En “Mad Max: Fury Road”, del director George Miller, Gas Town es visto como un punto en el horizonte. De manera similar, con Bullet Farm, vehículos y personas salían de allí, pero nunca se mostró. Esta vez, en “Furiosa: A Mad Max Saga”, el diseñador de producción Colin Gibson pudo desarrollar completamente las ciudades después de que ya se habían mostrado su historia, función, texturas, colores y líderes.

En la película, una joven Furiosa, interpretada por Anya Taylor-Joy, es secuestrada por Dementus (Chris Hemsworth), un nuevo villano. Demtenus y sus bandidos motociclistas la llevan a través del Yermo en su búsqueda por dominar.

Gibson habló con Variedad sobre cómo los equipos de guerra y las ciudades se unieron para construir el vasto Wasteland de “Furiosa”, que se rodó en locaciones de Nueva Gales del Sur.

Granja de balas

Gibson trabajó como administrador de propiedades en la película de Wim Wenders de 1991 «Hasta el fin del mundo». Desde entonces, sigue el trabajo de Wenders. Más recientemente, disfrutó del largometraje documental de 2014, “La sal de la tierra”, sobre el fotógrafo Sebastião Salgado. El trabajo de Salgado aportó ideas inspiradoras a Gibson, junto con lo que se había expuesto en “Mad Max: Fury Road” y la novela gráfica “Furiosa” sobre cómo daría cuerpo a este mundo.

«Señor. Salgado, si quisieras pensarlo, hizo Bullet Farm para nosotros con sus sesiones fotográficas. También había hecho a los trabajadores del gas, la gente que trabaja en los yacimientos petrolíferos en el centro de Kuwait, lo que nos dio grandes ideas para Gas Town y Bullett Farm”, dice Gibson.

La fotografía tenía el horror, la majestuosidad y la escala que Gibson buscaba. Había imaginado este último como un lugar donde se cultivaban balas y los ciudadanos cavaban tierras. Además, tenían una torre donde “arrojaban plomo desde gran altura”. Gibson dice: «Eso le dio a George la opción de hacer que la torre se derrumbara al final, casi acabando con nuestros amigos».

Gibson construyó trincheras donde los agricultores podían fabricar pólvora, pero también consideró tener una trinchera “donde todos orinaran en un solo lugar. Eso siempre es útil”, afirma. «La historia de fondo de Bullet Farm era nivel tras nivel».

Al pensar en la paleta de colores, Bullett Farm estaba fuera del camino de tierra y “llena de polvo, suciedad y sudor”, dice Gibson, por lo que el entorno polvoriento y texturizado tenía una pátina oxidada que también se reflejaba en los vehículos que venían de allí.

Ciudad del gas

La apariencia de Gas Town también tuvo su inspiración en el mundo real. “Había imágenes de Saddam [Hussein] se retiraron de Kuwait y prendieron fuego a las torres de perforación de petróleo en el desierto para que nadie pudiera llegar a ellas, y la gente seguía practicando fracking y operando a su alrededor. Otros se estaban quemando, así que de ahí surgió todo eso”, dice Gibson.

En lo que respecta a la paleta de colores de ese mundo, la gente estaba cubierta de petróleo. «Estaba brillante, resbaladizo y demasiado lubricado», dice Gibson. “Así que en ‘Fury Road’ los vehículos que venían de allí fueron lustrados, desgastados y pulidos con chorro de arena hasta dejarlos sin metal y con aceite. Tenían una apariencia negra y brillante, lo que significaba que sabías cuando alguien era de ese lugar”.

La plataforma de guerra

Dado que la película era una precuela, Gibson quería algo que fuera rápido y potente porque estaban “de vuelta en la carretera”.

En el año 2000, Gibson había visto un viejo camión Kenworth Cummins V903 mientras buscaba ubicaciones en Dubai. El camión que vio se utilizaba para la minería en Arabia Saudita. «Me encantó, pero todo era torque y nada de velocidad, así que elegimos nuestra versión de eso, que eran un par de 509 Kenworth nuevos y reconstruimos una camioneta manual», explica Gibson.

La idea que tenía Miller era que este camión tenía que ser una versión anterior del equipo de guerra del señor de la guerra Immortan Joe. Después de la batalla con los Dementores, la próxima versión de “Mad Max: Fury Road” sería “más industrial y menos brutal”.

Gibson puso todo lo que tenía en el equipo, para que brillara con lados brillantes. “Este era el Luis XIV. Esta fue la era del Rey Sol de Immortan Joe”.

motos

La flota de motos es un personaje en sí mismo de la película, ya que figura entre las muchas persecuciones intensas. Sin embargo, Gibson carecía del tiempo y los recursos para crear miles de películas en pantalla. Hizo 100 y el resto fueron generados por computadora.

«Una cosa es ver una horda de langostas, pero quieres saber de dónde vienen, y todas son diferentes», dice Gibson. Comenzó a pensar en cada jinete Dementor y dónde habrían estado y qué representaban. Tenía una historia para cada ciclista. A partir de ahí, creó los looks y las motos cortesía de BMW, Harley Davidson y Yamaha. «Una vez que los tuvimos, los transformamos en Frankenstein».

En el camino, la bicicleta de Hemsworth sufre algunas modificaciones. “Empieza con un pistolero bajo. Quería darle algo diferente, así que está construido sobre un motor radial Rotec R2800 que se colocó lateralmente en la bicicleta para que parezca tres ruedas desde el costado”.

Una vez que derrota al siguiente grupo, obtiene un par de bicicletas bajas BMW R18 que lo conducen al vehículo parecido a un carro que luego pierde durante un asedio.

Al final, Dementus termina con un camión monstruo de seis ruedas. «Es una grúa porque no le interesa el comercio, por lo que la camioneta tenía más sentido para su personaje», dice Gibson.

El debut como director de Julio Torres problemista de A24 registró el promedio por pantalla más alto del fin de semana con una apertura sólida y limitada, recaudando $ 140,9 mil en cinco pantallas en Nueva York y Los Ángeles con múltiples preguntas y respuestas con entradas agotadas.

