Todos los sábados y domingos a las 19:17, Pierre de Vilno recibe a un invitado poco convencional para arrojar nueva luz sobre la actualidad. Esta tarde Olivier Michelon, comisario asociado de la Fundación Louis Vuitton de la exposición “Basquiat x Warhol”.

Propósito y carácter. Estos ahora están sólidamente consagrados como las palabras de moda de la ley de derechos de autor tras el fallo de 7-2 de la Corte Suprema a principios de esta semana en el caso que involucra la herencia de Andy Warhol y la fotógrafa Lynn Goldsmith.

La decisión a primera vista parecía ser una clara victoria para los propietarios de derechos de autor y los artistas que crean obras originales. Pero la decisión mayoritaria de la corte, escrita con brío por la jueza Sonia Sotomayor, ya está provocando divisiones entre los expertos en derechos de propiedad intelectual. Demuestra la dificultad de establecer reglas duras y rápidas sobre cuestiones altamente subjetivas, como cuándo una obra artística o literaria es “transformadora” de una obra anterior y si su uso final es con fines comerciales o no. El caso ha sido observado de cerca en parte porque seguramente tendrá implicaciones para la ola de obras de arte y literatura generadas por IA que surgirán, y la ola de litigios aún más grande que probablemente seguirá.

La decisión de Warhol de la Corte Suprema se basa en el concepto legal de «uso justo», que permite el uso de obras protegidas por derechos de autor sin el permiso del propietario en determinadas circunstancias, como escribir críticas o comentarios sobre esas obras, o para su uso en reportajes de noticias, enseñanza , beca o investigación. El concepto de uso justo ha sido reforzado en la ley por una prueba de cuatro factores, o cuatro principios rectores diseñados para ayudar a los jueces a decidir dónde trazar la línea. En el pasado, si el trabajo subsiguiente se veía como «transformador» de los materiales protegidos por derechos de autor subyacentes, agregando nuevos elementos que cambian el significado o el propósito del trabajo original, eso podría ganar la protección por un reclamo de uso justo.

En Andy Warhol Foundation for the Visual Arts Inc. vs. Goldsmith, el caso se centró en el uso de una serigrafía de color naranja de Warhol de una fotografía de Prince (también conocido como Orange Prince) en una portada de la revista Vanity Fair de 2016 que rendía homenaje a la músico legendario después de su muerte. Goldsmith tomó la foto original de Prince que Warhol había adaptado para Vanity Fair como un Príncipe de color púrpura en 1984. En ese entonces, Goldsmith recibió un pago de $ 400 y recibió un crédito de fotógrafo fuente de Vanity Fair. En 2016, Vanity Fair obtuvo la licencia de la imagen del Príncipe Naranja de la Fundación Warhol por $ 10,000. Después de que Goldsmith alertó a la Fundación Warhol de que creía que sus derechos de autor habían sido violados por el uso de Orange Prince en 2016, la fundación la demandó y solicitó una sentencia declaratoria de no infracción. Goldsmith contrademandó. El tribunal inferior falló a favor del reclamo de uso justo de la Fundación Warhol, pero eso fue revocado en la apelación.

La decisión del tribunal superior, publicada el 18 de mayo, confirmó el razonamiento del tribunal de apelaciones de que, en esencia, la foto de Goldsmith y el tratamiento de Warhol de esa foto eran fundamentalmente lo mismo: una imagen de Prince utilizada para ilustrar un artículo de revista. El hecho de que la Fundación Warhol cobrara un cheque de $10,000 por la licencia de Orange Prince a Vanity Fair fue claramente un factor clave para la mayoría. La afirmación de la Fundación Warhol de que el tratamiento de la foto por parte de Warhol le dio un “significado y mensaje” completamente diferente no convenció a Sotomayor y seis de sus colegas juristas.

“Si una obra original y un uso secundario comparten los mismos propósitos o son muy similares, y el uso secundario es comercial, es probable que el primer factor de uso justo pese en contra del uso justo, en ausencia de alguna otra justificación para copiar”, escribió Sotomayor.

Ilustrando cuán subjetivos y divisivos pueden ser estos temas, la decisión de la mayoría provocó un incendio en la jueza Elena Kagan, quien escribió una disidencia belicosa en la que se unió el presidente del Tribunal Supremo, John Roberts.

