El desarrollador Slow Bros. no tiene miedo de dejar sus huellas dactilares en su juego debut, Harold Halibut. Y lo digo literalmente: cada personaje, textura, mueble, prenda de vestir, tabla del piso, botón, puerta e incluso los tornillos que mantienen todo unido fueron creados físicamente por los desarrolladores y luego escaneados digitalmente en un juego 3D. De hecho, si miras lo suficientemente de cerca, es posible que incluso veas una sola pestaña real presionada en la mejilla de arcilla de uno de los personajes del juego. Este estilo hecho a mano podría, por supuesto, sugerir que sería animado usando stop motion, como Wallace y Gromit o Pingu, pero ese no es el caso en absoluto. En cambio, el mundo hecho a mano de Harold Halibut se representa en tiempo real con el movimiento y la fluidez de cualquier juego 3D moderno.

El resultado es sorprendente e incluso realista a pesar de ser caricaturesco por naturaleza, y distingue instantáneamente a Harold Halibut como uno de los juegos gráficamente más interesantes de este año. Explorar el mundo de Harold Halibut es como mirar una intrincada casa de muñecas (o, en este caso, una nave espacial sumergida bajo el agua), donde sus figuras respiran y deambulan a través de sus rutinas con extrañas cualidades humanas. Se podría pensar que su estilo distintivo fue creado intencionalmente desde el comienzo de su desarrollo, pero en realidad, sus imágenes hechas a mano fueron una solución a un problema. ¿El problema? Slow Bros. no tenía idea de cómo hacer gráficos 3D, ni siquiera sabía cómo hacer un juego. Como resultado, el fundador y director Onat Hekimoglu hizo lo único que tenía sentido para él para comenzar a desarrollar la visión de su idea de videojuego: hacerlo a mano.

La visión de Onat comenzó hace 14 años en su cocina, donde empezó a construir maquetas y decorados de un futuro retro en el que una colonia de humanos abandona la Tierra durante la Guerra Fría, al borde de su destrucción nuclear, para un viaje de 200 años a bordo. una nave espacial para buscar un nuevo planeta donde vivir. El nuevo mundo, sin embargo, carece de masa terrestre y está completamente hecho de agua. Sin ningún lugar adonde ir, la nave espacial, conocida como FEDORA, se estrella contra el planeta, hundiendo a sus ocupantes en las profundidades de este planeta acuático que ahora deben encontrar una manera de colonizar.

Como Harold Halibut, un humilde trabajador de mantenimiento nacido y criado en FEDORA, llevas a cabo sus rutinas cotidianas bastante monótonas, como arreglar máquinas, limpiar y eliminar graffiti. Es una perspectiva sólida y sin incidentes para un juego, pero sirve como una excelente introducción a la sociedad de FEDORA, su política y las vidas de quienes la habitan. Es una mirada seria desde dentro del mundo, en lugar de mirarlo directamente. Jugar como Harold te permite ver y entretejer otras vidas de una manera que se siente increíblemente orgánica, como un trabajador de mantenimiento encargado de atravesar las muchas secciones e instalaciones de FEDORA, todas pobladas con muchos personajes con quienes charlar o simplemente escuchar a escondidas. –le permite sumergirse verdaderamente como un residente promedio de FEDORA.

Al igual que el viaje de FEDORA, flotando por el espacio hacia lo desconocido, el destino de Harold Halibut como juego desde el concepto hasta su finalización fue largo y con muchos aprendizajes a lo largo del camino. Desde el principio, Onat quiso hacer un «simulador de caminar en un mundo abierto en miniatura», donde la mayor parte del mundo, sus personajes y las conversaciones fueran completamente opcionales. En 2010, cuando comenzó el desarrollo, el género que más se acercaba a complementar esa visión era la aventura de apuntar y hacer clic. Eso fue hasta que apareció Dear Esther en 2012, introduciendo el simulador de caminata como un género al inclinarse hacia la exploración como vehículo narrativo, en lugar de confiar en la resolución de acertijos como su desafío principal. El nacimiento del simulador de caminar cambió por completo la forma en que Onat y su equipo veían lo que se podía hacer en el medio de los juegos.

Harold Halibut no tiene acertijos y, en cambio, se centra en la exploración, las opciones de conversación y, ocasionalmente, minijuegos sin desafíos. En esencia, Harold Halibut está impulsado por el mundo mismo y los personajes que lo habitan. Como resultado, no es un juego para correr, sino más bien caminar, empapándose de todos sus meticulosos detalles.