La película protagonizada por Torres y Tilda Swinton obtuvo un anuncio de servicio público de 28.000 dólares y fuertes salidas en todas las salas.

Una comedia surrealista sobre un joven aspirante a diseñador de juguetes de El Salvador que navega por la ciudad de Nueva York y el sistema de inmigración de EE. UU., se estrenó en SXSW el año pasado. Se expande para seleccionar los principales mercados este fin de semana, seguido de un lanzamiento a nivel nacional.

Cortometrajes nominados al Oscar de ShortsTV y Magnolia alcanzaron unos sólidos 330.000 dólares en 258 pantallas en la tercera semana, y parece que superarán los 3.025 millones de dólares del año pasado, probablemente para finales de esta semana, dijo Magnolia. Ha recaudado alrededor de $ 200 mil más en lo que va de año que en el mismo momento en 2023. El programa, dividido en tres largometrajes para cortometrajes animados, de acción en vivo y documentales, registró una recaudación máxima en 2019 de $ 3,53 millones. Está cada vez más cerca de alcanzar esa cifra nuevamente, posiblemente este año, pero más probablemente el próximo.

Nueva apertura Shaydael primer largometraje de la directora iraní-australiana Noora Niasari, obtuvo una recaudación de 10.000 dólares en tres días en dos pantallas.

Los vestigios nominados al Oscar: Neón dias perfectos de Wim Wenders obtuvo unos sólidos 480.000 dólares en la cuarta semana en 271 pantallas, para un total de 2,2 millones de dólares.

Imágenes del reflector Cosas pobres de Yorgos Lanthimos, protagonizada por Emma Stone, recaudó 400.000 dólares en 550 salas para un total nacional de 33 millones de dólares.

Cord Jefferson’s Ficción americana de Amazon MGM Studios obtuvo 350.000 dólares en 480 ejecuciones por un total de 20,6 millones de dólares.

A24 La zona de interés de Jonathan Glazer continuó en 571 pantallas durante un fin de semana estimado en 204.000 dólares y un acumulado nacional de 7,8 millones de dólares..

MÁS

Martin Scorsese fue recibido con fuertes vítores cuando se apeó de su automóvil en el Berlinale Palast el martes por la noche y se dispuso a firmar autógrafos para la multitud reunida en esta fría noche berlinesa.

El cineasta ganador del Oscar recibió un Oso de Oro honorífico por su trayectoria en la 74ª edición de la Berlinale.

“¡¡Marty!! ¡¡Martí!! La multitud coreó, mientras Scorsese posaba para los fotógrafos antes de responder a las preguntas de la prensa y saludar a los jefes del festival, protegido del mal tiempo sólo por su elegante traje negro.

Una vez dentro del auditorio, el hombre de 81 años finalmente se sentó unos 25 minutos después de su llegada, tras una larga ovación.

Música en vivo de la banda sonora de Asesinos de la luna de las flores estuvo acompañado de clips que se reproducían en la pantalla. La directora ejecutiva del festival, Marietta Rissenbeek, y el director artístico, Carlo Chatrian, ofrecieron unas palabras de reconocimiento al gran director, haciendo reír y casi llorar a Scorsese con su hija Francesca a su lado.

El director alemán Wim Wenders subió al escenario y ofreció una visión general de su carrera, enumerando decenas de títulos de las siete décadas de cine de Scorsese, hablando de la carrera que el modesto Scorsese dijo más tarde en el escenario que no podía hacer por sí mismo. “Simplemente no puedo”, dijo.

“Dirigida por Martín Scorsese. Desde hace medio siglo esto se ha convertido en una marca registrada y una marca. Medio siglo de un extraordinario viaje cinematográfico”, dijo Wenders, antes de recordar su primer encuentro con Scorsese en una solitaria carretera de Utah en 1978, después del Festival de Cine de Telluride, cuando, dijo, Scorsese salió de debajo de un coche con una rueda pinchada. tratando de arreglar un viaje con Isabella Rossellini.

Wenders también aplaudió a The Film Foundation de Scorsese como “un Arca de Noé para el patrimonio cinematográfico, que ha ayudado a restaurar más de 1.000 películas y hacerlas accesibles al público. Devolverle al cine lo que te dio”, afirmó.

Cuando Scorsese finalmente subió al escenario para recibir su premio, agradeció a “todos en Berlín” antes de añadir una nota personal de agradecimiento a Wenders. “Wim, no sé qué decir después de una introducción y una historia tan hermosa del trabajo que he realizado a lo largo de los años y de mis colaboradores. Es un acto difícil de seguir”.

Scorsese continuó la historia de Telluride sobre las reuniones de talentos cinematográficos de ese día de 1978 y habló del trabajo de Wenders casi tanto como éste lo hizo del suyo, mostrando su generosidad hacia los demás y su conocimiento enciclopédico del cine.

«En cuanto a mis propias películas, no sé qué puedo decir sobre 50 o 60 años de trabajo, no puedo hacerlo sin hablar del lugar donde se celebra el cine, que son los festivales», dijo Scorsese. “Realmente me siento bendecido por haber sido parte de la conversación durante la mayor parte de mi vida. No puedo hablar de mi trabajo. Quizás Wim pueda”.

La Berlinale no es ajena, ya que aquí se han proyectado muchas de las películas de Scorsese, entre ellas Toro furiosoque jugó fuera de competición en 1981, El cabo del miedo que se proyectó en Competición en 1992. Bandas de Nueva Yorkque jugó fuera de competición en 2003, y Isla de persiana fuera de competición en 2010. Su película sobre el concierto de los Rolling Stones Brillar una luz Inauguró la Berlinale en 2008.

La Film Foundation de Scorsese ha participado a lo largo de los años en varias películas proyectadas en la sección Clásicos de la Berlinale.

“Al principio, para The Film Foundation buscamos películas que nos influyeran. Buscábamos copias (de películas antiguas) pero era muy difícil encontrar buenas copias”, dijo Scorsese a los periodistas el martes, antes de la ceremonia. “Había una mística en torno a la película, incluido quiénes eran las personas que la hicieron, por lo que existía esa magia al descubrir algo nuevo en el arte y el cine como arte. Podría ser una película de John Ford o cualquiera de Satyajit Ray…”

Scorsese confirmó a los periodistas en Berlín que está trabajando en una película sobre la vida de Cristo.