“Sofocará la creatividad de todo tipo. Impedirá el arte, la música y la literatura nuevos. Frustrará la expresión de nuevas ideas y el logro de nuevos conocimientos”, escribió Kagan. “Hará que nuestro mundo sea más pobre”.

Kagan incluso criticó a la mayoría por escribir a la defensiva, en su opinión, sobre su disidencia en su decisión de 38 páginas.

“La opinión de la mayoría está entrenada en este disenso de una manera que las opiniones de la mayoría rara vez lo están. ¿Quizás eso hace que la opinión de la mayoría se refute a sí misma?” Kagan observó en una nota al pie.

Kagan cita testimonios sobre la creación artística de Shakespeare a Richard Rodgers a Nick Cave al grupo de rap que vive en la tradición de la ley de derechos de autor, 2 Live Crew (que libró una larga batalla legal en la década de 1990 por el uso de la canción de Roy Orbison «Pretty Woman ”) para reforzar su argumento de que la creación de nuevas obras a veces requiere la inspiración y el préstamo de materiales existentes protegidos por derechos de autor. Ella escribe en detalle sobre el proceso de serigrafía y el tratamiento de color que Warhol le dio a la fotografía original de Goldsmith en 16 imágenes que se conocieron como Prince Series.

Sotomayor no se dejó influir. La decisión de la mayoría también se basa en gran medida en la noción de obras derivadas, un concepto querido por Hollywood, lo que significa que el propietario original de los derechos de autor debería tener la capacidad de transformar su propia obra, o exigir una licencia si otra entidad intenta adaptar un libro en una película, o viceversa.

“Si el último siglo de arte, literatura, música y cine estadounidense es un indicio, la ley de derechos de autor existente, de la cual la opinión actual es una continuación, es un poderoso motor de creatividad”, escribió. “No empobrecerá a nuestro mundo el requerir [Warhol estate] pagar a Goldsmith una fracción de las ganancias de la reutilización de su trabajo protegido por derechos de autor. Recuerde, pagos como estos son incentivos para que los artistas creen obras originales en primer lugar. La decisión de la Corte, que es consistente con los principios de uso justo de larga data, tampoco apagará la luz de la civilización occidental, devolviéndonos a la Edad Media de un mundo sin Tiziano, Shakespeare o Richard Rodgers”.

Los expertos en leyes de derechos de autor dijeron que la decisión de Warhol tendrá el efecto de consagrar el primero de los cuatro factores en la prueba del uso justo como la medida más importante para adjudicar reclamos de infracción de derechos de autor. Ese primer factor se define en la ley como una cuestión de cuál es “el propósito y el carácter del uso, incluido si dicho uso es de naturaleza comercial o tiene fines educativos sin fines de lucro”.

El primer factor se define en la ley de derechos de autor como:

Los otros tres factores son:

En la decisión de Warhol, la mayoría destaca que el fallo gira sobre la instancia específica de la licencia de 2016 de Orange Prince para uso de Vanity Fair. No pretende abrir una ola de demandas derivadas del prodigioso uso que hace Warhol del trabajo de otros fotógrafos en su arte. La decisión señala que una lectura más liberal del uso justo podría permitir que artistas más famosos se beneficien del trabajo de creadores menos conocidos al afirmar que el trabajo se transforma solo por asociación con un nombre en negrita como Warhol. El argumento de la Fundación Warhol ante el tribunal superior se basó en persuadir a los jueces de que el factor número 1 favorecía su caso. Pero la mayoría de la banca se fue por el otro lado.

“Las obras originales de Goldsmith, como las de otros fotógrafos, tienen derecho a la protección de los derechos de autor, incluso frente a artistas famosos”, escribió Sotomayor. “Tal protección incluye el derecho a preparar obras derivadas que transformen el original. No obstante, el uso de una obra protegida por derechos de autor puede ser justo si, entre otras cosas, el uso tiene un propósito y un carácter suficientemente distintos del original. En este caso, sin embargo, la fotografía de Prince de Goldsmith y [Warhol Foundation’s] copiar el uso de la fotografía en una imagen con licencia para una revista de edición especial dedicada a Prince, comparten sustancialmente el mismo propósito comercial. [Warhol Foundation] no ha ofrecido ninguna otra justificación persuasiva para el uso no autorizado de la fotografía”.