Cuando se le preguntó sobre el desafío de hacer un videojuego principalmente sobre caminar y hablar de manera consistente para el jugador, Onat dijo: «Si no tienes paciencia, este juego no es para ti. Sabemos que es un juego lento». Es una respuesta que parece adecuada para los desarrolladores llamados Slow Bros. Y según mi experiencia práctica con el juego, ciertamente es mejor cuando se lo toma con calma.

Pude jugar los dos primeros actos del juego, que me dijeron que se podían completar en cinco horas, pero hacerlo me llevó 10. No porque estuviera perdido, sino porque estaba embelesado explorando y hablando con todos los que podía. Harold comienza cada día con una tarea que cumplir, como arreglar una máquina o alimentar a los peces, que se puede seguir utilizando un dispositivo tipo PDA que muestra las tareas principales y opcionales, así como los mensajes personales que recibe. Incluso cuenta con un cuaderno que se llena automáticamente con los toscos dibujos de Harold que ilustran algunos de los eventos más importantes del juego.

Cada tarea me enviaría a través de los numerosos sectores de FEDORA, a los que se llega a través de tuberías de agua y están poblados por personas que trabajan, miran televisión, hablan entre ellos o parecen deprimidos. Charlé con el dueño de la tienda sobre sus problemas matrimoniales, el suave maestro vestido de seda sobre su amor por las telenovelas (que puedes sentarte y ver en su totalidad si quieres, y sí, lo hice), y el cartero, sentado encima de una pila de cartas que no se pueden entregar, cada una con sus propias historias introspectivas que dan alcance y profundidad a las vidas de quienes viven en esta nave espacial convertida en ciudad submarina.

Cada personaje es tan distinto en su apariencia como en su visión de la vida, incluso con la perspectiva compartida de vivir en los confines de una pequeña colonia bajo el agua. Harold especialmente es casi infantil en su perspectiva, pero no de una manera inmadura. Es más exacto decir que ofrece un reflejo del pequeño mundo que conoce. Se le puede confundir con un torpe, incluso un tonto (y algunos personajes lo tratan como tal), pero cuando Harold está solo, a menudo es imaginativo y teatral, una característica que sólo tú, el jugador, ve, lo que le da una sensación profundamente perspectiva humanizadora a los lados de personas que rara vez vemos.

Las conversaciones pueden parecer intrascendentes en el gran esquema de la trama del juego, pero son invaluables para hacer que este mundo hecho a mano se sienta vivo. y vivió. Dicho esto, hay una historia general convincente sobre los restos de la Tierra que FEDORA dejó atrás, una corporación con motivos ocultos, una sociedad secreta que desentraña conspiraciones y los misterios del mundo acuático en el que se desarrolla el juego. Al final del segundo acto, hay un cambio de tono que allana el camino para una aventura mucho más extraña y profunda de lo previsto. Pero por muy atractivas que sean esas narrativas, la mayor impresión que me dejó el avance fueron las docenas de historias que sucedieron en el medio.

Es fácil ver a Harold Halibut tal como es en la superficie: un juego desarrollado literalmente a mano. Deja una impresión sorprendente. Pero lo más impresionante de mi tiempo con el juego es ver un concepto de 14 años de desarrollo, creado entre trabajos independientes y aprender habilidades de creación de juegos desde cero, que es tan denso en sustancia e historias que contar como visualmente algo para ser comentado. Como instalarme con un buen libro, espero tomarme mi tiempo con Harold Halibut cuando se publique en abril y leer entre líneas los puntos principales de la trama en busca de los detalles más pequeños que seguramente recompensarán a aquellos que sean lo suficientemente pacientes como para encontrar a ellos.

Aficionados de Cosas extrañas todavía tiene Falta un tiempo para que podamos ver la temporada 5. — la conclusión de los hermanos Duffer a las batallas de nuestros héroes de Hawkins, Indiana, con las criaturas del revés. Sin embargo, si te encuentras en el West End de Londres, es posible que tengas la oportunidad de ver la producción teatral. Cosas más extrañas: la primera sombra. En noviembre se realizaron avances de la precuela, antes de su estreno oficial el 14 de diciembre, y los críticos están opinando sobre cómo Serie de Netflix que bate récords transiciones al escenario.