“Lo estoy contemplando ahora mismo. Qué tipo de película, no estoy muy seguro. Pero quiero hacer algo único y diferente que pueda invitar a la reflexión y, espero, también entretener. Todavía no estoy muy seguro de cómo hacerlo”, dijo a los periodistas.

Los ganadores anteriores del premio Oso de Oro a la trayectoria incluyen a Steven Spielberg, Helen Mirren e Ian McKellen, además de Wenders.

Asesinos de la luna flor Ha sido nominada a 10 premios Oscar, incluida la de mejor película. Tras la ceremonia de la Berlinale, el festival proyectó la película ganadora del Oscar de 2006 de Scorsese. Los difuntos.

“Perfect Days” de Wim Wenders, nominada a los Oscar como mejor película internacional, ha batido el récord mundial de taquilla de todos los tiempos establecido por las películas anteriores del director alemán. Si bien aún no se ha estrenado en todos los territorios, “Perfect Days” ha acumulado una taquilla mundial total de 24,3 millones de dólares hasta el 18 de febrero, según Comscore.

Entre sus películas anteriores, “Paris, Texas” recaudó 2,26 millones de dólares, “Wings of Desire” recaudó 3,5 millones de dólares, “Pina” recaudó 18,7 millones de dólares y “Buena Vista Social Club” recaudó 23,1 millones de dólares, según Box Office Mojo de IMDb.

“Perfect Days” se estrenó en competencia en el Festival de Cine de Cannes, donde Koji Yakusho, quien interpreta a un limpiador de baños en Tokio, ganó el premio al mejor actor. The Match Factory vendió la película a todos los territorios del mundo.

Neon estrenó la película en Estados Unidos el 7 de febrero, ganando 497.787 dólares después de su segundo fin de semana. “Perfect Days” se estrenó en Alemania el 21 de diciembre a través de DCM con 3,6 millones de euros (3,87 millones de dólares) hasta el momento. En Italia, donde Lucky Red distribuye la película, la película cerró este fin de semana con 5,07 millones de euros (5,46 millones de dólares). En Francia, tras seis semanas de estreno en Haut et Court, la película ha recaudado 2,75 millones de euros (2,97 millones de dólares). En España, la distribuidora A Contracorriente Films informa que la película ha recaudado hasta el domingo 1,2 millones de euros (1,29 millones de dólares). En su país de origen, Japón, Bitters End dice que la película ha recaudado 958 millones de yenes (6,3 millones de dólares) hasta el 18 de febrero. En toda América Latina, estrenada a través de MUBI, la película ha recaudado 215.445 dólares.

“Perfect Days” también se proyecta en Suiza, Bélgica, Portugal, los países bálticos, Suecia, Nueva Zelanda, Hong Kong, la CEI, Ucrania, Noruega, Dinamarca, Singapur y Rumania, con más estrenos programados en el Reino Unido, Irlanda, Grecia y Hungría. , Australia y Taiwán en las próximas semanas.

Esta reseña se publicó originalmente el 26 de mayo de 2023 en el Festival de Cine de Cannes. Lo estamos recirculando ahora en el momento oportuno. Días perfectos Próximo estreno en cines de Estados Unidos.

Esto es lo que sabemos sobre él. Se llama Hirayama y está interpretado por el gran actor japonés Koji Yakusho. Se despierta cada amanecer, enrolla su cama, rocía sus plantas y se pone su mono de Tokyo Toilets. Luego conduce por la ciudad, limpiando silenciosa y meticulosamente los baños públicos. Limpia con atención los tazones, trapea los pisos, reemplaza el papel higiénico, pasa un espejo por esos lugares difíciles de ver para asegurarse de que estén limpios. Sale cortésmente si alguien entra a utilizar las instalaciones y espera pacientemente a que terminen. Luego vuelve al trabajo. Alguien nota que no tiene sentido ser tan minucioso, ya que todo se volverá a ensuciar. «¿Cómo puedes poner tanto en un trabajo como este?» Él no responde.

Hirayama almuerza en un banco del parque, reclinado y disfrutando del delicado juego de luces entre los árboles. Le encanta observar sombras, hojas, ramas, un brillo perdido en el techo. Toma 35 mm. imágenes de lo que ve. No dice casi nada. Cuando su amable y poco confiable colega más joven (Tokio Emoto) dice que no sabe cómo suena la voz de Hirayama, no estamos seguros de si nosotros tampoco lo sabemos. Por las noches visita una animada tienda de fideos en un centro comercial subterráneo, donde lo reciben con un vaso grande de agua y un cálido «¡Brindemos por su día ajetreado!». por el servidor. Por las noches lee; actualmente está leyendo a Faulkner, pero hay Highsmith y otros en los estantes. Y luego sueña, imágenes vagas e inexactas, brillantes en blanco y negro que reproducen los detalles monótonos de su día.

dias perfectos No se parece a nada que Wim Wenders haya hecho antes, pero también ha estado intentando hacer esta película toda su vida. Es uno de los dos títulos que tiene en Cannes este año, y resulta que su lugar en competencia está bien merecido, ya que es probablemente la mejor película que ha hecho desde la versión del director de Hasta el fin del mundo. «Hay tantas cosas buenas», dijo Peter Falk, el sabio y mundano ex ángel de la Alas del deseo, solía decir. Estaba ansioso por decirles a los fantasmas celestiales sobre Berlín “lo bueno que es estar aquí, tocar algo”. Los vagabundos de las road movie de Wenders, aquellos que huían de algo, corrían hacia algo o simplemente intentaban reconectarse con el mundo, anhelaban simplicidad y presencia. Toda la carrera del director se ha construido sobre la base de esa búsqueda, por ahora difícil de alcanzar. Cada vez que un personaje lo captaba, lo perdía. O desaparecieron o desapareció el momento. La felicidad era imposible.

