Ciertamente, una definición de buena música podría incluir la capacidad de afrontar el presente (y el futuro) de frente y salir ileso, incluso triunfante. Según ese estándar y muchos más, ¿Quién es Tommy?que se estrena esta noche en Broadway, es una prueba emocionante de que el primer álbum conceptual de 1969 es realmente excelente música.

Gloriosamente dirigida por Des McAnuff y actualizada por él y el compositor y letrista Pete Townshend a partir de su propia puesta en escena original de Broadway de 1993, ¿Quién es Tommy? es una oleada ininterrumpida de energía electrificada, un pinball vertiginoso de una producción que sincroniza estilo visual con canciones de hace 55 años que suenan tan vitales hoy como deben haberlo sido en Woodstock. Los temas de iluminación y conexión, trauma y recuperación, verdad y mentiras (o verdades alternativas, en el lenguaje grotesco de alguien) y adoración ciega de héroes se sienten más relevantes en el siglo XXI de lo que Townshend podría haber imaginado allá por los últimos días de los años 60. .

Con un elenco magnífico encabezado por el recién llegado a Broadway Ali Louis Bourzgui como Tommy, el “niño sordo, mudo y ciego” (se ha conservado la mayor parte del lenguaje menos que aceptable para los estándares actuales) y Alison Luff como su madre, la Sra. Walker, tommy Se siente menos como un resurgimiento de lo que funciona que como una reinvención de arriba a abajo. Casi todo funciona maravillosamente.

Ni la música, desde “I’m Free”, “See Me, Feel Me”, “Sensation” y “Pinball Wizard” hasta “Acid Queen”, “Christmas” y “Tommy, Can You Hear Me?” – ni la trama ha cambiado mucho en los últimos 55 años desde que el primero atrapó por primera vez a los oyentes de radio FM y el segundo desconcertó a los hippies drogados con la esperanza de encontrarle sentido (el álbum no venía con instrucciones).

Entonces, la trama: en un breve preámbulo ambientado en 1941, el oficial británico Capitán Walker (Adam Jacobs) conoce y se casa con la futura señora Walker (Luff). Él regresa a la batalla, representado de manera escalofriante con proyecciones de archivo y siluetas de nazis marchando con pasos de ganso, donde es capturado y enviado a un campo mientras ella da a luz a su hijo Tommy. Suponiendo que su marido está muerto, la señora Walker se une a un nuevo hombre (Nathan Lucrezio), sólo para sorprenderse cuando el Capitán regresa a casa. Una pelea deja al amante muerto y a Tommy, que vio todo, traumatizado.

“¡No lo escuchaste, no lo viste!/No le dirás nada a nadie/Nunca en tu vida”, le cantan mamá y papá al aterrorizado Tommy. Por decir lo menos, se toma en serio sus advertencias, se retrae en sí mismo y se mira interminablemente en un espejo.

El primer acto del musical retrata a Tommy a los 4 y 10 años (así como, con menos frecuencia, al Tommy adulto de Bourzgui, interactuando con ellos) a través de varias, bueno, aventuras, sería una forma educada de decirlo. Ha orado («Navidad»), examinado médicamente («Sparks»), llevado a diversas drogas y antros sexuales de iniquidad («Eyesight to the Blind» y «Acid Queen»), atormentado por un primo sádico («Cousin Kevin» ) y, en “Fiddle About”, solo con su tío Ernie (John Ambrosino), sexualmente abusivo, nada de risa en esta narración, a diferencia de la grotesca versión cinematográfica de Ken Russell de 1975.

Es el primo Kevin (magníficamente interpretado por Bobby Conte) quien, sin darse cuenta, estimula el avance de Tommy y lleva el musical a su espectacular final del Acto I: después de algunas crueldades en el hogar, lleva a su joven pupilo a un centro comunitario juvenil local, donde Tommy se siente misteriosamente atraído por una máquina de pinball. El resto, como se podría decir, es historia del rock and roll, mientras Tommy sorprende a la sala llena de adolescentes con un inexplicable dominio de la máquina eléctrica.

Por supuesto, se espera mucho de “Pinball Wizard”, una de las canciones más queridas del catálogo de The Who, y en la exuberante coreografía de Lorin Latarro, la mejor del espectáculo, todas las expectativas se cumplen. Los adolescentes casi explotan en una danza febril de euforia y asombro boquiabierto.

La segunda mitad del programa sigue el ascenso de Tommy de héroe local a celebridad nacional (una de las mejores ideas de Townshend fue siempre la sustitución del estrellato del rock por la magia del pinball), incluido su avance emocional (“Smash The Mirror”, “I’m Free”). cuando recupere la vista, el oído y el habla. La “Cure milagrosa” lo envía a las alturas del estrellato (“Sensation”) y a sus profundidades (“Sally Simpson”).

En este punto del espectáculo, el musical se desvía tanto del álbum como de la película al eliminar la canción «Tommy’s Holiday Camp», en la que el viejo y repugnante tío Ernie (interpretado para reír en la película por Keith Moon de The Who) está de vuelta en Tommy’s. buenas gracias y organizando un retiro con el tema de Tommy para los fanáticos. Aquí no existe tal perdón general: la última vez que vimos al pedófilo alcohólico y abatido, él permanece apartado del resto de la familia Walker. Incluso el primo Kevin ha encontrado su camino de regreso al redil, poniendo en práctica sus desagradables habilidades (sin que Tommy lo sepa) como guardia de seguridad autoritario de la familia, con un abrigo largo que aterriza en algún lugar entre la China comunista y 1984.