Un día después de que se tomó la decisión, los expertos en derechos de autor la volvieron a leer detenidamente para comprender su significado. Llega en un momento en que los principales actores como Getty Images tienen al menos dos demandas pendientes contra las empresas de tecnología de inteligencia artificial por ingerir millones de fotos propiedad de Getty que se encuentran en línea.

“Creo que el tribunal acertó”, dijo Jane C. Ginsburg, profesora de derecho de propiedad literaria y artística en la Facultad de Derecho de la Universidad de Columbia. Variedad. Ginsburg presentó un escrito de amicus curiae en el caso de Warhol con otros dos juristas. “Enfatizamos la necesidad de resolver la relación entre los derechos de trabajo derivados y el uso justo. Y subrayamos la cuestión de la licencia”.

Ginsburg y otros enfatizaron que el primero de los cuatro factores de uso legítimo siempre parecía tener más influencia que los otros tres, en parte porque es bastante amplio.

“Si la prueba es si creaste algo nuevo, entonces mi problema es dónde trazas la línea”, dijo Ginsburg. “No creo que realmente queramos que los jueces sean críticos de arte y evalúen cuál es el mérito del arte del artista que ha estado construyendo sobre el trabajo de otro artista”.

Pero otros sienten que esta interpretación más estrecha de los derechos de uso legítimo tendrá un efecto paralizador en la creación artística. También podría retrasar significativamente el progreso de las tecnologías de aprendizaje automático que han ingerido miles de obras protegidas por derechos de autor con el objetivo de hacer avanzar las tecnologías de IA.

“El uso justo es una herramienta importante para proteger el arte nuevo”, dijo Madhavi Sunder, profesora de Georgetown Law. Variedad. “Si bien muchos artistas simpatizaban con Goldsmith como el ‘pequeño artista’ que tenía derecho al reconocimiento y la compensación, este [decision] para muchos artistas va a poner más obstáculos, permisos y regalías en la forma de usar insumos en nuevos trabajos”.

En cuanto a la cuestión ahora omnipresente de la IA, el desafío para los derechos de autor en el ámbito comercial es entrenar a la máquina para que cree obras que sean lo suficientemente diferentes para que no infrinjan los derechos de autor subyacentes. Pero advierte contra los peligros de detener el progreso del aprendizaje automático debido a problemas de derechos de autor.

“No deberíamos detener el proceso de las máquinas que replican el aprendizaje humano”, dijo Sunder, porque ese es el camino para “permitir que la IA encuentre formas de ser innovadora”. Señaló el reciente caso de plagio que ganó el músico Ed Sheeran en un reclamo presentado por el patrimonio de Marvin Gaye.

“El futuro de la [music] la industria depende de la libertad de inspirarse y crear un nuevo trabajo y no ser sofocado por los derechos de autor”, dijo Sunder. La decisión de Warhol del tribunal superior «no es la victoria clara que los artistas creen que es».

Marc Toberoff, abogado de derechos de autor y litigante veterano en entretenimiento, estuvo de acuerdo.

“Está claro que la decisión redujo significativamente los derechos de uso justo de artistas y escritores”, dijo Toberoff. Variedad. “En general, no creo que eso sea bueno para la industria”.

Para Ginsburg, de Columbia Law, el caso Warhol no fue una decisión difícil, aunque señala que las afirmaciones de uso justo son inevitablemente complicadas y se determinan caso por caso.

“El uso justo por definición trata en áreas grises”, dijo Ginsburg. “En un caso como este en el que el efecto de sustitución era tan claro, me sorprendió que el Tribunal tomara el caso porque para mí era un caso realmente sencillo”.

“Los derechos de autor están destinados a ser un incentivo para la creación, y las IA no necesitan ese incentivo”, dice Merkley. “Creo que si dejas que las IA creen derechos de autor, será el fin de los derechos de autor, porque inmediatamente crearán todo y lo protegerán”. Para ilustrar esto, Merkley describe un mundo en el que los sistemas de inteligencia artificial hacen que cada melodía y acorde cambien y luego los registran de inmediato, impidiendo efectivamente que cualquier futuro músico escriba una canción sin temor a ser demandado. Es por eso que, agrega, “los derechos de autor estaban destinados a que los hicieran los humanos”.

