Aquí está la metáfora de ‘No’ que se perdió: la necesidad de diversificar el cine de autor (columna)

El zumbido de la temporada de otoño cobra vida con celebraciones de la magia del cine, desde la autobiográfica «The Fabelmans» de Steven Spielberg hasta «Empire of Light», la oda romántica de Sam Mendes a los cines antiguos. Pero la declaración más mordaz sobre el estado de las películas ya está aquí.

Proviene de «Nope» de Jordan Peele, que confirma la capacidad del cineasta para generar suspenso y asombro desde algunos lugares realmente impredecibles, pero este enfrentamiento de ciencia ficción occidental también funciona como una meditación sobre la forma en que la historia del cine margina a las figuras clave y, lo que es más importante, evalúa cómo la industria continúa alienando a las voces clave. Y, intencionalmente o no, también es una ventana a la necesidad de diversificar las audiencias de arte y ensayo.

No entraré en spoilers de «Nope», pero es una presunción brillante de Peele imaginar a los jinetes de caballos de Hollywood que están en el centro de la película como nietos del jinete negro que se sentó a horcajadas sobre el caballo en uno de los primeros. imágenes en movimiento jamás capturadas en una película. Generaciones más tarde, la familia todavía se cierne en los confines de Hollywood como espectadores de la máquina más grande, sin saber cómo encajar.

Esa es una alegoría llamativa no solo para las personas de color en Hollywood, sino también para las audiencias desatendidas, y una buena excusa que podría pedir esta columna para explorar por qué los cines de autor necesitan evolucionar. Si bien Hollywood aumenta las preocupaciones sobre la diversidad desde hace mucho tiempo, los expositores independientes enfrentan un desafío mucho mayor. Sirven a audiencias volubles que se volvieron aún más volubles durante la pandemia, pero muchos de estos teatros persiguen la demografía equivocada. El cliché artístico es que los espectadores blancos mayores proporcionan su base, pero esa percepción tiene el costo de atraer a más audiencias que quieren verse a sí mismas en la pantalla.

Claro, el éxito de «Everything Everywhere All at Once» es un momento decisivo para el cine asiático-estadounidense, pero su popularidad se debe en gran parte a los tremendos recursos de A24 y a una estrategia de lanzamiento que se parece más a una película convencional que a un lanzamiento especializado. Si los cines de autor, y los distribuidores que confían en ellos, quieren audiencias más diversas, deben adoptar una programación que atraiga a esas audiencias por encima de todo. Y para hacer eso, necesitan trabajar juntos.

Ese es el principio fundamental de Art House Convergence, pero en los últimos años este consorcio de expositores se ha enfrentado a una situación desesperada por su propia creación, debido a todo tipo de políticas internas que no vale la pena volver a litigar aquí. Ahora, la organización tiene a Sundance como patrocinador fiscal y un comité de transición enfocado en crear una junta y expandir la membresía para abordar preocupaciones de diversidad anteriores.

Jessica Green, miembro del Grupo de Trabajo de Transición de Convergencia de Art House, me dijo que la nueva identidad de AHC estará ligada a un enfoque transformador del futuro de la propia casa de arte. “Había una idea de lo que era arte y ensayo, qué película independiente, que estaba bastante blanqueada”, dijo. “No funcionó demasiado para centrar la experiencia de los no blancos”.

Green, quien se desempeña como director artístico de Chromatic Black Collective, también administra el fondo Ida B. Wells, que invierte en cortometrajes de cineastas negros emergentes que el colectivo comercializará y distribuirá. Como ex directora del Houston Cinema Arts Festival y del Maysles Film Center en Harlem, pasó años trabajando para involucrar a las audiencias de color con el tipo de cine audaz y desafiante que mantiene viva la cultura cinematográfica local e inspira a las nuevas generaciones de cinéfilos con un gusto aventurero. .

“La demografía está cambiando”, dijo. “En este momento, es transformarse o morir. El espacio tiene que cambiar completamente para abordar esta demografía cambiante para que sea viable en el futuro”.

Green dijo que AHC desea agregar miembros de lugares y proyectos curatoriales de todo el país que no han estado tan bien representados en el pasado. “Realmente estamos tratando de expandir nuestra membresía para tener una base representativa de la cual esperamos que surjan algunos candidatos de liderazgo”, dijo.

Hizo hincapié en la necesidad de que los festivales de cine, las sociedades y otras organizaciones trabajen para “salir de los guetos artísticos geográficos” e “ir directamente a las comunidades”. Eso es fundamental, pero viene de la mano con servir a esas audiencias con una programación que los entusiasme de una manera que la escena de arte y ensayo no siempre ha logrado hacer.

Saul Williams, codirector del lanzamiento de arte afrofuturista de este verano “Neptune Frost”, me dijo que reconoció estas barreras durante sus días como un cinéfilo floreciente en Nueva York. “Tuve que pasar por mucho para encontrar películas de arte extranjeras que no estuvieran protagonizadas por Juliette Binoche o Isabelle Huppert”, dijo. “El público está dispuesto a ingerir más de lo que les da el sistema. Nuestro juego es cómo bailamos a través de un sistema que quiere pensar, ‘¿Para quién es esta película?’”