La Reina del Ácido (Christina Sajous), al igual que el primo Kevin, recibe un poco de, si no exoneración, algo de comprensión: la traficante de drogas y trabajadora sexual impenitente de la interpretación cinematográfica de Tina Turner, encargada de efectuar algún tipo de cura corrompiendo al niño. Tommy, se muestra aquí como una víctima, con uno o dos proxenetas que le suministran la heroína que la mantiene a raya.

En cualquier caso, no se puede perder “Tommy’s Holiday Camp”, con la mucho más hermosa “Welcome” cumpliendo la misma función de transmitir el intento de Tommy de conectarse con sus seguidores mientras rechaza sus expectativas mesiánicas. No sale bien, como lo demuestra el mayor himno de levantamiento y desafío de la mafia en el rock (aquí interpretado por el excelente coro de la producción, con la palabra «break» en lugar de «violación», un sentimiento odioso incluso en el 69). .

“No vamos a aceptarlo, nunca lo hicimos y nunca lo haremos.
No quiero ninguna religión y por lo que sabemos
No te llevaremos, nunca lo hicimos y nunca lo haremos
No te llevaremos, te abandonaremos, te romperemos.
Olvidémonos de ti mejor aún”

A partir de ahí, todo termina excepto el final, una repetición con todo el reparto de “See Me, Feel Me”/”Listening To You” que tuvo al público en la presentación revisada de pie y rugiendo, una recepción que había sido objeto de burlas. se destaca no solo por un elenco impecable y una partitura conmovedora (la orquesta y las orquestaciones están a la altura de la ocasión), sino también por más de dos horas de magia visual. El escenógrafo David Korins (hamilton) ha ideado una base engañosamente minimalista, con grandes espacios abiertos, mallas y muebles que pueden parecer meras sugerencias: la máquina de pinball es poco más que un marco. Salpicando este lienzo cavernoso con extraordinarios despliegues de luz (cortesía de la diseñadora Amanda Zieve) y las proyecciones de última generación de Peter Nigrini, el mundo de tommy es menos los zumbadores y campanas de la máquina de pinball de antaño que una mezcla tridimensional de tron-espectáculo de láser estilo y realidad virtual «ya estás ahí». Incluso hay algunos medios mixtos estilo Ivo van Hove agregados por si acaso.

Combinando las proyecciones de saltos en el tiempo de Nigrini, desde Blitz hasta la realidad virtual en cada paso del camino, están los disfraces tremendamente inventivos de Sarafina Bush, que capturan la esencia de cada época sin ser víctima del fantasma del teatro musical que representa la replicación de disfraces de Halloween. La monotonía de la posguerra da paso al flash de Teddy Boy, que da paso a los primeros Beatles de la era del cuero e, inevitablemente, a los grises distópicos del futuro retrofascista que el propio Orwell podría haber imaginado. En cada época, Bush envía soldados-droog-robots con cascos negros y elegantes para hacer cualquier travesura.

Mantener todo saltando, muy literalmente, es la estimulante coreografía de Latarro, nunca mejor que en las locas celebraciones de los años 50 y 60 del abandono adolescente, ya sea el West Side Story rufianismo de “Tommy, Can You Hear Me” o ese maravilloso baile arcade de “Pinball Wizard”. Esté atento a los detalles: en un momento, mientras el joven Tommy deslumbra a la multitud con su magia en la mesa Bally, los entusiastas muchachos y muchachas levantan los pies del niño tan alto que el cuerpo del niño está en un ángulo de las 2 en punto, atado solo al máquina con sus locos dedos de aleta. ¿Puede ser esto algo más que un homenaje a la foto icónica de un joven Elton John pateando con las piernas detrás de él mientras golpea las teclas del piano, la metáfora del mago del pinball y la estrella del rock de Townshend que quedó clara en un momento alegre de teatro?

Por supuesto, nada de este alboroto funcionaría sin un elenco que lo justifique, y McAnuff, un director ejemplar que nunca ha sido mejor, ha reunido un grupo muy digno. Bourzgui, su salvaje mata de cabello negro y rizado que corona un hermoso rostro dominado por grandes y oscuros ojos de Bette Davis que permanecen muy abiertos y vacíos hasta que dejan de estarlo, es uno de los verdaderos hallazgos de esta temporada. Con movimientos excéntricos y angulares que no llegan a ser robóticos, Bourzgui pasa de las expresiones forzadas de un hombre atrapado en su cuerpo a los gestos fluidos y conmovedores de su yo adulto que guía sus iteraciones más jóvenes perdidas para sí mismos. Los movimientos de estrella de rock que finalmente llegan parecen completamente inevitables, y su voz encuentra en todo momento el punto óptimo entre el aullido de Roger Daltrey y el control del teatro musical.

Esas iteraciones más jóvenes de Tommy, por cierto, fueron interpretadas en la actuación revisada por Olive Ross-Kline (Tommy a los 4 años) y Quinten Kusheba (10 años), ambos (adorablemente) con la misma melena rebelde que luce Bourzgui, y ambos tuvieron oportunidades. brillar como actores y cantantes. (Ross-Kline y Kusheba comparten los papeles con Cecilia Ann Popp y Reese Levine, respectivamente; quien haya tomado la decisión de elegir a los Tommys más jóvenes con chicas, brava).

Tampoco hay eslabones débiles en el resto del reparto. Conte, tan bueno en lo más reciente de Broadway Compañía, no es menos brillante aquí, ya que encuentra tanto el humor como la amenaza en el primo Kevin, «el matón de la escuela, el tramposo en el aula, el amigo de juegos más desagradable que jamás hayas conocido». A Conte se le entrega quizás la canción más subestimada de la partitura (“Cousin Kevin”, escrita por el bajista de The Who, John Entwistle), y la sigue.