Ahora imagine esa misma táctica aplicada a formulaciones de medicamentos recetados o arquitectura de chips de computadora. Y ahí es donde la dirección del enorme barco que es copyright se topa con aguas agitadas. Los derechos de autor son una piedra angular en los acuerdos comerciales globales: el Tratado de Libre Comercio de América del Norte, la Asociación Transpacífica y otros se basan en un reconocimiento compartido de los derechos de autor entre las naciones. La concesión de derechos de autor a la IA alteraría fundamentalmente la política comercial. Podría erosionar o desestabilizar aún más las relaciones internacionales.

“La IA está financiada por extremistas”, dice el empresario tecnológico y fanático de Prince, Anil Dash. Señala que el capital de inversión requerido para crear y desarrollar inteligencia artificial a escala es tan grande que solo un puñado de personas o empresas podrían acceder a él, y ahora tienen el control total de la tecnología. Después de todo, la práctica extractiva de entrenar grandes modelos de imágenes y lenguaje en los bienes comunes colectivos de Internet no es diferente de aprovechar las vías públicas para conducir para Uber o Lyft.

“Su sensación es que cualquier obstáculo legal, procesal, basado en políticas, especialmente judicial o legislativo, es una distracción temporal, y pueden simplemente arrojar dinero a eso durante unos años y hacer que desaparezca”, dice Dash.

“En general, el ecosistema sin código se centra en los usos extractivos de la tecnología”, dice Kathryn Cramer, editora de ciencia ficción e investigadora de IA en Computational Story Lab de la Universidad de Vermont. “Puede haber grandes cosas que se pueden lograr con la IA, pero a corto plazo, lo que sucederá es un esfuerzo enorme para que las personas ganen grandes cantidades de dinero… lo más rápido posible, con una comprensión lo más superficial posible de los tecnología.»

como Warhol y Prince, el trabajo de Goldsmith es icónico. Después de convertirse en el miembro más joven del Sindicato de Directores de Estados Unidos y codirigir Grand Funk Railroad, fundó una empresa de licencias de imágenes. Décadas antes de las DSLR, Goldsmith llevaba cámaras, lentes, películas y luces en la espalda, mientras permanecía de pie durante horas fuera del escenario. Siguió fotografiando el terrible momento de 1977 cuando Patti Smith se rompió el cuello en el escenario de Tampa. Y en 1981, tomó una foto de Prince que Warhol usó para crear una serie de imágenes icónicas y valiosas.

El propio Prince defendió enérgicamente tanto su imagen como su obra. En 1993, durante su lucha por dejar su contrato con Warner Bros., cambió su nombre a un símbolo impronunciable sin género. Su comunicado de prensa decía: “Príncipe es el nombre que mi madre me puso al nacer. Warner Bros. tomó el nombre, lo registró y lo usó como la principal herramienta de marketing para promocionar toda la música que escribí”. Mientras las negociaciones se prolongaban, escribió «ESCLAVO» en su mejilla durante las actuaciones. Llamó a su próximo álbum Emancipación.

Hablando de ello con Spike Lee en Entrevista revista (cofundada por Warhol), Prince dijo: «Sabes, solo espero ver el día en que todos los artistas, sin importar el color que sean, sean dueños de sus maestros», refiriéndose al mismo tipo de grabaciones maestras (y derechos). acuerdos) que luego hicieron que Taylor Swift volviera a grabar álbumes completos.

Este enfoque se extendió al uso de su semejanza. Más tarde en la vida, dice Dash, Prince autorizó imágenes de sí mismo para poder asegurarse de que los fotógrafos negros ganaran las regalías. Y rechazó la colaboración con artistas que no eran igualmente inteligentes. «Él solía decirles a los fanáticos», dice Dash, «si no eres dueño de tus maestros, tu maestro te posee a ti».

La peluca lo delata; de lo contrario, sería difícil reconocer de inmediato, o incluso lentamente, el carácter de artista hablador, extrovertido e inquisitivo de Paul Bettany en la obra de Anthony McCarten. La colaboración como ese icono histórico de monosílabos crípticos y murmurados de Andy Warhol.

Desafortunadamente, Bettany no es lo único que se siente manchado en esta obra biográfica dual altamente ficticia y ambientada en los años 80 sobre Warhol y Jean-Michel Basquiat, que se estrena esta noche en una producción del Manhattan Theatre Club en el Samuel J. Teatro Friedman en Broadway.