Cuando Wenders falló, fue porque quedó demasiado atrapado en la trama, los personajes y la historia de fondo, tratando de explicar quién era quién y por qué era qué. En dias perfectos, parece que se ha dado cuenta de que no necesita hacer nada de eso. La película siempre está a punto de explicarse pero afortunadamente nunca lo hace. Resulta que la clave para representar la simplicidad es encarnar esa simplicidad. Hay un indicio de drama familiar en el pasado de Hirayama, un padre separado y una hermana lejana, pero eso es todo: un indicio. Cuando un día la joven sobrina de Hirayama aparece de la nada, tiene toneladas de preguntas, pero él no tiene respuestas. Tememos que la película esté a punto de convertirse en una historia familiar de un joven que ayuda a un hombre mayor y destrozado a salir de su caparazón, pero no, es ella quien comienza a ver el silencioso esplendor de su vida.

Tu prima podría haber escrito esta película. Pero tal vez sólo Wenders podría haberla dirigido. Tiene la sensibilidad para disparar las profundidades del rostro de Yakusho. Tiene el ojo para capturar la arquitectura elegante y diversa de los baños públicos de Tokio, desde orbes futuristas hasta acogedoras cabañas, casas circulares de listones verticales y paneles de madera alveolares. (Es especialmente sobrenatural para alguien de Nueva York, donde tratamos los baños como pozos innombrables de desesperación manchada que nunca deben hacerse accesibles al público y ciertamente nunca mantenerse limpios). Y como se trata de una película de Wim Wenders, Hirayama reproduce casetes de Lou Reed, Patti Smith, Otis Redding y los Kinks mientras conduce por la resplandeciente Tokio y la torre Skytree a cuya sombra vive. Hay un mundo completamente diferente ahí fuera, y sentimos que a veces le susurra a Hirayama. Pero está feliz donde está. «La próxima vez es la próxima», dice. “Ahora es ahora”. Cuando terminó, yo también quería ponerme un mono de Tokyo Toilets.

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El documental candidato al Oscar Anselmo marca un encuentro entre dos de los grandes artistas del mundo: uno conocido por el cine, el otro por la pintura, las instalaciones y la escultura.

El cineasta Wim Wenders comenzó su carrera hace más de 50 años, con créditos que incluyen París, Texas, Alas del deseo, Club Social Buenavista, La sal de la tierray piñay dos sólo este año – Anselmo y la característica narrativa dias perfectos. Su protagonista en Anselmo – el artista de origen alemán Anselm Kiefer, puede que no sea tan conocido entre el público como Wenders, pero su obra sorprende por su potencia, erudición y escala. En pocas palabras, Kiefer hace arte de dimensiones monumentales.

“Estábamos en el paisaje de su propio estudio. [outside Paris]”, le dice Wenders a Deadline, “este enorme depósito, más grande que los hangares de aviones, y varios de ellos”.

Wenders concluyó que capturar el tamaño del espacio de trabajo y las obras de arte individuales requería algo diferente al enfoque 2D estándar.

“Para llevar a la gente allí y ver tanto, el 3D es la mejor manera. No sólo te permite ver el espacio y estar allí espacialmente, sino que también te permite ver más”, explica Wenders. “Es un medio muy intenso para captar y ver el aura de algo. Tu mente trabaja a tiempo extra cuando miras 3D porque es tu mente la que crea el espacio”.

Y añade: «El 3D tiene una cualidad hermosa que casi no se aprovecha porque la gente sólo conoce el 3D en forma de películas de acción, y luego hay un corte cada dos o cinco segundos… 3D hecho fisiológicamente correcto para que realmente puedas mirarlo con calma y no te duele la vista y tiene la profundidad adecuada, es como si estuvieras allí. Y esa cualidad del 3D, esa cualidad poética e inmersiva, ni siquiera la conocen todavía”.

La obra de Kiefer se encuentra en la colección permanente de importantes museos como el Instituto de Arte de Chicago y el Museo de Arte Moderno de Nueva York, y ha sido expuesta en el Museo Guggenheim de Bilbao en España y el Centro Pompidou de París, entre muchos otros lugares. La Galería Gagosian, que representa a Kiefer, describe su escultura y sus lienzos como «que abarcan una amplia gama de alusiones culturales, literarias y filosóficas, desde el Antiguo y el Nuevo Testamento, el misticismo de la Cabalá, la mitología nórdica y el Ciclo del Anillo de Wagner hasta la poesía de Ingeborg Bachmann». y Paul Celan”.

Wenders se maravilla de Kiefer: “No le tiene miedo a nada. Creo que él cree que todo se puede pintar, lo que sea. Cualquier cosa que le digas, dice, puedo pintarla”.

Además de Croissy, Wenders rodó en Barjac, en el sur de Francia, donde Kiefer mantenía un espacio de estudio en una fábrica de seda en desuso del tamaño de unos 25 campos de fútbol. Estos no fueron los únicos lugares de rodaje.

“También el paisaje en el remoto bosque del Odenwald [in Germany]donde Anselmo trabajó durante 10 años [early in his career] sin que nadie viniera a verlo. Ni historiadores del arte, ni galeristas, ni gente de museos”, señala Wenders. “Allí sentó las bases de toda su obra como un pintor completamente desconocido. Entonces nosotros también estuvimos allí. Filmamos majestuosos paisajes invernales. Estábamos cerca del Rin, donde creció cuando era niño, lo que influyó mucho en toda su vida y en su obra, en el paisaje de la posguerra en Alemania”.

Wenders entreteje breves dramatizaciones en la película, segmentos que presentan al sobrino nieto del cineasta, Anton Wenders, como un joven Anselm, y al propio hijo de Kiefer, Daniel Kiefer, interpretando a su padre de unos 30 años. El joven Kiefer se mostró un poco reacio a asumir el papel de actor.

“Le dije: ‘Vamos, Daniel. Ahora tendrás que jugar esto porque no conozco a nadie más que pueda hacerlo con tanta sinceridad. Y él dijo: ‘Oh, no puedo hacer eso’. No soy actor. Le dije: ‘Tu padre tampoco es actor’. Él está en la película’”, dice Wenders.

