaz de usuario el principal culpable. Es innecesariamente complicado y, por alguna razón, parece que podría haberse simplificado y ser más intuitivo de lo que es actualmente. Hay varios menús para todo tipo de acciones y, si bien ofrece una gran cantidad de posibilidades que te mantendrán experimentando durante varias ejecuciones, es una opción para aprender mediante prueba y error; Hay un tutorial disponible, pero no lo guiará a través de todo el funcionamiento.

Cuando finalmente aprendes a manejar los numerosos botones de combate, te das cuenta de que hay más estrategias de las que la barra de movimiento de tiempo básica te hizo creer. Puedes hacer cosas como ordenar a tus compañeros que distraigan al enemigo, hacerlos atacar, lanzar un objeto, orar por curaciones, potenciar un ataque, lanzar hechizos, buscar un arma improvisada y más. Cada acción toma una cantidad de tiempo específica que puede cambiar según tus estadísticas, y luego de seleccionar algunos movimientos, inicias el turno. Dada la falta de respuesta adecuada al golpe, aparte de una breve sacudida y un efecto de sonido, debes estar atento a los puntos de salud para juzgar cómo se está desarrollando la batalla.

Investigar escenas aumenta tu nivel de perdición, ya que una carrera está intrínsecamente ligada a un antiguo dios aleatorio y al efecto que produce en la investigación. Pasar de una escena a otra aumenta la fatalidad, algunas acciones negativas la aumentan aún más (pero otras pueden disminuirla) y si llega al 100%, la carrera ha terminado. Los dioses pueden afectar el juego de maneras como bloquear el acceso a áreas o aumentar la tasa de perdición, entre otros giros.

Perdición retro

Con alrededor de 20 misterios por ahora, hay suficiente variedad para mantenerte ocupado hasta que ingreses al faro para el enfrentamiento principal. Las horas pasarán volando hasta que no queden más misterios que investigar y todo valga la pena el precio de venta.

Los misterios son bastante diversos y no se limitan a los personajes desagradables y la narrativa descriptiva, lo que resulta en una sensación palpable de incomodidad y cautela al pasar de una habitación a otra. La dirección de arte lograda juega un papel importante en esto, lo suficientemente simple como para ser evocadora pero nunca demasiado perturbadora como podría haber sido con la tecnología actual, lo que demuestra que incluso MS Paint se puede usar para crear un estilo cambiante exitoso. La banda sonora chiptune que acompaña las aventuras es otro triunfo, ya que proporciona el ambiente adecuado hasta el punto de volverse desconcertante, inquietante, molesto… eventualmente a propósito.

Sin embargo, inevitablemente llegarás a un punto en el que las escenas comenzarán a repetirse la mayoría de las veces. Teniendo en cuenta el atractivo inicial y el ritmo al que probablemente devorarás los misterios, como un buen libro de “elige tu propia aventura”, las páginas te resultarán muy familiares. Además, la mayoría de las escenas están sujetas al efecto RNG, con un resultado positivo o negativo sobre el que, para empezar, no tienes mucho control, y la otra condición para tener éxito es estar en posesión de un determinado elemento o beneficio. Con un inventario limitado y una elección extremadamente difícil a la hora de elegir un beneficio, el juego termina reduciéndose a un cierto factor de suerte en el que simplemente estás en posesión de esto o aquello, justo cuando lo necesitas.

Aún así, vale la pena perseverar unas buenas horas, aunque sólo sea para ver hacia dónde va la retorcida mente del creador con cada historia. Hay algo de diversión inquietante, como un buen episodio de una película V/H/S pero en formato de juego retro y con algunas imágenes gráficas que son evocadoras y, a menudo, escalofriantes.

World of Horror es un juego de nicho, uno que los jugadores más jóvenes pueden descartar como una antigüedad que carece de sustancia y facilidad de juego. Pero los jugadores mayores saben que la intención es precisamente esa: recuperar las sensaciones de hace décadas, donde este tipo de presentación estaba de moda, pero mejorando las opciones y posibilidades de maneras que no eran posibles en aquel entonces. Los misterios retorcidos también ayudan, a menudo tomando giros oscuros y sin reprimir lo espantoso y morboso. Es un retroceso de terror logrado que en su mayoría da en el blanco y también puede afectar tus emociones de un par de maneras diferentes, con un disgusto cómodamente sentado junto a un fuerte sabor a nostalgia.

Puntuación: 8/10

Ventajas:

• Los misterios son retorcidos y divertidos de descubrir.
• El estilo artístico es logrado y espantoso de manera efectiva.
• Suficiente diversidad de escenas para que quieras explorar más
• La música chiptune es inquietantemente estresante y todo lo mejor para ella.

Contras:

• La interfaz de usuario de batalla es engorrosa y le vendría bien un poco de optimización
• Un cierto tono de RNG en las escenas puede generar frustración

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El código de revisión de World of Horror fue proporcionado por el editor. Puede lea la política de revisión y puntuación de MP1st aquí.

ted lasso siguen los spoilers.