La obra está ambientada en 1959, el año en que Henry Creel (también conocido como Número Uno, también conocido como Vecna) y su familia se mudan a Hawkins, e incluye una Número de personajes con los que ya estamos familiarizados., incluidos Joyce (Isabella Pappas), Hopper (Oscar Lloyd) y Bob (Chris Buckley), además de, por supuesto, Henry (Louis McCartney) y el Dr. Brenner (Patrick Vaill). Shannon Connellan de Mashable elogia la actuación y compara la producción con Harry Potter y el niño maldito, ya que las producciones comparten varios miembros del equipo. Connellan escribe:

Al igual que su predecesor de Harry Potter, el arte escénico de The First Shadow es nada menos que mágico, una impecable variedad técnica de mapeo de proyección y pirotecnia, y el diseñador de iluminación ganador del Tony/Olivier, Jon Clark, hace maravillas con el espacio. La impresionante secuencia inicial de la obra envuelve al público con suficientes efectos como para hacer chillar a William Castle, y el impacto es una inmersión total en el mundo de Hawkins y el inminente Upside Down. Los amantes del teatro incondicional pueden estar en desacuerdo con la cantidad de pantallas involucradas en la producción, habilitando fondos e incluso estableciendo tomas antes de que comience la acción en el escenario, pero después de todo, esta es una producción de Netflix.

Al presentar el estreno en Medio Oriente y Norte de África de “Silent Night” de John Woo en el Festival de Cine del Mar Rojo, el actor Joel Kinnaman enfatizó la rara oportunidad de que “todos en el mundo vean la misma película”. El actor se refiere al hecho de que la primera película estadounidense de Woo en 20 años no presenta ningún idioma (es decir, ningún idioma hablado) y, por lo tanto, no necesita subtítulos.

Los personajes del thriller de venganza no tienen ni una sola línea de diálogo a lo largo de la película, y los únicos fragmentos de discurso provienen de música diegética, algunas breves transmisiones de radio y mensajes telefónicos.

Hablando con Variedad En Jeddah, Arabia Saudita, el sueco dijo que desde el principio tuvo la sospecha de que la película se traduciría de una manera que “ninguna otra película lo hace”.

“Crecí viendo películas subtituladas pero siempre hay un matiz en el lenguaje que se pierde. Aún puedes obtener la experiencia, pero algunos de los matices están mal. [In ‘Silent Night’] esto no sucede. Estás viendo la misma película que todos los demás tal como se cuenta visualmente”. Debido a esta facilidad de acceso, la estrella dijo que sentía que la película sería más importante a nivel internacional que en Estados Unidos.

Kinnaman está en Jeddah no sólo para promocionar su última película, sino también como parte del jurado del concurso del Festival de Cine del Mar Rojo, junto al presidente Baz Luhrmann y sus compañeros actores Freida Pinto, Amina Khalil y Paz Vega. «Ha sido interesante», dijo sobre la experiencia. “Acabamos de comenzar nuestras funciones como jurado, pero sentarnos a ver estas películas con tanta intensidad desde una región donde solo había visto alguna que otra película ha sido increíble”.

El actor añadió que considera apasionante el rápido desarrollo de la industria cinematográfica saudita.

“Creo que esta mezcla cultural es increíblemente importante para toda la región y el mundo. Hay gente en Occidente que todavía no se da cuenta de esto y no quiere asociar [with the region] hasta que las cosas sean perfectas. Creo que es una forma muy retrógrada de ver las cosas y es una falta de visión, no entender el impacto de Medio Oriente en general y lo que está sucediendo aquí”.

Recientemente, el actor tenía previsto rodar su primer largometraje en Arabia Saudita, el thriller de abducción extraterrestre de Neill Blomkamp «They Found Us». La película, que estaba en su etapa de preproducción, estaba programada para tener lugar en la extensa región saudí de Neom, pero se detuvo en octubre para reelaborar la estructura financiera del proyecto. Las producciones de Hollywood ya han comenzado a emprender el viaje hacia Arabia Saudita, con “Desert Warrior” de Rupert Wyatt, protagonizada por Anthony Mackie y Ben Kingsley filmada en Neom, y el vehículo de acción de Gerard Butler “Kandahar” filmado íntegramente en AlUla.

«Está claro que los esfuerzos que se están realizando son genuinos», dijo Kinnaman sobre la floreciente industria cinematográfica del país. “Tienen recursos para construir estudios y crear oportunidades para que vengan proyectos internacionales. Por supuesto, van a necesitar educación a nivel local para crear una base de la que puedan sacar provecho estas producciones más grandes, porque cuando tienes un gran proyecto tienes que traer a todo el equipo de afuera y se vuelve más costoso”.