El director continúa: «Daniel dijo: ‘Pero luego tengo que llamar [my dad] y pedirle permiso.’ Y le dije: ‘No, no vas a llamarlo y decirle, porque tu padre solo tenía una condición que me pidió: si haces esta película, entonces no me muestres un tratamiento’. No me muestres nada. No me digas qué estás haciendo. Puedes hacer lo que quieras, pero prométeme que al final me sorprenderás.’ Y lo prometí. Y luego le dije a su hijo: ‘Si le dices que vas a interpretarlo cuando tenía 35 años, me vas a arruinar la sorpresa’. Así que no lo vas a llamar porque él no quiere que lo llames. Le gustaría que le sorprendieran. Así que sorprendimos a Anselmo, entre otras cosas, por la aparición de su propio hijo como su versión más joven”.

Entre las escenas más sorprendentes de la película se encuentran aquellas que muestran al artista maltratando su trabajo, por así decirlo, como prendiendo fuego a sus pinturas.

«Metía sus cuadros en un horno y los horneaba, porque le gusta ver cómo el tiempo se los come», explica Wenders. “Algunos de ellos han estado al aire libre, expuestos a la lluvia, las heladas y la nieve, lo que sea, durante años, y luego los trae nuevamente adentro y continúa trabajando en ellos. Le gusta el tiempo para incorporarse”.

Wenders ha escrito que «la privacidad es sagrada… La vida de un hombre debe seguir siendo su dominio privado». Entonces Anselmo No pretende ser una película biográfica.

«Realmente sentí que su trabajo debería hablar por él y el trabajo debería hablar por sí mismo», dice Wenders. “No quería hacer una película para dar una opinión sobre su trabajo. Quería que el trabajo se destacara. Y tú poder vívelo en la película, tú poder Haz un juicio sobre lo que viste, lo que sentiste y lo que estaba frente a ti… Y sentí que eso era mucho más fiel a quién era él”.

Wenders añade: “Y era mucho más fiel a ver el arte. Si vas a un museo y estás delante de algo que te impresiona, no querrás tener la explicación delante. No estás viendo la explicación; estás viendo el trabajo. Y entonces sentí que ésta era más una biografía de la obra de Anselmo y de su imaginación que la biografía del hombre”.

Anselmo, el nuevo documental de Wim Wenders sobre el artista Anselm Kiefer, se está proyectando actualmente en cines en 3-D, y deberías intentar verlo en ese formato si tienes la oportunidad. Sin embargo, este no es el fantástico 3-D de los objetos que salen volando de la pantalla, ni siquiera el 3-D de los entornos inmersivos. Al igual que lo hizo con su documental de 2011, piña, Wenders utiliza las tres dimensiones de forma casi escultórica, permitiéndonos captar el peso y la textura de una obra o un movimiento. Es un formato adecuado para alguien como Kiefer, cuyas inmensas pinturas (si es que se les puede llamar así) incorporan piedra, arena, paja y otros objetos, sin mencionar los grandes y gruesos montículos de pintura. Sus esculturas e instalaciones también demuestran una tosquedad cautivadora que realmente exige la presencia física.

La película comienza con imágenes inquietantes de bustos de mujeres sin cabeza cubiertos con vestidos de novia blancos, obras creadas como parte de la enorme instalación de Kiefer “La Ribaute”, que el artista pasó décadas construyendo en una antigua fábrica de seda de 40 hectáreas en el sur de Francia. “La Ribaute” incorporó muchas de sus ideas y formatos artísticos en algo que también funcionó como una gran expresión del tiempo. Si bien no obtenemos muchos detalles sobre “La Ribaute” de la película, sí experimentamos algo más. En 3-D, los vestidos parecen flotar a medio camino entre nuestros ojos y la pantalla, fantasmas sólidos que emergen de la película para comulgar con el mundo real. Luego Wenders pasa a otra esquina de “La Ribaute”, a uno de los “Siete Palacios Celestiales”, torres desvencijadas hechas de contenedores de envío oxidados y desechados, que brillan de manera extraña y extraña en este rincón soleado y pastoral de Francia. Una vez más, es difícil no sentir que podemos tocar estas cosas frágiles, para ver si se convierten en polvo o colapsan en nuestras manos.

Kiefer y Wenders nacieron con unos meses de diferencia en 1945, en medio de la espiral de muerte de Alemania al final de la Segunda Guerra Mundial. Alcanzaron la mayoría de edad durante los llamados “años de silencio”, cuando rara vez se hablaba del nazismo y el Holocausto. Wenders respondió buscando una vía de escape y haciendo road movie sobre soñadores, vagabundos y depresivos. Kiefer respondió profundizando, haciendo arte que se negaba a irse, ya sea espiritual o físicamente. (Incluso si finalmente se mudó, su trabajo siguió siendo muy alemán, para gran disgusto de muchos de sus compatriotas). Una serie de fotografías del artista haciendo el saludo nazi en diferentes países mientras vestía el uniforme de la Wehrmacht de su padre provocaron una indignación comprensible, pero La idea era recordar a Alemania y al mundo cómo se comportaron y sintieron los ciudadanos comunes y corrientes durante la guerra, para acabar con la mentira de que eran cosas extrañas que les sucedían a otras personas en tierras lejanas e imaginarias. (Uno se estremece al imaginar cómo se recibirían hoy esas imágenes).

Entonces, si bien Kiefer ha tenido una vida y una carrera fascinantes y controvertidas, también es uno de esos artistas cuyo trabajo incita a los cineastas a mantenerse alejados del estilo documental directo. (En caso de que se pregunte cómo este hombre es capaz de permitirse estos enormes estudios, estas enormes extensiones de tierra, estos proyectos imposibles que duran décadas… bueno, también es una de las personas más ricas de Francia, donde ahora vive). Excelente película de 2010 de la directora Sophie Fiennes, Sobre vuestras ciudades crecerá la hierbafue igualmente etéreo en su enfoque, optando por dejar que la cámara deambule por los espacios húmedos y siniestros de “La Ribaute”, mientras Kiefer continuaba con su trabajo.