Luff, como la sufrida, ocasionalmente equivocada pero siempre devota madre de Tommy, es una maravilla, alcanzando el cenit del espectáculo con el raver del Acto II “Smash The Mirror”. (Es igualmente impresionante con la balada a dúo más tranquila entre marido y mujer “I Believe My Own Eyes” con Jacobs, aunque ese número, agregado por Townshend mucho después del álbum de rock original, sigue siendo el dolor de cabeza del musical escénico).

Entre el gran conjunto se destaca Sheldon Henry como el proxeneta de Hawker que presenta a Acid Queen con “Eyesight To The Blind” (un amenazador número de blues muy deudor, por decirlo suavemente, del gran Sonny Boy Williamson). Sajous, como Acid Queen, no tiene el poder vocal natural de Tina Turner de la película, ¿quién lo tiene? – pero le da al personaje y a la canción sensual una profundidad herida que se siente completamente del momento.

Cuando Townshend escribió la pregunta central del álbum: «¿Puedes oírme?» – allá por el 69, podría haber dirigido la letra a su alter ego ficticio Tommy, pero los oyentes perspicaces reconocieron la petición de una conexión más amplia, ya sea espiritual, comunitaria, familiar o incluso personal. Todos estos años después, la pregunta sigue siendo el centro de ¿Quién es Tommy?y podemos responder, con mucho gusto, alto y claro.

Título: ¿Quién es Tommy?
Evento: Teatro holandés de Broadway
Director: Des McAnuff
Libro: Pete Townshend y Des McAnuff
Música y letras: Pete Townshend
Coreografía: Lorin Latarro
Elenco: Ali Louis Bourzgui, Alison Luff, Adam Jacobs, John Ambrosino, Bobby Conte, Christina Sajous, con Haley Gustafson, Jeremiah Alsop, Ronnie S. Bowman Jr., Mike Cannon, Tyler James Eisenreich, Sheldon Henry, Afra Hines, Aliah James, David Paul Kidder, Tassy Kirbas, Lily Kren, Quinten Kusheba, Reese Levine, Brett Michael Lockley, Nathan Lucrezio, Alexandra Matteo, Mark Mitrano, Reagan Pender, Cecilia Ann Popp, Daniel Quadrino, Olive Ross-Kline, Jenna Nicole Schoen, Dee Tomasetta, y Andrés Tufano.
Tiempo de ejecución: 2 h 10 min (incluido el intermedio)

Hay algo estimulante y también un poco extraño en tommy como cápsula del tiempo y viajero del tiempo. La música de Pete Townshend y el héroe de otro mundo que la envuelve claramente tienen piernas para días: ¿quién no quiere hacer headbanging cuando comienza ese riff de guitarra de “Pinball Wizard”? Al mismo tiempo, y a pesar de toda su entusiasta energía, la embriagadora ópera rock de The Who no puede evitar sentirse como una curiosidad, una que parece regresar cada tres décadas aproximadamente. El álbum es de 1969; El musical teatral de Townshend y el director Des McAnuff llegó por primera vez a Broadway en 1993, y esta reposición marca el cumpleaños número 30 de este último, con McAnuff nuevamente detrás del megáfono. (En el intermedio, me reuní con una compañera escritora de Vulture y su padre, un gran fan de Who que vio la producción original de Broadway en el 93. “¿Estabas vivo?” preguntó.) No es que haya nada ofensivo en tommyLa antigüedad de McAnuff y compañía. Me he asegurado de eso. Más bien, es que la historia y su forma surgieron y llevan consigo una sensibilidad cultural tan enormemente diferente a la nuestra que siempre hay una fina corriente de fricción crepitando entre ellas. Después de todo, cuando se estrenó el álbum, la gran época de la ópera era tan antigua como lo es ahora: una persona podría haber visto el estreno de Señora Mariposa y compré el doble LP de The Who el día de su lanzamiento.. El rock clásico se está convirtiendo, como la mayoría de la música clásica, en un producto de una época remota.

Éste es el riesgo, o simplemente la realidad, del teatro en vivo: mire a Elton John y Tina Turner en la película de 1975 de Ken Russell sobre tommy, y estás viendo algo fijado en el tiempo. Vaya al holandés y verá cómo interactúan estratos de tiempo a través de cuerpos vivos que sudan en un espacio real, lo que siempre dará lugar a la pregunta de por qué. este cosa ahora? Pero esta fricción no es necesariamente algo malo: puede producir resultados en todo el espectro en términos de resonancia de una obra. Con tommy, si la disonancia es a veces distanciadora, también es fascinante. Aunque pasé largos tramos del espectáculo intrigado y divertido en lugar de rockear seriamente, nunca dejé de entretenerme. Tenía muchas preguntas, pero también lo pasé muy bien.