Cuando se le preguntó si se podría esperar verlo en Arabia Saudita con más frecuencia en un futuro próximo, el actor fue categórico: “No me sorprendería. No me sorprendería en absoluto”.

Las primeras reacciones a la de Paul King Wonkala precuela de La amada de Roald Dahl Charlie y la fábrica de chocolateestán dentro, con muchos elogios para la estrella de la película Timothée Chalamet como el enigmático Willy Wonka.

La película de origen sigue a Willy Wonka de Chalamet desde sus inicios vendiendo dulces en una pequeña tienda hasta su ascenso como un genio chocolatero excéntrico y la creación de su fantástica fábrica de chocolate.

«#Wonka/ #WonkaMovie es una creación ganadora, llena de cantidades perfectas de encanto, fantasía y intensidad, impulsada por pura imaginación y números musicales brillantes y ágiles», escribió Courtney Howard. “Timothée Chalamet es una fábrica de carisma. Su total compromiso es embriagador. Hugh Grant en modo IDGAF excepcional”.

Gizmodo El periodista senior Germain Lussier escribió que Chalamet «por sí solo es motivo para ver la película», y agregó: «Es infinitamente encantador y divertido de ver». Sin embargo, escribió: “La película que lo rodea no es tan buena pero es agradable. La historia y el tono luchan entre sí dejándolo un poco confuso. Y, sin embargo, está lleno de alegría y las canciones son deliciosas”.

Zoë Rose Bryant llamó a Wonka un “clásico navideño instantáneo” y agregó: “un momento verdaderamente mágico en el cine el estilo caprichoso de Paul King funciona tan bien aquí como en Paddington, cada número musical encanta y todo el conjunto se turna para robarse el espectáculo, dirigido por un infinitamente encantador timothée chalamet”.

VariedadJazz Tangcay describió la película como “visualmente encantadora”: “Un saludo a [production designer] Nathan Crowley, la construcción de su mundo es fantástica en todos los sentidos”.

Vea estas y otras reacciones adicionales a continuación.

La película de Warner Bros está dirigida por Paddington director King a partir de un guión que coescribió con Simon Farnaby. El reparto también incluye a Keegan-Michael Key, Rowan Atkinson, Sally Hawkins, Olivia Colman, Jim Carter, Matt Lucas, Natasha Rothwell, Tom Davis, Mathew Baynton y Simon Farnaby.

Hugh Grant interpreta al Oompa-Loompa «algo así como un enorme» llamado Lofty. El elenco adicional incluye a Peter Joseph, Rich Fulcher, Kobna Holdbrook-Smith, Calah Lane, Colin O’Brien, Rahkee Thakrar, Ellie White, Murray McArthur y Tracy Ifeachor.

Wonka se estrena en cines el 15 de diciembre.

#Wonka/ #WonkaPelícula es un dulce ganador, lleno de cantidades perfectas de encanto, fantasía y conmoción, impulsado por pura imaginación y números musicales brillantes y ágiles. Timothée Chalamet es una fábrica de carisma. Su total compromiso es embriagador. Hugh Grant en modo IDGAF excepcional. pic.twitter.com/vjKJqqY6ll

– Courtney Howard (@Lulamaybelle) 28 de noviembre de 2023

Timothée Chalamet es el único motivo para ver #WonkaPelícula. Es infinitamente encantador y divertido de ver.

La película que lo rodea no es tan buena pero se disfruta. La historia y el tono luchan entre sí dejándolo un poco confuso. Y, sin embargo, está lleno de alegría y las canciones son deliciosas. pic.twitter.com/s1zlqtzIgv

– Germain Lussier (@GermainLussier) 28 de noviembre de 2023

#Wonka es una delicia súper encantadora impulsada por una actuación excepcional y perfecta de Timothée Chalamet. Puede volverse bastante tonto y hay algunos puntos de la trama que son un poco débiles, pero eso no pudo detener una película tan increíblemente dulce con una fuerte y muy… pic.twitter.com/1SLMmRPSGY

-Perri Nemiroff (@PNemiroff) 28 de noviembre de 2023

#wonk es un clásico navideño instantáneo y un momento verdaderamente mágico en el cine. El estilo caprichoso de Paul King funciona tan bien aquí como en Paddington, cada número musical encanta y todo el conjunto se turna para robarse el espectáculo, liderado por una infinitamente encantadora Timothée Chalamet. . pic.twitter.com/O887KYp4CY

