Las mejores películas de 2024 (hasta ahora)

En los primeros tres meses del año, todas las miradas suelen estar puestas en las películas anteriores: las contendientes que dominaron el otoño, compitiendo por los Premios de la Academia. Pero si bien los estudios suelen reservar sus películas más ostentosas y prestigiosas para la carrera de caballos, hay sonDe hecho, hay muchas películas que merecen su tiempo y atención y que nos han adornado a finales del invierno y la primavera. Algunos podrían ser éxitos de taquilla de escala épica (Duna: Segunda parte), pero la mayoría de las mejores películas de este año hasta el momento son películas más pequeñas, estrenadas sin el presupuesto de marketing de un estudio importante. Una es una película violenta de aventuras y capa y espada, y otra es una brillante comedia tan desoladora como divertida. Dos marcan el debut de nuevas voces imponentes en el cine; otro es un adiós agridulce a un gran compositor y músico. Todos te recompensarán por buscarlos. Aquí, lo mejor de las muchas docenas de películas que hemos visto este año hasta ahora.

Foto de : Neón

La película de Alice Rohrwacher sigue a Arthur Harrison (Josh O’Connor), un hombre extraño con un extraño don para robar tumbas, encontrar y levantar las chucherías antiguas que los antiguos etruscos del centro de Italia solían enterrar con sus muertos. Ex arqueólogo, parece atormentado por sus propias hazañas, y la lógica onírica de esta película ocasionalmente divagante, a menudo hermosa, sugiere que estamos viendo a un hombre a medio camino entre este mundo y el siguiente, luchando por encontrar su lugar. Rohrwacher, uno de los cineastas más destacados de Italia, hace películas terrenales con un toque de lo que podríamos llamar realismo mágico. Las actuaciones son naturalistas, la localización del rodaje es auténtica y sencilla, pero las historias a menudo rondan el borde de la fantasía. El director llena la película con baladas populares, arte naif, apartes divertidos para la cámara y ráfagas de payasadas aceleradas, dándole toda la calidad de una opereta destartalada. Pero el comportamiento cóncavo y melancólico de O’Connor socava la ligereza de la película, probablemente intencionadamente: cuanto más avanza la película y más fantasiosa se vuelve, más parece Arthur incapaz de reconciliarse con el mundo que lo rodea. Es una encarnación triste y ambulante de la idea de que aquellos que pasan su tiempo preocupándose por la próxima vida nunca sentirán paz en ésta. —Sentina Ebiri

➽Lea la versión completa de Bilge Ebiri. repaso de La Quimera.

Foto de : MUBI

Cáustica y brillante, lo último de Radu Jude es una comedia sobre el terrible absurdo de la vida bajo el capitalismo tardío que incluye entre sus amplios referentes el haiku clásico, Goethe, el schlockmeister alemán Uwe Boll y una serie de discos profanos de TikToks de su protagonista. , una asistente personal con exceso de trabajo llamada Ángela (Ilinca Manolache). No esperes demasiado del fin del mundo consiste principalmente en los encuentros de Angela mientras conduce audicionando posibles sujetos para un video de seguridad de los empleados de la empresa, una producción que culpa a los trabajadores que se vuelve aún más absurdamente sombría por el hecho de que Angela ha estado trabajando tantas horas que corre el peligro de quedarse dormida en el camino. . Pero entretejidos, brillantemente, hay fragmentos de una película de la era comunista sobre una taxista, también llamada Angela (Dorina Lazar), cuyos dramas de sanciones estatales bajo el régimen de Ceaușescu proporcionan un contrapunto a la vida actual de Angela en la economía informal, hasta que Los dos personajes convergen para el acto final, que implica el rodaje de la producción corporativa, y es una de las secuencias más divertidas que verás este año. —Alison Willmore

➽Lea el artículo completo de Alison Willmore. repaso de No esperes demasiado del fin del mundo.

Foto: Janus Films

Unos meses antes de morir en marzo de 2023, Ryuichi Sakamoto grabó lo que él mismo sospechaba que podría ser su último concierto en solitario. Se creó en unos pocos días a partir de segmentos pregrabados que luego se ensamblaron y transmitieron en todo el mundo. Ahora existe una versión ampliada de ese concierto como largometraje, dirigida por el hijo del difunto músico, Neo Sora. Y es una obra conmovedora, sobria y autorreflexiva. Sakamoto era un intérprete inteligente y reflexivo, siempre atento a su público y entablando una divertida conversación con ellos. Ahora, mientras comulga con su música, sentimos que podríamos estar invadiendo un réquiem privado. No parece particularmente frágil durante esta actuación. La fragilidad radica en la música, en la vulnerabilidad con la que la interpreta y en la austera presentación cinematográfica. La brillante fotografía en blanco y negro y los elegantes movimientos de la cámara realzan la intimidad de la actuación. —SER

➽ Lea la versión completa de Bilge Ebiri. repaso de Ryuichi Sakamoto: Opus.