Primero, una de mis preguntas: ¿McAnuff tenía que obtener el permiso de Daft Punk para este programa? ¿Es Daft Punk en secreto allí gimiendo cuando se revela una banda en vivo durante el gran final del primer acto? No, no, sé que no lo es (o, quiero decir, ¿lo hago? Daft Punk podría estar en cualquier lugar o en cualquier persona. Como Banksy). Pero hay, desde el salto, una Tron: Legado vibra con esto tommy, que comienza con el escenario oculto por un manto crepitante de estática visual oscura dentro de un marco de LED brillante. La reverberación vagamente de ciencia ficción late y retumba bajo el parloteo previo al espectáculo (“Suena como Godzilla juega al lado”, dijo mi compañero). Luego, con el golpe de ese primer acorde, vemos al elenco a través de la malla de sombras, dominado por el Tommy de Ali Louis Bourzgui, en lo alto, al estilo Evita, en una escalera rodante. Una proyección en un tipo de letra que podría pertenecer creíblemente a juego de Ender o Horizonte de eventos nos dice que estamos «EN EL FUTURO». Todo el mundo se pone unos cascos plateados extraños que parecen una combinación de una máscara de árbitro y esas gafas de sol que le gustaban a Kanye. No estamos en la Red por mucho tiempo: tan pronto como baja el ritmo, las proyecciones (que, como era de esperar, se mantendrán ocupadas) nos hacen saber que ahora estamos «EN EL PASADO». Pero incluso cuando el reloj retrocede hasta 1941, McAnuff y sus diseñadores mantienen un fuerte olor a cyberpunk en el aire. Más marcos de neón entran y salen por el escenario; Una línea completa de instrumentos de iluminación giratorios y parpadeantes descienden de las moscas, explotando la acción con lo que parecen bolas de discoteca que han pasado por un motor warp; y el vestuario de Sarafina Bush presenta máscaras plateadas con forma de huevo que hacen que los miembros del conjunto queden amenazadoramente sin rostro (y más duro, mejor, más rápido, más fuerte) cuando entran para llevarse muebles o maltratar al personaje principal.

¡Y vaya, Tommy se deja manejar! Como su yo de 4 años, Olive Ross-Kline es girada y volteada como un bastón, su pequeña y rígida forma es lanzada entre los actores como si fuera masa de pizza (Cecilia Ann Popp también interpreta el papel en ciertas noches). Como Tommy, de 10 años, Reese Levine (que alterna con Quinten Kusheba) es metida en un bote de basura, balanceada, arrastrada y izada. Bourzgui también es frecuentemente elevado, atrapado y transportado por el conjunto, y este hilo conductor de la manipulación del cuerpo de Tommy crea algunas de las coreografías más estimulantes de Lorin Latarro. Es una metáfora visual que es bastante obvia sin perder su filo: ¡es divertido ver cuerpos volar por el aire! – y uno que está diseñado para cambiar de significado a medida que avanza la historia. Esa historia es mitad narrativa de trauma y mitad parábola de celebridades: cuando era niño, Tommy es testigo de cómo su padre, el Capitán Walker (Adam Jacobs), mata al amante de su madre. Es una víctima de la guerra: el capitán es un aviador británico, al que se cree muerto después de ser hecho prisionero en la Segunda Guerra Mundial, y la señora Walker (Alison Luff) cree que va a seguir adelante con su vida hasta que su marido llega a su puerta en 1945. No lo oíste / No lo viste”, le canta la pareja, presa del pánico, a Tommy después de que el Capitán Walker mata a tiros a un hombre en su sala de estar. “No le dirás nada a nadie / Nunca en tu vida”.

Su advertencia funciona demasiado bien. El niño Tommy se vuelve catatónico y el evento lo vuelve psicosomáticamente “sordo, mudo y ciego”. Como el sonámbulo del doctor Caligari (a quien Bourzgui a veces recuerda más que teóricamente, con su melena oscura y su mirada atormentada), el niño se convierte en una especie de caparazón viviente, que lo convierte primero en víctima y luego en mesías. Este es el punto de apoyo simbólico sobre el que gira la obra de Townshend: una vez que se descubre que Tommy es un genio sobrenatural en el pinball, su cuerpo todavía no es suyo, pero pasa de ser molestado y abusado por personas como su “malvado tío Ernie”. ” (John Ambrosino) y su primo matón Kevin (Bobby Conte), hasta convertirse en objeto de reverencia y manía. La gente todavía lo rodea, lo agarra y lo carga, pero ahora es porque es famoso.

Townshend escribió la mayoría de tommy profundamente influenciado por el gurú Meher Baba, quien no habló durante 44 años, desde los 31 hasta su muerte en 1969. El álbum y el musical están interesados ​​en a quién adoramos y por qué, ya sean hombres santos o estrellas de rock. , y en las formas en que la adoración deshumaniza incluso cuando eleva. Si bien hay mucho que sacar ahí, cuanto más alegórico sea este tommy se pone, más tembloroso se vuelve. Al menos en su versión actual, el programa tiene un toque de Domingo en el parque con George Síndrome: Su primer acto es un subidón bastante constante, que termina, con “Pinball Wizard” como clímax, con una nota alta exultante y aplastante. El segundo acto lucha por recuperar esa sensación de impulso y pura euforia musical, tal vez porque ahora tiene que empezar a tener sentido. Ése es el posible fastidio de convertir un proyecto puramente musical, incluso algo con un arco inherente como una ópera rock, en una interpretación narrativa: momentos que podrían entenderse auditivamente de una manera más resbaladiza y figurativa, de repente tienen cuerpos que los representan. La posibilidad de que ambos se confundan (“Espera, ¿qué exactamente ¿Qué está pasando?”) y el cliché (“¿Por qué querrías ser más como yo?”, le pregunta Tommy a un fan. “Durante 15 años estuve esperando lo que tú ya tienes”) se acumulan cuando la metáfora cobra carne. Si un programa no tiene cuidado, el ancla del literalismo comenzará a arrastrarlo hacia abajo.