– Zoë Rose Bryant (@ZoeRoseBryant) 28 de noviembre de 2023

#Wonka Me sorprendió lo mucho que me gustó. Es caprichoso y aprovecha esa sensación de asombro que obtuvimos del original mientras hace lo suyo. Timothée Chalamet canaliza la energía de Gene sin causar impresión. Gran película familiar para las vacaciones. #WonkaPelícula pic.twitter.com/qJKHYwnPMH

– Cabina de Kaitlyn (@katiesmovies) 28 de noviembre de 2023

Mientras que Paul King #Wonka no alcanza las alturas encantadoras y seductoras de las películas de Paddington, sigue siendo un placer deliciosamente dulce. El dandy titular de Timothée Chalamet es entrañable y divertido, mientras que Oompa-Loompa de Hugh Grant se roba cada escena en la que se encuentra. #WonkaPelícula pic.twitter.com/SRMSFcJ0Gy

-Simon Thompson (@ShowbizSimon) 28 de noviembre de 2023

Desde el principio, «Mononoke» es simplemente impresionante. El espectáculo emplea un estilo artístico único que recrea la estética del teatro Kabuki y las pinturas Ukiyo-e. Al igual que el fenomenal «Gankutsuou: El Conde de Montecristo», los personajes están pintados sobre un fondo texturizado de modo que cuando se mueven, las texturas de la ropa de los personajes permanecen estáticas. Este estilo no solo le da al programa una estética basada en la época en la que se desarrolla la historia, sino que también crea una apariencia un poco desconcertante. Las texturas inamovibles parecen surrealistas, salvajes, espeluznantes y añaden horror a la historia.

Asimismo, el uso de este estilo artístico distintivo incluso ayuda con algunos de los elementos más anticuados de la animación. La combinación de 3D y 2D a veces crea un efecto intrínsecamente extraño que es fácil no notar el CG envejecido utilizado en algunos fondos.

He mencionado antes en esta columna lo refrescante y emocionante que es ver un programa de anime (o cualquier programa actual, en realidad) usar un formato episódico para contar su historia. En el caso de «Mononoke», la historia es esencialmente una colección de casos de detectives inconexos. Cada uno abarca dos o tres episodios y tiene monstruos, temas y personajes distintos. Es una elección fantástica que hace que el estilo artístico desconcertante sea más fácil de asimilar porque la historia tiene pausas naturales integradas en la temporada.

Es raro obtener una película original de ciencia ficción que no esté basada en una propiedad intelectual existente en esta era de adaptaciones y megafranquicias de superhéroes. Entonces El creador es una oferta bienvenida en el género, que combina elementos de Distrito 9, ex machina, Cazarecompensasy Apocalipsis ahora, entre otros, para producir una historia visualmente impactante y oportuna de una guerra entre humanos y IA. Está dirigida por Gareth Edwards, mejor conocido por la película de 2014. Godzilla y Rogue One: Una historia de Star Wars en 2016.

(Algunos spoilers leves a continuación, pero ninguna revelación importante).

la inspiración para El creador vino después-Pícaro uno, cuando Edwards realizó un viaje por carretera por el Medio Oeste. Vio un extraño edificio con un logo japonés en medio de uno de los interminables campos, y su mente saltó instantáneamente a los robots. ¿Qué pensaría un robot construido dentro de esa fábrica cuando se encontrara con el campo y el mundo exterior por primera vez? «Parecía el comienzo de una película», recordó Edwards, y se encerró en un hotel en Tailandia para escribir el guión. También se unió a un colega director en una gira por Vietnam. «Empecé a imaginar enormes estructuras futuristas surgiendo de los arrozales… y me emocioné mucho con la idea de algo Cazarecompensas-esque ambientado en Vietnam», dijo. El resultado final fue El creador.

La película comienza en el año 1955, cuando una IA creada por el gobierno de Estados Unidos detona una ojiva nuclear sobre Los Ángeles, lo que hace que Estados Unidos y sus aliados occidentales esencialmente le declaren la guerra a la IA. Pero la gente de Nueva Asia adoptó la IA, avanzando la tecnología lo suficiente durante la próxima década como para producir «simulantes», robots con apariencia humana vistos como iguales a los humanos. Para entonces, la guerra entre Occidente y Oriente ya está en marcha. Estados Unidos tiene una poderosa ventaja con NOMAD, una estación aeroespacial de gran altitud capaz de atacar desde órbita.