Con el tercero (y rumoreado final) entrega de la comedia dramática de deportes de Apple TV+ en marcha, ted lasso La estrella Nick Mohammed se ha sincerado sobre el arco de villano de su personaje Nate Shelley.

En la temporada 1 del programa, en la que Jason Sudeikis asume el papel principal de un entrenador de fútbol americano que se convierte en entrenador de la Premier League, Ted apoya las ideas de Nate y le da la confianza para ser ascendido de utilero a entrenador asistente.

Pero al final de la temporada 2, Nate le ha dado la espalda a Ted, su equipo y sus amigos. Ha dejado el AFC Richmond para convertirse en el nuevo entrenador en jefe del West Ham United, el club propiedad del exmarido de Rebecca (Hannah Waddingham), Rupert (Anthony Head).

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Hablando exclusivamente a espía digital, Mohammed describió la reacción ‘visceral’ que tuvieron los fanáticos ante la historia de Nate. Dijo que los espectadores tomaron la traición de su personaje como algo personal, y entiende por qué.

«Fue bastante visceral. La gente se lo tomó en serio», dijo.

«Creo que la primera temporada fue un clásico ted lasso cosa en que Ted interactúa con Nate, lo empodera. Nate está lleno de confianza y es ascendido, y es una historia clásica de perdedores. Realmente funciona.

«Y todos podríamos engancharnos a eso, creo, como audiencia, y realmente estábamos alentando a Nate».

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Mohammed continuó, señalando que Nate de la primera temporada y Nate de la segunda temporada se sienten casi como dos personas diferentes.

«Tal que, saltas una temporada al final de la segunda temporada, para que luego apuñale por la espalda a Ted de la forma en que lo hace, se siente como una gran caída en desgracia dado que estamos alentando a este tipo desde el comienzo”, dijo.

El actor agregó que los propios fanáticos se sintieron traicionados luego de completar el arco de villano de Nate al final de la segunda temporada, y no los culpa por tener esa reacción.

«La gente estaba realmente enojada. Ocasionalmente, la gente olvida que es un papel de actuación y no de la vida real. Un puñado, pero suficiente para que sea como, ‘Vamos, muchachos. Es ficción'», dijo.

«Pero tienen razón. Es correcto, se sienten mal y traicionados porque eso es lo que ha hecho Nate».

ted lasso la temporada 3 se transmite en AppleTV+con nuevos episodios todos los miércoles.

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Sin embargo, el comportamiento del personaje da un giro dentro del encuentro, cuando el psíquico casi al azar le dice a Rebecca que tendrá un hijo en algún momento. La interacción sacudió a Waddingham de una manera que ella no anticipó, y esa energía pura ciertamente aparece en la pantalla en el corte final de la escena. Ella le dijo a IndieWire:

«La forma en que reaccioné, no lo esperaba. Estaba temblando físicamente por eso. Y espero que sientas eso al final de la escena, cuando me estoy entregando a ella. Sacudió mi núcleo porque yo mismo he tenido algo similar con un médico especialista en fertilidad. ‘Esto no va a ser para ti’ es lo que me dijeron hace muchos años. Y salí de esa habitación y dije: ‘¿En serio? F ** * ¡tú!’ Lo que dice el psíquico al final de eso: ‘Vas a ser madre’, cuando leí eso, pensé: ‘Oh, Dios mío, es tan irresponsable dejar escapar eso’. Para decirlo como una ocurrencia tardía, es horrible. Como alguien que tiene amigos que han luchado con la fertilidad, es un asunto tan delicado».

Al final del día, Waddingham tiene toda la razón, y la audiencia siente profundamente la exposición y la vulnerabilidad de Rebecca por eso. Es un momento intenso y algo vergonzoso, pero le da a Waddingham otro lugar para que brillen sus habilidades dramáticas. Es una intérprete dotada y es muy buena para aportar una sensación de apertura a la serie, tanto en sus momentos en solitario como en los momentos con personajes como Ted. Rebecca es uno de los personajes más simpáticos de «Ted Lasso», y no hay duda de que continuaremos apoyándola en todos los sentidos, ya sea que la maternidad se convierta o no en parte de su historia.

Este artículo es oscuro y está lleno de spoilers. Tenga cuidado si no ha visto el Casa del Dragón estreno todavía.

Game of Thrones tiene reputación por sus escenas sangrientas, violentas y francamente aterradoras. el estreno de El programa más nuevo de HBO Casa del Dragón estuvo a la altura del violento legado de su predecesor. Desde un torneo de justas hasta el intenso, escena de nacimiento sangrienta y brutal hasta el ataque de la Capa Dorada en Desembarco del Rey, se ha derramado sangre por todas partes. Y en dos de estos tres casos, la sangre fue a manos del personaje de Matt Smith, Daemon Targaryen.