Ya hemos sentido un matiz de esta incomodidad en “Acid Queen” del primer acto: si bien Christina Sajous canta valientemente el tema, es difícil no reprimir una risita mientras observa al capitán Walker de rostro severo de Jacobs llevar a su hijo de 10 años. hijo a lo que parece ser un burdel/burdel de heroína para que un adicto que se retuerce pueda «desgarrarle el alma» con el beso de su mujer araña. Mucho más tarde, cuando el ahora megafamoso Tommy de Bourzgui comienza a sentir el cansancio del estrellato, la puesta en escena de su canción “Welcome” parece igualmente un poco… tonta. “Ven a mi casa / Sígueme al pasado profundo”, canta, y el conjunto hace precisamente eso. Todos entran en la casa que Tommy, al parecer, ha compartido con sus padres desde la infancia. “¡Cartero, entra! /… Viejita, bienvenida /… ¡Ven a esta casa!” «, canta Tommy mientras sus fans se apiñan a su alrededor en el sofá que no ha cambiado de posición desde que tenía 4 años. Lo cual es especialmente extraño considerando que, si bien la fama de Tommy ha aumentado, una serie de fechas proyectadas, cada vez más rápidas, nos ha acelerado hacia la década de 1960, luego la de 1970, luego la de 1980, y luego en esa tron-como futuro-presente. Entonces, ¿es este Tommy, cantando a sus fans con sus palos para selfies y su monocromía, “el futuro representado por Los Supersónicos”Declaraciones de moda: ¿84 años? Si es así, ¿por qué sus padres tienen el mismo aspecto? (Bueno, su padre ahora tiene anteojos; claramente está al borde de la muerte). ¿O nos hemos mudado a un espacio alegórico, donde Tommy no tiene edad y su celebridad es una especie de divinidad? Eso está bien, pero ¿cómo cuadra con un grupo de personas reales, interpretando a verdaderos Tommy-maníacos, pasando el rato en su casa real?

Te dije que tenía preguntas. Pero tampoco estoy realmente tan molesto. Especialmente cuando Bourzgui tiene el escenario. Si bien el material ocasionalmente crea fallas contemporáneas con su programación infantil del 69, Bourzgui tiene algo en él que se siente Naciones Unidas-moderno-Broadway de una manera completamente emocionante. Hay una energía joven, la de Tim Curry, en acción, un aura que es trepidantemente ambigua pero nada llamativa. Cualquiera que sea su voz literal, Bourzgui no da tenor. Tiene un toque de sibilancia de estrella de rock y una voz de Matt Berry que emana algo a la vez extraño, sexy y subversivo. (Él también lleva el infierno con un jersey de cuello alto.) Sus versiones más jóvenes también son una delicia: cuando Ross-Kline y Levine dejan de ser alfileres de malabarismo humanos y comienzan a cantar en el segundo acto, los tres Tommy juntos logran la sensación mixta de dolor de corazón aislado y aspiración de gloria. que se encuentra en el corazón del espectáculo. Es tommy ¿para todo el tiempo? ¿Cómo se verá en la próxima producción tridecenal en 2055? ¿Quién puede decir? (¿Quién, quién; quién, quién?) Pero ahora, realmente quiero saberlo.

¿Quién es Tommy? Está en el Teatro Nederlander.

Era.

Si bien hubo algunos enfrentamientos en pantalla con otros concursantes que no parecían apreciar su extravagancia y su falta de brillo en el concurso (y a veces incluso se burlaban de su narcolepsia), fue esta individualidad vibrante y su ingenio rápido lo que hizo que Jinkx se destacara entre la multitud. y conviértete en un favorito de los fans.

Sorprendió a los jueces con su falso anuncio de perfume («Engaño – convéncete a ti mismo”), su teatralidad extravagante en el desafío actoral de telenovela falsamente latina, y su memorable impresión de la excéntrica socialité Little Edie en Snatch Game (el Carrera de resistencia versión de Manta en blancoo Partido como se le conoce en los EE.UU.).

Entonces Jinkx ganó Drag Race… ¡Otra vez!

En 2022, Jinkx Monsoon se convirtió en la primera drag queen en ganar dos temporadas de Carrera de resistencia cuando fue coronada campeona del séptimo show Todas las estrellas serie (donde algunas de las reinas más memorables de temporadas anteriores vuelven a competir).

Entre sus muchos aspectos destacados, incluida una interpretación salvajemente ingeniosa pero NSFW Roast, estaba su icónica impresión de Judy Garland en Snatch Game (ver arriba), que fue una sensación viral instantánea gracias a su pura genialidad cómica.

Al igual que Judy Garland, no es ajena al teatro musical

Antes de llegar a la fama como Jinkx, ellos (nombre real Jerick Roman Lamar Hoffer) estudiaron teatro musical y comenzaron su carrera en los teatros de Seattle, apareciendo como Moritz en el musical de rock. Despertar la primaveraÁngel en ALQUILARy Velma en laca para el cabello.

Correo Carrera de resistenciatambién lanzó dos álbumes de estudio, El álbum inevitable y El jengibre roto.

Esta lista se actualizará con frecuencia a medida que se anuncien y emitan más pilotos.

La temporada piloto está sobre nosotros, lo que significa que las cadenas de transmisión están haciendo un balance de sus necesidades para la temporada de televisión 2023-24 y se están preparando para llenar cualquier vacío. Con cosas a punto de conseguir en realidad interesante: ¡es hora de comenzar a elegir estrellas en estos aspirantes a éxitos! — TVLine presenta su resumen anual de quién está planeando qué, y también nuestra guía de la jerga que se usa.

Para un fácil acceso: Revise la lista de pilotos de ABC, CBS, The CW, Fox y NBC, y le instamos a marcar esta página constantemente actualizada para obtener la información más reciente.