John David Washington (El protagonista de Principio) interpreta a Joshua Taylor, un sargento y operador encubierto estadounidense que vive en Nueva Asia. En 2070, se le encarga encontrar y destruir una nueva arma denominada «Alpha O», supuestamente capaz de destruir a NOMAD. Pero «Alpha O» resulta ser un simulante en la forma de un niño pequeño, a quien Joshua llama «Alphie». Su renuencia a cumplir su misión matando a Alphie impulsa los acontecimientos posteriores de la película.

Edwards no tenía un Guerra de las Galaxiaspresupuesto de gran tamaño para El creadorpor lo que su experiencia inicial en el rodaje de su primer largometraje independiente, monstruos (2010), resultó útil. En particular, decidió invertir el orden en el que normalmente se hacen las películas de los grandes estudios. El proceso suele implicar diseñar el mundo ficticio y construir enormes decorados en un estudio, rodando escenas contra una pantalla verde. Edwards convenció al estudio para que le permitiera realizar la fotografía principal en exteriores y editar la película. Sólo entonces traería diseñadores y personal de efectos visuales para superponerle un mundo futurista de ciencia ficción.

Ars habló con el director de fotografía Oren Soffer para conocer más sobre la realización de El creador.

Ars Technica: Tenías un presupuesto razonable para esta película, pero no un presupuesto de gran éxito. ¿Hubo ventajas al tener esas limitaciones?

Oren Soffer: En cierto modo, ese tipo de limitaciones terminan siendo la clave para desbloquear la creatividad. Puedes mirar hacia atrás en la historia del cine y ver muchos ejemplos de eso, como el cine francés de la Nueva Ola en la década de 1960. Estas son películas que se hicieron con fracciones de presupuesto porque simplemente no había mucho dinero en Francia en ese momento. Así que cineastas como Francois Truffaut, Jean-Luc Godard y Agnès Barta utilizaron lo que tenían. Lo que tenían era París. Tenían disponibles cámaras livianas y livianas que podían llevarse al hombro, y simplemente filmaron en exteriores sin todas las herramientas tradicionales que necesitaría para filmar una película de mayor presupuesto, como un escenario de sonido, plataformas rodantes, grúas y luces.

Esa misma mentalidad se aplica hoy. El original Guerra de las Galaxias en 1977 tenía limitaciones similares. George Lucas trabajaba con un presupuesto relativamente pequeño, lo que le obligó a pensar creativamente, rodar en exteriores y ser frugal con la escenografía y el diseño visual. Esa película cambió el cine para siempre. Adoptamos ese estilo cinematográfico que realmente se apoya en las limitaciones. No fue sólo el espíritu del diseño lo que aplicaron Gareth e Industrial Light Magic. Desde el punto de vista cinematográfico, en el departamento de cinematografía, hay mucho exceso en el cine de gran presupuesto. No es necesariamente algo negativo. Es una póliza de seguro. Es asegurarse de tener esta herramienta y esta cantidad de soporte por si acaso.

Pero eso puede convertirse rápidamente en una bola de nieve y terminar dejándote con un montón de luces, un montón de camiones y un montón de tripulación para apoyarlo. Luego, antes de que te des cuenta, estás filmando una película de gran éxito con una gran huella que es muy difícil de mover y es muy difícil ser ágil, reactivo y espontáneo, que es lo que queríamos para esta película. Así que intencionalmente redujimos nuestra huella y nos forzamos a aceptar estas limitaciones, sabiendo que teníamos un conjunto limitado de herramientas con las que trabajar y que íbamos a tener que ceñirnos a esas herramientas. Eso nos obligaría a pensar creativamente, pero también nos permitiría una libertad y flexibilidad que serían inalcanzables en un rodaje más grande con una huella más grande.

A partes iguales terminador, El niño dorado y La matriz precuela, El creador es otra epopeya de ciencia ficción más sobre una guerra entre humanos y IA, contada por alguien que simplemente no puede dejar de hablar de su tiempo viajando con mochila por Asia. El director Gareth Edwards entiende claramente el poder de la escala y el espectáculo, algo que demostró con su película independiente. monstruosasí como sus esfuerzos de gran presupuesto, Godzilla y Pícaro uno. Pero El creador, al igual que esas películas, también adolece de una narrativa inconexa, personajes débiles y una exploración sorprendentemente superficial de sus temas (¡potencialmente interesantes!). Es una pena: a veces, la película también demuestra que puede ser un auténtico poeta visual.

