La Dolorosa del arte ahora hace sufrir a otros. Marina Abramović sólo quiere divertirse

Se alimentó de psicofármacos para experimentar cómo el cuerpo de un paciente catatónico se libera de la rigidez. Estaba tomando medicamentos para la esquizofrenia, cuyos efectos secundarios la dejaron inconsciente. Se dejó desnudar y violar por el público del arte. Y durante tres meses, seis días a la semana, estuvo sentada en silencio e inmóvil frente a más de mil personas, una a la vez, en el Museo de Arte Moderno de Nueva York.

Marina Abramović fue la Señora de los Dolores de las artes visuales. La artista de performance ha experimentado muchas formas de sufrimiento en su propio cuerpo. Fueron autoexperimentos brutales. Sus performances duraron horas, días, meses, como si quisiera preguntar en repetidos intentos: ¿Qué puede soportar un ser humano? Su propio cuerpo fue el foco de su arte, que trata sobre el tiempo y la repetición, el ritual, soportar y superar el dolor físico y la redención.

Se acabó el tiempo de las representaciones que implicaban un esfuerzo físico extremo al servicio del arte. Al menos eso dijo el artista en la inauguración de una gran retrospectiva en la Royal Academy of Art de Londres. Marina Abramović quiere divertirse ahora, quiere vivir ahora. Porque esta primavera se había escapado de la muerte por un pelo. “En uno de los años más dramáticos de mi vida” enfermó gravemente por primera vez. Sobrevivió a las consecuencias de una embolia pulmonar después de seis semanas en la unidad de cuidados intensivos, tres operaciones y nueve transfusiones de sangre.

Acaba de recuperarse, explica en Londres. Sin embargo, la artista, nacida en Belgrado en 1946, no aparenta tener más de cincuenta años en la inauguración de su retrospectiva, lo que no debería contar en nuestra época de supuesto post-edadismo, pero lo hace. Con cabello largo y negro, un vestido negro hasta el suelo y labios rojos brillantes, parece el epítome de una reina del drama.

madre golpeando

Su arte se nutre de la exageración y de llevar las cosas al extremo. Esto también tiene que ver con el patetismo. No es casualidad que cuchillos, serpientes, fuego y nubes aparezcan como objetos recurrentes de valor simbólico en su obra.

De hecho, su vida, que representó con Bob Wilson en la obra de 2012 “La vida y muerte de Marina Abramović”, estuvo llena de extremos. La madre, partidaria de la Segunda Guerra Mundial, quería educar a su hija para que fuera dura, con palizas y humillaciones. Describió el año que Marina tuvo que pasar en el hospital, a salvo de su madre, como el mejor de su vida.

La relación de dependencia con la madre se extendió hasta la edad adulta. Puede ser que sus proyectos artísticos fueran también actos de liberación durante mucho tiempo. Fue la mujer que buscó y quiso conquistar el dolor en el arte. Hoy parece la persona más independiente del mundo.

En la entrega de un premio a jóvenes artistas en Londres y en la inauguración de su gran retrospectiva en la Royal Academy unos días después, Abramović se mostró de buen humor y relajada. Responde con humor a todo tipo de preguntas, por ejemplo si le gustaría aparecer pronto en musicales debido a su nueva alegría de vivir. De hecho, la Ópera Nacional Inglesa pronto reanudará su proyecto de ópera de 2020 sobre su amada María Callas (“Las siete muertes de María Callas”).

Abramović fundó el Instituto Marina Abramović (MAI) en Nueva York para pasar el testigo de sus actuaciones a los artistas de la próxima generación: los artistas jóvenes deberían emular lo que ella hizo hace años. Porque “los tiempos son otros, el contexto ha cambiado”, explica su comisario Andrea Tarsi, que también es director de exposición de la Real Academia. El dolor y la magnificación de lo privado e íntimo en las actuaciones, cuyo centro desprotegido era el propio Abramović, ahora deben ser asumidos por otros en su nombre.