PILOTO | Cuando una cadena ordena un piloto, le piden a sus escritores/productores/estudio que emitan y produzcan un facsímil muy parecido al primer episodio de una serie. Cada piloto es revisado por los jefes de la red y luego, por lo general, se pone a prueba antes de que se decida su destino. (A «poner piloto” tiene una mayor probabilidad de “ir a la serie”, ya que hay una sanción financiera significativa si lo hace no.)

SPIN-OFF PLANTADO | También llamado un piloto de «puerta trasera», este es un episodio de una serie existente que establece una futura rama. (Ver: Flecha‘s «Green Arrow and the Canaries».) Lección de historia retro: Eso Manojo de Brady ¿Episodio con el vecino Ken Berry adoptando a tres niños diversos? Ese fue un piloto malogrado plantado, para un spin-off que se llamaría los hijos de kelly.)

PRESENTACIÓN DE DRAMA/COMEDIA | Debido a restricciones de tiempo o presupuesto, una cadena a veces no ordena un piloto completo sino una “presentación” más corta que da una idea de cómo sería un drama o comedia de situación.

REPARTO-CONTINGENTE | A veces, una cadena ordenará un piloto con la advertencia de que la filmación no puede comenzar hasta que un actor adecuado (léase: «nombre») haya sido elegido para un papel principal. (Traducción: “La premisa es dudosa, pero una estrella podría véndannos.”) Entonces, a veces escuchará que con el casting de fulano de tal, “la contingencia del elenco se ha levantado” en un piloto.

SEGUNDO PUESTO | También conocidas como las dos palabras que hacen que los fanáticos de los programas de «burbujas» se sientan extremadamente ansiosos cada primavera, ya que las estrellas de las series de baja calificación comienzan a reservar pilotos (proporcionó obtienen el visto bueno de sus jefes actuales). El término literalmente significa que un rol de piloto está en segunda posición/prioridad si su espectáculo se renueva. El hecho de que un actor reservó un concierto de «segunda posición» no siempre significa que su programa actual está condenado… pero por lo general lo está. Variación: A «segundo seguro” significa que a los jefes del piloto se les ha asegurado discretamente que el actor voluntad estar disponible.

ADELANTADOS | La semana a mediados de mayo cuando las cadenas se turnan para revelar sus horarios para la próxima temporada, incluidos los pilotos que se han ordenado para la serie. Con raras excepciones, si su programa no logra el corte aquí, está perdido.

Y ahora, nuestra actualización continua de pilotos ordenados para la temporada de TV 2023-24, red por red, así como pedidos de series que se acumularon de temporadas piloto anteriores…

Kirstie Alley, una actriz ganadora de dos premios Emmy que saltó a la fama con su papel de Rebecca Howe en la serie de comedia de NBC «Cheers», murió el lunes de cáncer. Ella tenía 71 años.

La muerte de Alley se confirmó a través de su presencia oficial en las redes sociales, que compartió una declaración de sus hijos.

“A todos nuestros amigos, a lo largo y ancho del mundo… Nos entristece informarles que nuestra increíble, feroz y amorosa madre falleció después de una batalla contra el cáncer, descubierto recientemente”, se lee en el comunicado. “Estaba rodeada de su familia más cercana y luchó con mucha fuerza, dejándonos con la certeza de su inagotable alegría de vivir y de las aventuras que le esperaban. Tan icónica como fue en la pantalla, fue una madre y una abuela aún más increíbles”.

“Estamos agradecidos con el increíble equipo de médicos y enfermeras del Moffitt Cancer Center por su atención”, continúa el comunicado. “El entusiasmo y la pasión por la vida de nuestra madre, sus hijos, nietos y sus muchos animales, sin mencionar su eterna alegría de crear, no tenían paralelo y nos dejan inspirados para vivir la vida al máximo tal como ella lo hizo. Les agradecemos su amor y oraciones y les pedimos que respeten nuestra privacidad en este momento difícil”.

Kirstie Louise Alley nació en Wichita, Kansas en 1951 y se mudó a Los Ángeles en 1980, donde fue diseñadora de interiores. Alley ya estaba involucrada en la Iglesia de la Cienciología y buscó tratamiento para una adicción a la cocaína a través de su programa afiliado Narconon, al que atribuyó su sobriedad.

En 1982, comenzó su carrera cinematográfica en «Star Trek II: The Wrath of Khan», que pronto siguió con «Blind Date» y la miniserie de 1985 «North and South». Dos años más tarde, actuó junto a Mark Harmon en la exitosa comedia de Carl Reiner «Summer School».

Fue ese año cuando Alley reemplazó a Shelley Long en “Cheers” de NBC, que estaba entre las mejores comedias de la televisión. En 1991, cuando ganó el premio Emmy a la actriz principal por el papel, pronunció un famoso discurso obsceno en el que agradeció a su marido, el actor Parker Stevenson: «Me gustaría agradecer a mi marido, Parker, el hombre que me ha dado el grande de los últimos ocho años”. Su segundo Emmy fue por la película para televisión de 1994 «La madre de David», en la que interpretó a la madre de un adolescente con autismo.

Las alturas de la carrera de Alley también incluyeron «Veronica’s Closet» de NBC (1997-2000), la metacomedia de 2005 de Showtime «Fat Actress» y coprotagonizó con John Travolta las tres películas «Look Who’s Talking», una trilogía que comenzó en 1989 y grandes éxitos

Alley se desempeñó como portavoz del sistema de pérdida de peso de Jenny Craig, luego se separó y comenzó su propia empresa Organic Liaisons. Más tarde volvió a Jenny Craig, que adquirió su empresa. En los últimos años, Alley se volvió activo, y en ocasiones combativo, en las redes sociales. Ella tuiteó su apoyo a la campaña presidencial de Donald Trump, luego retiró su respaldo y luego dijo que había votado por él. Aunque a menudo discutía con la gente sobre política, también fue responsable de algunos ejemplos de humor inexpresivo y no partidista que se convirtieron en clásicos de las redes sociales, como su respuesta a la muerte del físico Stephen Hawking: «Tuviste una buena oportunidad… gracias por tu aporte.»