El creador Está protagonizada por John David Washington, recién salido de Tenet de Christopher Nolan, como Joshua, un soldado estadounidense incrustado entre un grupo de rebeldes de la IA como agente doble. Cuando una operación sale mal desde el principio, pierde a su esposa rebelde Maya (Gemma Chan) y la voluntad de seguir librando la guerra entre el Occidente anti-IA y el país de Nueva Asia, amante de la IA. (Sí, esta es una película en la que muchas personas, culturas e idiomas de toda Asia se fusionan en una sola nación).

A través de una serie de noticieros torpes que abren la película, vemos el surgimiento de la inteligencia artificial como una bendición potencial para la humanidad, así como la creación de Simulantes, seres impulsados ​​por IA con cuerpos y piel similares a los humanos. Cuando una bomba nuclear golpea Los Ángeles y destruye a millones de personas en segundos, Estados Unidos y otros países occidentales culpan a la IA y prohíben su uso. Y así comienza la guerra con Nueva Asia, donde la gente vive junto a la IA y apoya su rebelión contra Occidente. Naturalmente, Estados Unidos termina construyendo un arma asesina de un billón de dólares: Nomad, una enorme nave espacial que puede destruir cualquier lugar de la Tierra.

En un último esfuerzo por ganar la guerra, Joshua tiene la tarea de encontrar una nueva y poderosa arma de inteligencia artificial y destruirla. ¡Sorpresa! Es una adorable niña IA (interpretada por la dolorosamente dulce Madeleine Yuna Voyles). Joshua no tiene el corazón para matar al niño, a quien llama Alfie (basado en su designación original, «Alfa Omega»).). Luego, la pareja emprendió un viaje Lobo solitario y cachorro viajan juntos, como suele suceder cuando un guerrero canoso es emparejado con un niño inocente.

Si estás obteniendo sombras de Guerra de las Galaxias Aquí, un imperio malvado crea un arma espacial masiva para acabar con los rebeldes, no estás solo. Mientras El creador Es técnicamente una propiedad original, se aleja tanto de la ficción existente que aún termina sintiéndose como un facsímil visualmente exuberante. Es como si ChatGPT remezclara tus favoritos de ciencia ficción y ofreciera el mejor protector de pantalla del mundo.

Lo primero que hay que saber sobre «The Creator» es que logra construir un mundo de ciencia ficción creíble y visualmente sorprendente. La película comienza con imágenes de noticieros que cuentan la historia de la relación de la humanidad con los robots y cómo se creó la IA para ayudar a los humanos en el trabajo manual. Luego nos volvimos demasiado dependientes de ellos a medida que asumían cada vez más puestos de trabajo, incluidos los de seguridad y guerra. Entonces, un día, detonaron una bomba nuclear en Los Ángeles que mató a un millón de personas y desató una guerra. Una década después, toda la IA está prohibida en Occidente, mientras los países asiáticos se unían para crear la Nueva Asia, donde la IA todavía prospera y vive al lado de la humanidad.

Si bien el mundo de «The Creator» y sus imágenes hacen gran parte del trabajo pesado, aún presenta algunas actuaciones poderosas, particularmente de John David Washington y la recién llegada Madeleine Yuna Voyles. El primero interpreta a Joshua, un soldado estadounidense encargado de encontrar a «Nirmata», el creador titular cuyo papel en el movimiento de la IA se mantiene demasiado vago para saber por qué es importante, salvo porque nos dicen que lo es. Pero después de que los militares se ponen a disparar, Joshua se encuentra solo y sin amigos, mientras lucha por decidir si debe matar el arma más nueva de Nirmata que podría destruir a la humanidad, que tiene la forma de una joven llamada Alfie (Voyles).

Al igual que «Rogue One», «Monsters» o la «Star Wars» original, «The Creator» de Edwards pinta la imagen de un mundo que se siente habitado y pensado, donde el aspecto de cada edificio, cada pieza de tecnología, y cada detalle del trasfondo cuenta una historia rica en historia. Mucho de lo que sabemos del mundo de «El Creador» se cuenta visualmente en lugar de a través de una exposición, lo cual es un cambio de ritmo bienvenido en estos días.

ALAN DESPERTAR 2

28 de agosto de 2023 a las 10:12

Pronto habrá una tarjeta gráfica de Nvidia para Alan Wake 2, pero solo puedes ganarla. Le revelamos cómo puede obtener el RTX 4090 con el diseño correcto de forma gratuita.