En su exposición también se pueden ver varios dobles de Abramović. Lo más espectacular es “La casa con vista al mar”, una actuación que se remonta a 2002: tres mujeres suben a plataformas en una pared de la Royal Academy, las 24 horas del día durante doce días. Miran al público y el público los mira a ellos. No hablan y sólo beben agua. En caso de emergencia, un médico, un psicólogo y un nutricionista pueden acudir rápidamente; el artista llama a estos médicos de urgencia «todo lo que nunca tuve cuando hice esto». Pero añade: “Son grandes actrices. Confío en ellos.»

En junio de 1977, Abramović estaba desnuda contra la pared de la entrada de la Galleria Comunale d’Arte Moderna de Bolonia con su pareja, el artista alemán Ulay. Esta actuación (“Imponderabilia”) de los “living door” también será recreada en Londres con nuevo personal; Pero ya nadie tiene que meterse entre esta pareja tan unida como lo hacían entonces los visitantes de Bolonia.

La muerte como experiencia final

Un arco de puerta hecho de luz y acero (“Portal”, 2022) invita a recorrer una de las últimas salas de la exposición. Es una obra nueva y, como puerta, también es uno de los símbolos del ir y venir que le encantan. También ve el cuerpo como un portal, como un medio que pasa de un estado a otro, hasta el final: “Cuando la muerte llama a mi puerta, quiero tener esta experiencia muy conscientemente, sin amargura, sin miedo ni ira. Es la última experiencia que podemos tener en la vida.»

De hecho, la interacción es un objeto de su trabajo. Pero sus métodos artísticos no sólo apuntan al exterior: al público. También tienen que ver con la transición hacia otros estados de conciencia de la propia artista. Mirar fijamente a los ojos a alguien, sentarse o permanecer quieto durante horas: con estados extremos que van más allá de lo «normal», crea situaciones casi hipnóticas que no experimentamos en la vida normal; esto también es un acceso a otras esferas. .

Fueron necesarios siete años para trabajar en la retrospectiva de Londres, que luego también se mostrará, de forma ligeramente diferente, en la Kunsthaus Zurich. El curso no sigue una cronología estricta, pero las obras clave se pueden ver en un orden cronológico flexible. Porque es su primera gran exposición en el Reino Unido y, increíblemente, la primera exposición dedicada a una mujer en la Royal Academy of Arts, fundada en 1768.

La revista teatral fue creada en colaboración con la propia artista y fue un proceso dinámico. Antes de la pandemia, el programa se centraba en el tema de la muerte. “Después de Covid, ya estábamos hartos y queríamos hacer algo diferente”, informa la curadora Andrea Tarsi. De ahí el enfoque de esta retrospectiva en la vida futura de las performances de Marina Abramović implementadas por jóvenes artistas de performance.

Esto es posible porque Marina Abramović se ha ocupado de la documentación cinematográfica y fotográfica de sus efímeras actuaciones desde el principio de su carrera. Abramović resolvió la cuestión de cómo se puede representar, comunicar y preservar su energía presentando su trabajo a actores jóvenes y utilizando medios técnicos simples pero con el máximo efecto dramático.

Fotografías ampliadas de gran tamaño de sus actuaciones, que parecen imágenes fijas de películas en la pantalla grande, y grabaciones de vídeo muy maximizadas también forman parte de este espectáculo, al igual que objetos que literalmente se pueden tocar o pisar: como “Shoes for Departure” (1991/2015), zapatillas de cristal de cuarzo en las que puedes subirte.

En la obra de Marina Abramović el arte y la vida han estado estrechamente vinculados, como también en su experiencia de enfermedad en primavera: dice que sus experiencias extremas como artista le salvaron la vida en el hospital. Pudo rechazar los opiáceos, a pesar del dolor casi insoportable, creyendo que así podría acelerar su proceso de curación.

Sin embargo, no compara sus actuaciones con un encuentro cercano con la muerte en la vida real: «Si decides hacer cosas difíciles delante de un público para quizás dar a otros cierta fuerza, entonces eso es tuyo». decisión.» Esto no se puede controlar en el hospital. Antes de su enfermedad estaba obsesionada con la muerte. Hoy prefiere concentrarse en la vida.

Royal Academy of Arts, Londres, hasta el 1 de enero de 2024; en la Kunsthaus Zurich de octubre de 2024 a febrero de 2025.