Trabajó constantemente, siempre: Alley quedó en segundo lugar en “Dancing With the Stars” en 2011; en 2013, tuvo una comedia de situación homónima de TV Land llamada «Kirstie» que fue cancelada después de una temporada; estuvo en la temporada 2 de “Scream Queens” en 2016; y a principios de este año, apareció en la temporada 7 de «The Masked Singer», como Baby Mammoth.

Le sobreviven un hijo, William True Stevenson, una hija, Lillie Price Stevenson y un nieto.

Médico queEl equipo creativo de continúa trabajando en la próxima celebración del 60 aniversario, y los fanáticos ya saben solo un poco de qué esperar. Los fanáticos estaban encantados de escuchar al ex Doctor David Tennant regresará junto a Catherine Tennant para una nueva aventuray eso Neil Patrick Harris interpreta a un misterioso villano. Algunos, sin embargo, están un poco molestos porque escuchamos sobre todas estas grandes revelaciones mucho antes del debut del especial, pero David Tennant intentó calmar algunos de esos temores mientras hablaba en un evento reciente.

David Tennant subió al escenario en Fan Expo Boston para responder las preguntas de los fanáticos y habló brevemente durante su panel acerca de volver a Médico que para el 60 aniversario del amado elemento básico de ciencia ficción. Tennant mencionó que la franquicia necesariamente necesitaba anunciar su regreso temprano debido a que la filmación se llevó a cabo en lugares muy públicos, pero se burló de que todavía hay muchas sorpresas reservadas para los fanáticos más allá de lo que ya sabemos, diciendo:

Fuimos un poco desafortunados, o afortunados, porque estábamos filmando algunas escenas que estaban en el público. Entonces, había que admitir que estábamos en eso. La mayor parte de lo que se ha filmado con otras personas ha sido en el interior. Entonces, hay mucho más por venir de lo que la gente piensa, lo cual es emocionante.

Advertencia: este podcast post-mortem contiene spoilers sobre el final de la temporada 4 de Westworld de esta noche “Que Será, Será”

Estamos muy, muy lejos del parque. ¿Recuerdas la ciudad del oeste de la primera temporada? El final de la temporada 4 de HBO mundo occidental terminó esta noche después de un tumulto entre humanos y anfitriones y más preguntas sobre quién está vivo y quién está en el Valle del Más Allá virtual. En una llamada especial de la tripulación esta noche hablamos con mundo occidental co-creadora Lisa Joy para solucionarlo todo.

Puedes escuchar nuestra conversación aquí:

La temporada 4 se estableció siete años después de la revolución de la temporada 3, donde vimos a Maeve (Thandiwe Newton), Caleb (Aaron Paul) y Dolores (Evan Rachel Wood), agotada, sacar la enorme supercomputadora predictiva Rehoboam. Bueno, hubo más revolución en el episodio del domingo pasado y en el de esta noche con cuerpos de humanos y anfitriones tirados.

Joys dice: “Humanos y anfitriones, simplemente se van a destruir a sí mismos. La vida en la Tierra tal como la conocemos ha terminado”.

La megalómana anfitriona Charlotte Hale (Tessa Thompson) depositó una de las últimas perlas anfitrionas que conocemos, la de Dolores/Christina, en el Valle del Más Allá y la selló en la presa Hoover, tal como aconsejó Bernard (Jeffrey Wright). El Valle del Más Allá es, pues, como un paraíso para los ejércitos. También se le llama Sublime. Charlotte también destruyó su perla y la de William/Man In Black (Ed Harris). Sin embargo, no llegaron a albergar el cielo tal como lo conocemos.

¿Ahora que? «La vida sensible en la Tierra ha terminado», dice Dolores/Christina de Evan Rachel Wood al final del episodio de esta noche, «pero una parte de ella podría conservarse… en mi mundo».

“Hay tiempo para un último juego, un juego peligroso con las apuestas más altas. Supervivencia o extinción”, continúa Dolores/Christina, “Este juego termina donde comenzó, en un mundo como un laberinto que pone a prueba quiénes somos. Eso revela en quiénes nos vamos a convertir”. Y vemos que está de vuelta en el parque de la ciudad occidental de Westworld.

¿Es este el final de mundo occidental? ¿El abuso de poder por parte de la IA siempre estuvo en un círculo vicioso? Joy nos dice esta noche que ella y su esposo/co-creador Jonathan Nolan aún no han recibido noticias sobre la renovación de la quinta temporada. Sin embargo, al inicio de la temporada nos dijo que “Jonah (Nolan) y yo siempre hemos tenido en mente un final que esperamos alcanzar. Todavía no lo hemos alcanzado”.