Su socia y codirectora, Anisia Uzeyman, se unió a él en la llamada e intervino. “Pero es como cualquier cosa cuando eres negro”, dijo, y señaló que varios distribuidores de arte y ensayo pasaron por alto “Neptune Frost”, incluso cuando hizo su debut. camino de Cannes a NYFF a Sundance, la rara película que lo hace. “La respuesta siempre fue, ‘No es comercial para nosotros, porque no es nuestro público’”, dijo. “Se olvidan de que el público también somos nosotros”.

Kino Lorber, exclusivo de IndieWire

La película finalmente recaudó $ 171,000 en lanzamiento limitado en los EE. UU. antes de llegar a VOD en enero, pero Williams y Uzeyman dijeron que se sintieron validados por la diversa recepción de la audiencia que experimentaron. Eso se debe en parte a que viajaron más allá de las burbujas de Nueva York y Los Ángeles para encontrarlo, y aseguraron un socio fundamental para hacerlo.

Si bien Kino Lorber distribuyó “Neptune Frost”, recibió la ayuda de DEDZA Films, una distribuidora boutique lanzada por una joven ejecutiva llamada Kate Gondwe enfocada en artistas marginados. (En su trabajo diario, trabaja en marketing en Neon). Cualquier distribuidor pequeño interesado en expandir su base de audiencia sería prudente que la llamara, porque Gondwe se enfoca en las tácticas de supervivencia que, como señaló Green, son esenciales para el supervivencia de la casa de arte.

Gondwe recibió una subvención de Sundance para apoyar los costos de marketing asociados con la película y se centró en hacer que los cineastas visitaran mercados pasados ​​por alto como Filadelfia y Baltimore que atienden al público negro. Ella me dijo que la audiencia del fin de semana de apertura de «Neptune Frost» en BAM fue más del 50 por ciento BIPOC como resultado de esfuerzos promocionales adicionales.

“Al final del día, se trata de si el público conoce estas películas”, dijo. “Mucho de eso es marketing y divulgación, pero también que los expositores interactúan con una audiencia diversa desde el principio”.

Gondwe vio en “Neptune Frost” un éxito en los términos precisos establecidos desde el principio. “Tienes que ver qué tipo de película es y con qué películas se compara”, dijo. “Sentimos que los mercados clave que identificamos funcionaron bien y eso también ayudó al lanzamiento de PVOD”. En el futuro, agregó, la diversidad geográfica seguiría siendo fundamental para su enfoque. «Es algo que a menudo se pasa por alto», dijo, «así es como se configura nuestra industria».

La responsabilidad también recae en los propios distribuidores. “Es por eso que las adquisiciones son tan importantes para estas películas”, dijo. “Muchas audiencias diversas no se ven a sí mismas”.

Daniel Kaluuya en “No”

Crédito de la foto: Imágenes universales

Lo que nos lleva de vuelta a «No». Es una explosión total, un viaje de acción satírico vertiginoso con mucho en mente. El final de la película (todavía sin spoilers, lo prometo) profundiza en el poder de la representación y, en particular, lo que significa capturar una imagen que nunca antes se había visto. Ese es el enigma de la casa de arte en pocas palabras.

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Esta columna está destinada a resaltar las oportunidades de sostenibilidad, pero estoy seguro de que se está haciendo más trabajo para diversificar la casa de arte que los ejemplos destacados anteriormente. Invito a los lectores a que se comuniquen con sus propias ideas: [email protected]

Mi columna anterior instando a los streamers a hacer más acuerdos de salida con distribuidores más pequeños provocó algunas respuestas fuertes. No hay sorpresa allí. Estos son algunos de los comentarios que recibí.

“¡Si tan solo las empresas estuvieran obligadas a hacer el bien público! Si tan solo sintieran que la calidad importa. Tal vez lo haga como una forma inicial de llamar la atención rápidamente, pero no es la fruta predecible que está al alcance de la mano que es la inversión más fácil. …Sospecho que pasaremos a la concesión de licencias a corto plazo a través de relaciones de suministro directo; esto podría ser para los mismos distribuidores que saben lanzar y comercializar títulos desafiantes, pero eso es lo que necesitan los streamers (el posicionamiento) y no las bibliotecas. Es un negocio de lo nuevo y el pasado es para aquellos que pueden exprimir el jugo de las sobras”.

—Ex ejecutivo de distribución (anónimo)

“Es más arriesgado hacer apuestas más grandes en MG y gastos de marketing sin garantía de una buena oferta de TV o SVOD. Como ejemplo, a pesar de que nuestra película ‘Corpus Christi’ fue nominada a un Oscar, Netflix, Hulu, Amazon, etc. todos aprobaron la película (y aprobaron nuevamente DESPUÉS de que fuera nominada)”.

—Michael E. Rosenberg, Movimiento cinematográfico

“No tengo acceso a ninguna información secreta aquí, pero hablé con ejecutivos en el pasado que me dijeron que habían analizado datos anteriores para muchos de estos tipos de películas: tiempo de reproducción, vistas y, lo que es más importante, ya sea que gane o mantenga subs, y fue casi cero. Aparentemente, esto también fue cierto para muchos clásicos que verías en Netflix (o Hulu) en el pasado. Escuché que las personas pondrían estos en su cola pero nunca los verían, y cuando se eliminaron de la disponibilidad, no vieron menos de las otras cosas ni abandonaron el servicio. Claro, es posible que una película de autor pasada no se corresponda con una nueva, pero mira con quién tienen tratos de salida hoy, y es la más «convencional» de las distribuidoras. Y me sorprendería si esas personas mantienen estos acuerdos mucho más en el futuro”.

—Brian Newman, consultor, subgénero

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