Dirigida por Kwame Kwei-Armah e inspirada en la colaboración de pintura de la vida real de 1984 del envejecido (al menos en términos de relevancia artística) Warhol y el altísimo Basquiat, un proyecto presentado de manera mucho más convincente y conmovedora en la película de 1996. Basquiatprotagonizada por Jeffrey Wright y, en la interpretación definitiva de Warhol, David Bowie, que acecha esta obra como una sombra – La colaboración es un esfuerzo extrañamente sin vida, una falla en capturar incluso un momento de simple inspiración artística y mucho menos el encendido del genio colaborativo.

McCarten, quien actualmente también está representado en Broadway como el escritor de libros de Beautiful Noise, el musical de Neil Diamond – una obra que traiciona la historia similar a través de inclinaciones de Wikipedia – reduce a dos de los artistas más grandes, artísticamente influyentes y culturalmente impactantes de finales del siglo XX en figuras de palo que expresan sus respectivos puntos de vista sobre el mérito artístico, el valor del arte, el papel del arte en la sociedad, el arte como compromiso personal, arte versus comercio, fotografía versus pintura, belleza, fama, heroína y ambición. Tantos temas, tan pocos pensamientos creíbles u originales.

«Rompí un muro entre los negocios y el arte», dice Bettany como Warhol, en lo que pasa por una pequeña charla en La colaboración. “Todos los artistas con ingenio deben ser escuchados”, dice Basquiat, interpretado por el generalmente excelente Jeremy Pope como una colección de contracciones, miradas lejanas y cadencias cantarinas que sugieren una versión de dibujos animados del Basquiat histórico. «Todos los bastardos sombríos deberían ser aporreados hasta la muerte».

El primer acto de la obra, en el que el comerciante de arte Bruno Bischofberger (Erik Jensen) obliga a los dos artistas antagónicos y reacios a colaborar por el bien de la posteridad, el arribismo y un montón de dinero, en su mayoría encuentra a Warhol y Basquiat en el estudio de Warhol dando vueltas uno al otro como boxeadores esperando para dar el primer golpe.

No importa que el papel real de Bischofberger en el encuentro histórico fuera considerablemente menos significativo, o que el antagonismo expresado por los dos artistas se sienta más como un montaje dramatúrgico para la reconciliación de rigor en el Acto II. Ese tipo de ficción siempre es aceptable si aporta impulso o algún tipo de verdad espiritual a una obra. Aquí, tampoco lo hace. (Quizás Kwei-Armah y McCarten tendrán mejor suerte con la adaptación cinematográfica que tienen en proceso).

El segundo acto comienza muchos meses después, cuando Warhol y Basquiat están a punto de completar su colaboración de varias piezas y han desarrollado un afecto genuino el uno por el otro. El anciano se preocupa por el uso de heroína del hombre más joven (incluso mientras juega con él: «No eres mi primer drogadicto», mientras que Basquiat alienta algo cercano a la autoaceptación en el Warhol lleno de cicatrices que menciona con frecuencia (demasiado frecuentemente, para ser dramáticamente creíble) el tiroteo que altera la vida de Valerie Solanas (aquí nuevamente, McCarten le da a su Warhol una franqueza autorreveladora que parece estar en desacuerdo con la figura histórica. Los escenarios artísticos del desván, diseñados por Anna Fleischle, quien también disfraces, le dan a la producción la autenticidad que tanto necesita).

En última instancia, los dos artistas hacen una especie de paz con sus cosmovisiones y puntos de vista artísticos opuestos, aunque es absurdo un segundo acto en el que Basquiat lamenta la muerte de un amigo como una especie de asesinato vudú a larga distancia por la cámara de Warhol. Poca asistencia tiene Krysta Rodríguez como una de las novias de Basquiat, todo ira, decepción, añoranza y codependencia.

McCarten, como lo demuestra esta obra, su libro para el musical de Neil Diamond y su guión para la película biográfica de Freddie Mercury. Rapsodia Bohemia tiene una habilidad especial para encontrar al humano debajo de la celebridad, pero con la misma frecuencia elimina los bultos y los puntos afilados que hicieron que valieran nuestra atención en primer lugar. Al menos los musicales de la máquina de discos pueden explotar melodías familiares para resucitar la vida de una manera que ninguna peluca de miedo o gesticulación de dibujos animados puede hacer. La colaboracióncuando todo está pintado y hecho, es un musical sin música.