Wenders incluye fragmentos de otros documentales noticiosos sobre el artista, mostrados en lo que parece ser una pantalla de televisión antigua en el estudio de Kiefer. Pero incluso estos se proporcionan de manera vaga, a menudo sin contexto y sin ningún orden discernible. Se sienten como otro elemento perdido agregado a la mezcla, no como una línea directa. Si el arte pretende cautivar, perturbar y evocar, la mera información a veces amenaza con interponerse en el camino. Wenders parece entenderlo. En la banda sonora, escuchamos la legendaria “Death Fugue” de Paul Celan, un poema sobre el Holocausto que también ha servido como texto clave para Kiefer; las palabras parecen flotar en ondas expresivas, elementales y orgánicas más que compuestas y figurativas.

Cuando vemos a Kiefer trabajando en Anselmo, parece menos un artista y más un contratista loco, que emborrona pintura en pegotes aparentemente indiscriminados con palos gruesos y difíciles de manejar, o utiliza largos postes y montacargas para verter metal fundido sobre sus lienzos. Todo parece un esfuerzo bastante solitario, y uno se pregunta si esto es parte de la mitología expresiva que Wenders está aceptando. Seguramente este artista riquísimo de 78 años, que realiza enormes y complicadas obras industriales en gigantescos estudios, también cuenta con un pequeño ejército de asistentes que le ayudan. Pero no vemos mucho del trabajo real que implica la creación de estos lienzos y esculturas. Esto se suma a la sensación de que nacieron, no fueron creados.

O tal vez excavado en los confines de la tierra, moldeado a partir de la sangre, el barro y la crueldad de la historia. Este es un trabajo sucio y desordenado, y la película parece decidida a resaltarlo. Cuando Kiefer abre un estante y hojea uno de los inmensos libros que ha creado (con plomo, tierra, pintura negra y, por supuesto, semen) o arroja vestidos esculpidos desde una escalera de caracol al suelo polvoriento, puedes sentir el el hollín, la pintura y la mugre salpicando y flotando. En la forma en que filma a Kiefer, Wenders encuentra más dramatismo en gestos como estos que en los detalles biográficos. Este es el arte que se atreve a vivir en el mundo, y Anselmo es en sí misma una obra maravillosamente viva.

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Desde 1979, Kōji Yakusho ha interpretado a contadores estresados ​​(¿Bailamos?), samuráis vengadores (13 asesinos), y asesinos convictos (El tercer asesinato). Ahora, en la película de Wim Wenders ambientada en Tokio dias perfectosel ganador del premio al mejor actor de Cannes encuentra un poco de paz y tranquilidad, abrazando la vida de un limpiador de baños llamado Hirayama que vive según la filosofía japonesa de komorebí. Es una palabra que describe la forma en que los rayos del sol y las sombras se filtran entre las hojas de los árboles, pero, en sentido metafórico, también alude a reconocer la alegría y la tristeza de la vida cotidiana. Lo que significa mucho para Hirayama, quien brinda un valioso servicio en un mundo que a menudo lo da por sentado.

FECHA LÍMITE: Wim Wenders mencionó en entrevistas anteriores que este papel fue escrito pensando en ti y que ayudaste a colaborar en el guión. ¿Puedes contarnos cómo conociste esta película y cómo surgió?

KOJI YAKUSHO: Bueno, todo comenzó primero con el Proyecto de Baños de Shibuya, también conocido como Proyecto de Baños de Tokio, que involucra los baños públicos en Shibuya, y me pidieron que interpretara a este limpiador, uno más del equipo de limpieza. Entonces, la historia iba a tener lugar en Shibuya con este personaje como protagonista. Pero cuando se me ocurrió la idea era tal vez hacer un cortometraje o un libro de fotos, pero era algo que yo no había hecho, este tipo de trabajo. Entonces, estaba inmensamente interesado en ello e inmediatamente dije que me gustaría ser parte de ello.

Y los productores se acercaron a mí para hablar de la película y hablaron sobre cómo querían que Wim la dirigiera. Y, por supuesto, Wim es uno de los maestros. Y yo pensaba: «¿Un maestro como él querría hacer esa película sobre el baño?». Pero él inmediatamente aceptó la oferta. Y luego fue él quien propuso hacer un largometraje. Y se convirtió en un regalo enorme y maravilloso para mí.

FECHA LÍMITE: La naturaleza de la película es muy interesante porque prospera en el minimalismo. Realmente no sabemos mucho sobre Hirayama aparte de su dedicación por su trabajo. Sin embargo, hacia el final de la película, podemos vislumbrar lo que podría ser un pasado complicado a través de una conversación con su hermana y su sobrina. ¿Qué pensaste de él y su personaje al leer el guión?

YAKUSHO: Con respecto al pasado de Hirayama, creo que fue alguien que realmente vio o experimentó el infierno. Y eso fue parte de mi pensamiento mientras interpretaba a este personaje. Pero a mitad del rodaje, el productor y el coguionista, [Takuma] Takasaki-san le preguntó a Wim si podía compartir lo que pensaba, porque Wim en realidad había hecho su propia biografía, por así decirlo, del personaje. Y por eso querían que Wim compartiera eso.

Al principio Wim se resistió, diciendo que eso no era necesario, pero lograron convencerlo. Entonces, Wim Wenders me dio una nota sobre el pasado de Hirayama. Y con una escritura muy hermosa, hablaba de su pasado y especialmente de la relación entre Hirayama y komorebí de una manera muy específica. Y eso realmente se convirtió en mi motivación y, por supuesto, en una gran referencia cuando comencé a trabajar en la segunda mitad de la película.

FECHA LÍMITE: Mientras veía esta película, pensé en otro personaje que interpretaste, Mikami en Bajo el cielo abierto quien es ligeramente similar a Hirayama en el sentido de que ambos están en las afueras de la sociedad y ambos rechazan el amor y la ayuda de quienes los rodean. Es casi como si los personajes pudieran ser entre sí en un universo paralelo. ¿Qué es exactamente lo que te atrae a estos roles más tranquilos y solitarios?

YAKUSHO: Bueno, en realidad, Miwa Nishikawa, quien dirigió Bajo el cielo abiertosierra dias perfectos. Y de hecho dijo que estaba muy contenta de que Mikami, si no hubiera muerto y hubiera continuado viviendo y hubiera sido rehabilitado en la sociedad nuevamente y hubiera conseguido un trabajo, pensó que así sería ese personaje. Entonces tienes toda la razón en eso.