• Nvidia regala una tarjeta gráfica con un diseño a juego con Alan Wake 2.
• Sigue la cuenta de Nvidia, dale me gusta al tweet y comenta #RTXON para ganar.
• La competencia RTX 4090 finaliza el 20 de septiembre.

Alan Wake 2 se lanzará el 27 de octubre, pero antes puedes ganar una tarjeta gráfica de Nvidia con un diseño que combine con el juego de terror.

Como anunció la compañía en X (anteriormente Twitter), puedes ganar la tarjeta gráfica del juego siguiendo la cuenta, dando me gusta al tweet y comentando #RTXON. El concurso finaliza el 20 de septiembre.

Si no gana la tarjeta gráfica, es posible que tenga más suerte en la competencia de Overwatch 2. Alternativamente, Nvidia también ofrece varios paquetes de Overwatch 2.

Por supuesto, también puedes comprar tarjetas gráficas de AMD y Nvidia sin paquete. Le contamos cómo puede comprar tarjetas gráficas a un precio especialmente económico.

EXCLUSIVO: Solo unas 40.000 personas trabajan en la minería del carbón en los EE. UU., un número modesto en comparación con otras líneas de trabajo: 1,7 millones de personas, por ejemplo, están empleadas en la industria automotriz.

Y, sin embargo, el carbón y la minería del carbón ocupan un lugar casi mítico en la imaginación estadounidense que desmiente las estadísticas de la fuerza laboral. en el documental carbón rey, la cineasta nominada al Oscar y nativa de los Apalaches, Elaine McMillion Sheldon, examina una parte del país profundamente incrustada, se podría decir, en la roca carbonizada. A medida que Estados Unidos se aleja cada vez más del carbón como fuente de energía y se acerca a las energías renovables, el futuro del país del carbón sigue siendo incierto.

“Un tapiz lírico de un lugar y una gente, carbón rey medita sobre la compleja historia y el futuro de la industria del carbón, las comunidades que ha formado y los mitos que ha creado”, señala una descripción de la película. “La cineasta nominada al Oscar, Elaine McMillion Sheldon, remodela los límites de la realización de documentales en una inmersión espectacularmente hermosa y profundamente conmovedora en los Apalaches centrales, donde el carbón no es solo un recurso, sino una forma de vida, imaginando las formas en que una comunidad puede reimaginarse a sí misma”.

carbón rey abre en Nueva York en DCTV Theatre el 11 de agosto, expandiéndose en las siguientes semanas a ciudades y pueblos como Los Ángeles, Chicago, Atlanta, Nashville, Pittsburgh, Bluefield, WV, Charleston, WV, Hinton, WV, Akron, Ohio y Blacksburg, VA. Tenemos su primer vistazo a la película en el tráiler de arriba.

“Desde que se estrenó en Sundance en enero, hemos tenido la oportunidad de llevar esta película al público de todo el país, y está claro que, aunque carbón rey documenta los mitos, fábulas y realidades de un lugar específico, Appalachia, la historia de agitación y pertenencia es universal y algo profundamente sentido por muchos en este momento”, dijo Sheldon en un comunicado. “Ha sido muy refrescante ver al público responder a los elementos de no ficción que superan los límites y la naturaleza inmersiva de la película, ya que recurre a todos los sentidos y se resiste a soluciones demasiado simplificadas para nuestro futuro. carbón rey es realmente una experiencia cinematográfica, que incorpora coreografía, un artista del sonido y la respiración, y una partitura no tradicional, que creemos que se experimenta mejor en comunidad con otros en los cines”.

Además de Sundance, carbón rey ha tocado en numerosos festivales de todo el país, incluidos San Francisco, Doclands del condado de Marin, Sarasota, Cleveland, Minneapolis-St. Paul y Woods Hole. Es producido por los ganadores del Oscar Shane Boris y Diane Becker, quienes colaboraron en Navalniy la ganadora del Premio IDA Peggy Drexler (Mike Wallace está aquí).

“La visión distintiva de Sheldon remezcla los momentos actuales de la vida en un pueblo minero de carbón con imágenes de archivo e invocaciones atmosféricas de la tierra para alquimizar algo nuevo: una representación rara y matizada de esta comunidad”, escribieron los programadores de Sundance en su guía del festival. “Una niña que aprende la historia del carbón ancla el viaje, mientras que la poética voz en off de Sheldon nos guía a través de la experiencia y una partitura expresiva diferencia la realidad del carbón de un mundo más imaginativo”.

Mira el tráiler arriba.