Para la próxima transformación de su carrera, Nicolas Cage busca convertirse en el Andy Warhol de los muertos vivientes.

El ganador del Premio de la Academia, Cage, se burló de la próxima comedia negra «Renfield» en una nueva historia de portada para la revista Empire. Cage interpreta a un Drácula moderno, cuyo sirviente Renfield (Nicholas Hoult) sueña con liberarse de su tutela eterna bajo el chupasangre no-muerto. Renfield se cruza con un policía de tránsito (Awkwafina) y mafiosos, interpretados por Ben Schwartz y Shohreh Aghdashloo. Chris McKay dirige la película de Universal Pictures, que se estrenará el 14 de abril de 2023.

“Cuando tuve una idea de hacia dónde quería ir McKay, me di cuenta de que la película tiene una actitud cómica y de arte pop”, dijo Cage a Empire. “Así que pensé: ‘Este será un Drácula pop-art’. Warhol hizo un gran Drácula negro sobre negro. Esto está en esa vena de Warhol”.

Cage recurrió a la obra maestra vampírica original «Nosferatu» para inspirarse. “Me di cuenta de todos estos pequeños gestos que, según los estándares actuales, son ‘exagerados’”, explicó Cage. “Cuando Max Schreck hace eso [snaps his wrist and extends his fingers] y se convierte en humo, yo estaba como, ‘¿Qué es eso? ¿Es baile? ¿Qué está transmitiendo allí? Le dije a Chris McKay que realmente quería encontrar un lugar para poner eso en ‘Renfield’. No he visto la película, así que no sé si la mantuvieron, pero lo intenté”.

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Agregó: “Es una imagen de estudio en gran parte, así que quería jugar con: ‘¿Con qué puedo salirme con la mía aquí?’ Si estás jugando a Drácula, tienes mucha libertad”.

La estrella de “Unbearable Weight of Massive Talent” dijo anteriormente que se estaba inspirando en “Malignant” de James Wan para una coreografía “aterradora” como Drácula. “Espero hacer algo así donde Drácula pueda deslizarse o moverse como Sadako en ‘Ringu’”, dijo Cage a Los Angeles Times a principios de este año.

El coprotagonista Hoult previamente insinuó más de las inspiraciones de Cage, incluido el papel de Anne Bancroft en «The Graduate».

«Estar en la misma habitación con Nic Cage, quiero decir que es un viaje», dijo Hoult durante una entrevista con BBC Radio 1. «Pero estar en la misma habitación que Nic Cage mientras él está vestido como Drácula y te atormenta como Drácula y tú». volver a su sirviente es realmente uno de los más divertidos que he tenido en pantalla mientras me torturan. Es realmente brillante”.

Hoult agregó: “No hay un acento transilvano completo, pero es realmente interesante. Se basa en tantos lugares fascinantes. Estaría haciendo una escena. Sería como, es un poco como Anne Bancroft en ‘The Graduate’ en este momento. Y lo ves simplemente tomando todos estos pequeños elementos. Le encanta el cine, le encanta actuar, por lo que es una persona maravillosa con quien estar. Él trae tanto”.

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Una nueva obra de arte fue atacada por activistas ambientales el viernes 18 de noviembre. Los manifestantes arrojaron harina al BMW M1, un auto deportivo, en exhibición en Milán, Italia, pintado en 1979 por el artista pop estadounidense Andy Warhol.

diciendo querer “haciendo sonar la alarma sobre el colapso climático”, cuatro activistas del grupo Ultima Generazione (“Última Generación”, en italiano) vertieron ocho kilos de harina sobre el coche expuesto en la Fabbrica del Vapore, un centro cultural que actualmente dedica una retrospectiva al maestro del arte pop. Luego, al menos dos activistas pegaron sus manos en el piso de la sala de exhibición, mientras los visitantes les gritaban mientras otros intentaban limpiar el trabajo manchado, según imágenes publicadas por el grupo y los periódicos en línea.

Activistas del grupo Ultima Generazione también habían apuntado durante este mes una obra de Van Gogh en Roma y una pintura de Gustav Klimt en Viena. Las dos obras estaban protegidas por vidrio, no sufrieron daños. El grupo pide medidas políticas más estrictas para combatir el calentamiento global. Sus acciones recientes coinciden con la cumbre climática de la ONU (COP27), que finalizará el viernes.