El área en la que filmamos se llama Oshiage, que es el centro de Tokio. Entonces el panorama era bastante similar. Pero con respecto a la existencia solitaria, no sé si Hirayama se cree solo o si se siente solo. Creo que es cierto que en lugar de interactuar con la gente, elige tener intercambios con komorebi o árboles porque eso le da más comodidad. Y estas son las cosas que, creo, le han dado la esperanza de vivir. Entonces, puedes mirarlo y pensar que es solitario, pero creo que hay personas a su alrededor que lo aman, aunque Hirayama puede no elegir tener una relación profunda con ellos. Entonces, no estoy seguro de si se siente realmente solo.

FECHA LÍMITE: Hay muchas referencias a komorebí uso en esta película para dar una idea de sus pensamientos internos o de algo que le sucede. ¿Esto ya existía en el guión o fue algo que agregaste?

YAKUSHO: Ya estaba escrito en el guión porque el título provisional era Komorebí o dias perfectos. Entonces, siempre había sido una presencia enorme.

FECHA LÍMITE: ¿Cómo terminaste relacionándote con el estilo de vida de Hirayama? ¿Hay cosas que incorporaste de tu propia vida? ¿O tal vez no te identificas con él en absoluto?

YAKUSHO: En realidad no tenemos nada en común, pero Hirayama es alguien que está muy contento con la forma en que vive su vida diaria. Y yo tenía mucha envidia de esa forma de vida tan sencilla. Tiene una profesión, un trabajo que le encanta y pone todo lo que tiene en ello. Y luego se relaja, va a los baños y luego toma un poco de sus bebidas favoritas, leyendo sus libros favoritos. Y luego, cuando se va a dormir, probablemente no tiene nada que sienta que no pudo hacer ese día. Por lo tanto, está absolutamente satisfecho. Y una vez satisfecho, puede irse a dormir tranquilamente, y eso me daba mucha envidia.

FECHA LÍMITE: ¿Cómo fue el trabajo de preparación para esta película? ¿Seguiste al equipo de Tokyo Toilet? También hay mucha quietud, paciencia y paz en los gestos de Hirayama, ¿cómo lograste aprovechar eso?

YAKUSHO: Hirayama tiene estos árboles a los que llama sus amigos. Naturalmente, lo imaginé con plántulas, [these little] hijos de sus amigos, los árboles, que cuidaría y cultivaría en su propia casa. Entonces, en realidad eso fue algo que hice como pasatiempo y es algo que sugerí. Pero no pensé que habría tantas plantas en la habitación de Hirayama, así que fue una sorpresa. [on set]aunque fue idea mía.

En cuanto a lo técnico [toilet] entrenamiento de limpieza, hice el trabajo de preparación por mi cuenta antes de que Wim me pidiera que lo hiciera. Fue complicado porque la limpieza depende del inodoro, que son todos diferentes, de qué herramientas usas o qué líquidos de limpieza usarías. Y no se trata sólo de lavarlo con agua, todo se hizo a mano. Hubo muchos pasos y fue bastante complicado de aprender.

FECHA LÍMITE: Debido a que esta película se centra en las sutilezas de la vida de Hirayama, ¿puedes hablar un poco sobre cómo mirar la película y cómo te impactó una escena en particular, que tal vez no pensaste que se traduciría bien en la pantalla cuando la filmaste, pero terminó siendo impactante de todos modos.

YAKUSHO: En el guión, no había ninguna descripción de Hirayama sonriendo o riendo en absoluto. Pero luego, cuando estábamos filmando, Wim decía: “Está bien, tal vez de repente puedas sonreír aquí o mostrar una sonrisa. O en esta escena, ¿puedes ser el más enojado de toda la película? Y entonces, mientras actuaba estas escenas, pensaba que: «Bueno, no estaba en el guión». Pero luego, por supuesto, vi la película y entendí cómo esos momentos sutiles de expresiones en las que él sonreía o estaba enojado eran algo que conectaba al personaje con la audiencia. Se volvió mucho más familiar para la audiencia. Eso fue interesante.

FECHA LÍMITE: Pensando en su trayectoria profesional de más de dos décadas y el tema de esta película de reflexionar sobre la propia vida, ¿cuáles son algunas de las cosas que piensa sobre su propio legado como actor en su viaje hasta ahora? ¿Qué te mantiene en marcha?

YAKUSHO: La motivación que sigue funcionando en mi caso es cuando veo otros trabajos increíbles creados por otros compañeros increíbles en esta industria. Y luego tuve la sensación de: «Oh, pero estoy en la misma profesión que estas personas maravillosas». Entonces eso me galvaniza. Me da mucho coraje para seguir adelante. Para mí, no se trata de mi trabajo, sino que me inspira más el increíble trabajo que los demás están creando.

FECHA LÍMITE: Ganó el premio al mejor actor en el Festival de Cine de Cannes por dias perfectos¿Cómo fue ser reconocido de esa manera?

YAKUSHO: El jurado tuvo un debate apasionado y finalmente me eligió como mejor actor. Me siento increíblemente afortunado. Y siento que ese premio nos fue otorgado a todos, incluidos Wim, el equipo y el elenco. Todavía siento que alguien vendrá de Cannes y dirá: “Eso fue un error. Por favor, devuélvemelo”.

FECHA LÍMITE: El final se puede interpretar de muchas maneras. Tienes esa canción de Nina Simone, «Feeling Good», mientras Hirayama estaba siendo confrontado por algo difícil de su pasado, su compañero de trabajo lo abandona, por lo que él debe tomar el relevo y simplemente se va con esta mirada de cualquiera de los dos. felicidad o tristeza, a veces ambas. ¿Cuál es tu interpretación del final?