Aquí hay un resumen de los destinos de varios personajes esta noche:

Dolores/Christina (y Teddy). Teddy ayudó a Christina a ver la luz y darse cuenta de que ella era el alma de Dolores. Christina tiene una epifanía al darse cuenta de que ella es un «programa que ejecuta las cosas detrás de escena». “Tus pensamientos son reales… y el efecto que puedes tener en el mundo es real”, dice Teddy de James Marsden. Christina encuentra el icónico logotipo del laberinto de la serie que refresca su memoria. Con respecto al mundo que nos rodea, Christina dice: “Fui yo, lo hice. Hale no lo diseñó. Una parte de mí debe haber estado buscando. Es por eso que Christina también creó a su compañera de cuarto Maya (Ariana DeBose); para ayudarla a dar sentido a sí misma. Después de que Charlotte sube la perla de Dolores a Valley of the Beyond, Teddy se pone todo brillante y Christina se despierta de un sueño y ve la versión de la pradera de sí misma. “Estoy aquí para decirles la verdad sobre lo que somos; somos reflejos de las personas que nos hicieron”, le dice Dolores a Christina. A pesar de que Teddy ‘desaparece’ y se pone todo brillante, Christina/Dolores cree que es real «y en algún lugar sublime». Los episodios terminan con Dolores caminando en lo que parece una versión mejorada de Times Square que luego se derrite y se transforma de nuevo en el parque occidental Westworld. “El Valle del Más Allá está aislado del mundo, y esos anfitriones están a salvo, y Dolores está a salvo, bueno, Christina”, nos dice Joy.

Joy también confirma debidamente que Dolores está “en el Valle Más Allá. Entonces, ella está viva en términos de su perla, su tipo de CPU se cargó en este lugar donde fueron todos los demás anfitriones, y entonces, ¿qué está vivo? ¿Existe su ser físico? No, y no ha existido en toda la temporada. Ha estado literalmente en un jardín amurallado, pero ahora ese jardín amurallado ha sido enviado a una especie de infinito digital donde, presumiblemente, puede crear el mundo que quiera».

Charlotte Hale (y William) — ¿Están muertos? ¿Realmente en serio? En serio, tiene que haber un cajón de perlas de William y Charlotte en alguna parte. Un presentador de drones salva el cuerpo asesinado de Charlotte en la parte superior del episodio y la revive (fue asesinada el domingo pasado). “Hazme más fuerte, deja mis cicatrices, quiero recordar mi pasado. Mantén mi cara. Cuando encuentre a William, quiero que sepa que fui yo quien lo mató”, dice Charlotte mientras los anfitriones del dron la reconstruyen. Está empeñada en atrapar al tipo, William, a quien culpa por hacer que «todos estén tan locos como él». Encuentra un iPad con un mensaje que le dejó Bernard. “Si estás viendo esto, significa que Maeve y yo estamos muertos. No pasará mucho tiempo antes de que todos los hosts estén muertos. Este no es el mundo que querías, Charlotte, pero el mundo que creaste, la pregunta es ¿qué pasará después?

Más tarde, en la Presa Hoover, donde William y Charlotte se enfrentan, el Hombre de Negro cree que ha evolucionado, aunque ya no es el tipo que era. Charlotte cree lo mismo, que ha evolucionado y, de hecho, mientras intenta apuñalarla con un cuchillo grande, ella es literalmente tan duradera como Terminator. “Le diste a los anfitriones rienda suelta para cazar y matar humanos”, dice Williams, “Estás tan jodido como nuestros creadores. Voy a hacer borrón y cuenta nueva. “¿Ese es tu objetivo final? ¿Extinción?» replica Hale. Como mencionamos anteriormente, ella rastrea a William, lo mata y deposita la perla de Christina/Dolores en lo sublime/Valle del Más Allá. Se sienta al lado de la presa Hoover después de la misión, exhala, abre su cráneo, saca su perla y la aplasta. “¿Cómo mueres como anfitrión? Pero si aplastas tu CPU así; ahí es donde reside el alma de la hostia, por así decirlo. Entonces, sí, no más Hale”, nos dice Joy en Crew Call.

Pennyfeather clementina (Angela Sarafyan) está muerta, asesinada por la hija de Caleb C (Aurora Perrineau) con un tiro en la cabeza. Quería la ubicación de los otros valores atípicos de Caleb y C, quienes creía que se estaban saliendo de la red.

Caleb y C: Se dirigen a un bote donde C se dirige con su novia. Sin embargo, Caleb no quiere ir. Anteriormente, Caleb se entera por C que su esposa/mamá murió de cáncer. “Tu padre murió hace mucho tiempo”, le dice Caleb. Es un adiós lloroso.

Nos enteramos de que Hale hizo varias versiones de Caleb esta temporada. Entonces, ¿con cuál terminamos aquí? ¿El humano?

Joy responde: “Así es como funciona esa tecnología. De hecho, comenzó en el episodio de la segunda temporada con el Sr. Delos, y donde el Hombre de Negro está haciendo una prueba, una prueba de inmortalidad, ¿verdad? Están tratando de hacer este proyecto secreto de inmortalidad en el que si replicas perfectamente a una persona y la colocas en esta CPU, básicamente puedes permitir que esa persona viva para siempre. Y lo que encontraron es que al combinar la mente y el alma, digamos, de la CPU de una persona dentro de un cuerpo artificial, como un cuerpo que rechaza una donación de órganos, tendía a rechazar ese cuerpo, y por eso se estropeaba, y pueden tipo de estirar el desglose por períodos más y más largos. Pero, en última instancia, es como si la mente supiera que esto no es real y provoca un mal funcionamiento, y eso es lo que Hale estaba haciendo con Caleb. Ella lo traería de vuelta una y otra vez y lo vería degradarse, mientras buscaba alguna verdad que ella cree que él le ocultó”.

Entonces, ¿qué pasa con Maeve, Bernard y el Hombre de Negro? ¿Están muertos, muertos, muertos?

Joy bromea: “Hay formas de recuperar a los personajes. Hay algunas caras que volveremos a ver, pero no todas. Hay que respetar algunas muertes”.