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En las últimas semanas, otros defensores de la causa ambiental han multiplicado las acciones en todo el mundo contra las obras de arte, con el fin de alertar a la opinión pública sobre el tema del calentamiento global. Por ejemplo, se han pegado las manos a un cuadro de Goya en Madrid, se han salpicado sopa de tomate Girasoles de Van Gogh, en Londres, y untó puré de papas en una obra maestra de Claude Monet en Potsdam, cerca de Berlín.

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Le Monde con AP y AFP

La música pop y el arte convergen en la Corte Suprema de EE. UU. el miércoles cuando escucha si un fotógrafo debe ser compensado por una fotografía que tomó de Prince utilizada en una obra de Andy Warhol.

El caso, Andy Warhol Foundation for the Visual Arts v. Goldsmith, podría tener implicaciones de gran alcance para la ley de derechos de autor de EE. UU. y el mundo del arte.

Proviene de una fotografía en blanco y negro tomada en 1981 por la fotógrafa de celebridades Lynn Goldsmith de Prince, un entonces joven músico prometedor de Minneapolis.

En 1984, cuando el álbum «Purple Rain» de Prince estaba despegando, Vanity Fair le pidió a Warhol que proporcionara una imagen para acompañar una historia sobre el músico en la revista brillante.

Warhol usó una de las fotografías de Goldsmith para producir una imagen serigrafiada de Prince con una cara morada en el estilo familiar de colores brillantes que el artista hizo famoso con sus retratos de Marilyn Monroe.

Goldsmith recibió crédito como fotógrafo y se le pagaron $ 400 por los derechos por un uso único.

Después de que Prince muriera en 2016, la Fundación Andy Warhol, creada después de la muerte del artista en 1987, autorizó otra imagen del músico hecha por Warhol a partir de la foto de Goldsmith al editor de Vanity Fair, Conde Nast.

Ese retrato (Warhol en realidad había hecho 16 en total) presentaba a Prince con una cara naranja en lugar de una cara morada.

Conde Nast pagó a la Fundación una tarifa de licencia de $ 10,250.

Goldsmith no recibió nada y afirma que se infringieron sus derechos de autor sobre la foto original.

«Esta vez, no hay crédito ni pago a Goldsmith», dijeron sus abogados en un escrito. «La ley de derechos de autor no puede prescribir una regla para las serigrafías moradas y otra para las naranjas».

– Fallos divididos –

La Fundación Warhol respondió argumentando que la «Serie Prince» de Warhol es «transformadora» y, por lo tanto, no infringe ningún derecho de autor.

«Goldsmith está pidiendo algo notable aquí», dijo la Fundación en su escrito.

«Ella quiere que la corte sostenga que las obras de Andy Warhol, universalmente reconocido como un genio creativo que fue pionero en el movimiento del arte pop del siglo XX, no son transformadoras y, por lo tanto, son ilegales».

La historia continúa

Dos tribunales inferiores emitieron fallos divididos y enviaron el caso a la Corte Suprema.

En 2019, un juez del Tribunal de Distrito de los EE. UU. en Manhattan falló a favor de la Fundación Warhol.

«Se puede percibir razonablemente que las obras de Prince Series han transformado a Prince de una persona vulnerable e incómoda a una figura icónica más grande que la vida», dijo el juez.

“La humanidad que Prince encarna en la fotografía de Goldsmith se ha ido”, dijo el juez. «Además, cada trabajo de la serie Prince es inmediatamente reconocible como un ‘Warhol’ en lugar de una fotografía de Prince».

Sin embargo, un tribunal de apelaciones no estuvo de acuerdo el año pasado y dijo que «el juez de distrito no debe asumir el papel de crítico de arte y buscar determinar la intención detrás o el significado de las obras en cuestión».

Lo que cuenta, dijo el tribunal, es si la nueva obra «sigue derivando de manera reconocible y conservando los elementos esenciales de su material de origen.

Dijo que la serie de Warhol «conserva los elementos esenciales de la fotografía de Goldsmith sin agregar o alterar significativamente esos elementos».

Después de escuchar los argumentos orales el miércoles, los nueve jueces de la Corte Suprema decidirán si el trabajo de Warhol es transformador y merece protección, o si infringe la ley.

Emitirán su fallo antes del 30 de junio.

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