YAKUSHO: Bueno, en realidad hicimos dos ángulos. Y la segunda configuración fue que me tomaran una foto frontal. Y la iluminación tomó tanto tiempo que estuve esperando mucho tiempo en el baño del apartamento de Hirayama. Entonces, cuando me llamaron, estaba muy cansada de tanto esperar. Pero en cualquier caso, tienes esa canción de Nina Simone, que tiene cierta energía. Y aunque debido a que la letra está en inglés, es posible que no me hablen directamente, yo, por supuesto, sabía lo que significaba. Y yo estaba interpretando esa escena reflexionando sobre Hirayama y también sobre mi propia vida. Pero básicamente, para mí, eso era que Hirayama fuera feliz. Ese fue el sentimiento que tuve cuando estaba interpretando esa escena.

Pero cuando estás conduciendo y escuchas una canción favorita, la música tiene un poder extraño que nos afecta. ¿No es así? Y de repente, todas estas emociones brotan dentro de ti. Entonces me acordé de eso también.

Mientras caía el anochecer en una cálida tarde de Tokio, el director Wim Wenders presentó al elenco y al equipo de “Perfect Days” en un escenario al aire libre, brindando a la ceremonia de apertura del 36º Festival Internacional de Cine de Tokio un momento de frescura europea.

Dentro del Teatro Takarazuka de Tokio, Wenders subió al escenario dos veces más.

“Soñé que con ‘Perfect Days’ haría una película que se proyectaría en el Festival de Cine de Cannes. Soñé que ganaría el premio a la mejor actuación. No me atrevía a soñar que sería la entrada de Japón al Oscar. Pero soñé que sería la película inaugural del festival de Tokio y que se proyectaría ante el público japonés”, dijo Wenders, cogiendo ritmo. «Y luego me desperté. Y sin embargo, aquí estás”.

Wenders, que debe estar sufriendo un grave caso de desfase horario, ya que recientemente ha sido homenajeado en el festival Lumiere en Francia, probablemente se mantendrá ocupado en la capital japonesa durante los próximos días.

Además de ser el director de la película de apertura, se le asigna la presidencia del jurado del concurso. Y está posicionado como la principal luminaria extranjera en el tributo del aniversario del festival al pasado maestro Ozu Yasujiro.

Wenders ha declarado frecuentemente que Ozu, que murió hace 60 años en 1963, es su inspiración y su “maestro”. Y el hecho de que Wenders haya presentado este año su mejor película de ficción en años, con “Perfect Days” ambientada en Japón, no podría haber llegado en mejor momento desde la perspectiva de los organizadores del TIFF.

En el resto del mundo, los líderes nacionales de Japón están dando vueltas a una serie de problemas políticos y económicos que incluyen la inflación (un shock después de unos 30 años de deflación), una moneda débil que está alimentando la inflación de los bienes importados, pero que también es una bendición para el la industria turística del país y un Primer Ministro que lucha por mantener intacta su coalición gobernante.

Las relaciones diplomáticas con China están mejorando (si hay que creer en la narrativa oficial), aunque el gobierno de Kishida Fumio también se ha aliado firmemente en el campo occidental en torno a Ucrania y otras cuestiones de seguridad. Dondequiera que se encuentre ese equilibrio, el festival de Tokio está repleto de películas de China continental y aprovechó su ceremonia de apertura para honrar al director chino Zhang Yimou con un premio a la trayectoria.

Esto es como un nuevo comienzo para mí”, dijo Zhang, que había estado en el festival de Tokio dos veces antes, una vez hace 36 años y otra vez 18 años después con su “Riding Alone for Thousands of Miles”.

Kishida también entregó lo que se está convirtiendo en su habitual mensaje anual en vídeo a la industria cinematográfica japonesa como parte de la ceremonia de apertura del festival. Mencionó a Ozu, Wenders y al actor principal de “Perfect Days”, Yakusho Koji, y hizo referencia al homenaje único del festival a los directores de cine italianos. Esto sigue a la firma a principios de este año de un acuerdo bilateral de coproducción con Italia.

Históricamente, los tratados formales de coproducción a menudo han reflejado tendencias en las relaciones diplomáticas o intergubernamentales, más que el estado de las relaciones audiovisuales, y han sido ignorados por los cineastas que trabajan en el mundo real. Pero una generación más joven de cineastas japoneses está aumentando su participación en la producción cinematográfica y la recaudación de fondos transfronteriza. Esa tendencia se refleja en el creciente peso que le está dando el evento de venta de derechos TIFFCOM del festival a su Tokyo Gap Financing Market, el componente de presentación y emparejamiento de proyectos, y la revivida participación de invitados extranjeros en el festival.

El presidente del festival, Ando Hiroyasu, dijo que estaba “muy feliz de poder recibir a casi 2.000 invitados del extranjero este año. El año pasado, debido a diversas restricciones, el número de invitados extranjeros fue sólo de unos 100”. También se disculpó por la lentitud del desfile por la alfombra roja. lo que molestó a algunos de sus invitados. «Tuvimos un desbordamiento que impidió que las cosas fluyeran tan bien como esperábamos».

La industria cinematográfica del país ha tenido un año decente. Hamaguchi Ryusuke confirma su posición como líder de una nueva generación de cineastas japoneses que seguirá a los ya establecidos Kore-eda Hirokazu, Kurosawa Kiyoshi y Kawase Naomi. La enigmática “Evil Does Not Exist” de Hamagichi está nominada a numerosos premios en todo el mundo y confirmó la promesa que cumplió con “Drive My Car” y “Wheel of Fortune and Fantasy”. Con “The Boy and the Heron”, el maestro de la animación Miyazaki Hayao estrenó lo que se anunció como su último largometraje, pero, según algunos informes locales, volvió directamente a trabajar. Unas semanas más tarde, su Studio Ghibli se puso sobre una base financiera más sólida, vendiendo una participación mayoritaria a Nippon Television.

En el lado negativo, Japón y el festival notaron la muerte del destacado compositor Sakamoto Ryuichi (el documental biográfico “Opus” se proyecta en el festival) y el ajuste de cuentas en curso #MeToo que, según se afirma, se ha cobrado algunos cueros cabelludos dolorosos.

Aún así, se espera que el festival de Tokio cierre con su mejor momento local, con “Godzilla Minus One”, la entrega número 36 de la franquicia “Gojira” de Toho, que llevará el festival a un final ruidoso y destructivo en una semana el miércoles.