Foto: Niko Tavernise/Warner Bros.

si el primero Duna Fue la película de Timothée Chalamet, la segunda es de Zendaya, y es mejor y más accesible emocionalmente para ella. La adaptación de Frank Herbert de Denis Villeneuve sigue siendo una epopeya espectacular y genuinamente alienígena sobre figuras de mesías genéticamente modificadas, brujas espaciales, enormes gusanos de arena y planetas góticos fascistas con inflexión BDSM. Pero es el personaje de Zendaya, la guerrera Fremen Chani, quien proporciona el corazón de la película, como una rebelde de corazón feroz que es conquistada por Paul de Chalamet a pesar de saber más y a pesar de ser consciente de que está diciendo todas las cosas correctas para ganarse a su comunidad a su lado. para lo que pueden ser sus propios propósitos. Duna: Segunda parte tiene un alcance increíble, pero también logra tener un drama humano reconocible, y eso proviene enteramente de la perspectiva de Chani como representante de un pueblo cuyos propios deseos están para siempre subsumidos por las maquinaciones de poderes mucho mayores. —AW

➽ Lea el artículo completo de Alison Willmore. repaso de Duna: Segunda parte; Matt Zoller Seitz Mirada detrás de escena con el director de fotografía Greig Fraser; y Roxana Hadadi análisis del final.

Foto: Sony Pictures

El debut de Noora Niasari se basa en sus propias experiencias infantiles, lo cual es evidente por la tangibilidad de sus detalles, pero también por la conmovedora sensación de que es una película sobre revisitar recuerdos jóvenes turbulentos con la distancia y el conocimiento de un adulto. Santa ArañaZar Amir Ebrahimi, de Zar Amir Ebrahimi, ofrece una actuación asombrosa como el personaje principal, un inmigrante iraní en Australia que huyó de un matrimonio abusivo y trajo consigo a su pequeña hija, Mona (Selina Zahednia), que está aterrorizada de que se la arrebaten. Shayda expone hábilmente la dinámica del refugio para mujeres y del enclave iraní local, presentando su historia de fuga como una especie de thriller íntimo en el que Shayda debe intentar crear una sensación de normalidad y seguridad para su hijo sin poder nunca hacerlo. bajó la guardia. —AW

Foto de : Magnolia Pictures

Mads Mikkelsen es un actor fenomenalmente hábil, pero también es claramente el tipo de actor que entiende el valor de una mirada buena, fría y dura. Esto lo convierte en el candidato ideal para el papel del capitán Ludvig Kahlen, un estoico y empobrecido veterano de guerra danés que, a mediados del siglo XVIII, parte para tratar de domar Jutlandia Heath, una zona enorme e imponente donde ningún cultivo puede crecer y donde reina la anarquía. El título danés de la película, bastardo, se traduce como «el bastardo» y podría ser una descripción tanto literal como espiritual de Kahlen. Nació de un sirviente soltero y es un capataz duro y, a veces, despiadado. A medida que aprende que tiene que aprender a depender de los demás para sobrevivir, Kahlen también se encuentra en desacuerdo con un terrateniente local, un aristócrata acicalado y sádico llamado Frederik de Schinkel. Y entonces, La tierra prometida se transforma de una historia majestuosa y lírica de supervivencia rural a algo más primitivo e intenso; Piensa en Terrence Malick. Dias del cielo cruzado con el de Michael Caton-Jones Rob Roy, solo que con más escenas de personas hervidas vivas. —SER

➽ Lea la versión completa de Bilge Ebiri. repaso de La tierra prometida.

Foto de : Grasshopper Film

Este documental tremendamente agridulce de BacurauKleber Mendonça Filho de Kleber Mendonça Filho es en parte memorias, en parte historia de la ciudad natal del director, Recife, y en parte meditación sobre la naturaleza de la fotografía que sobrevive a los sujetos que ha capturado. Pero más que nada, es un homenaje a una vida moldeada por el cine que logra evitar el empalagoso sentimentalismo de tantas otras películas sobre películas. Filho comienza su película en el departamento de su infancia donde filmó gran parte de su trabajo, y luego la guía hacia el otrora grandioso centro de la ciudad, repleto de palacios cinematográficos que en su mayoría han sido reutilizados para otros negocios. Al hacerlo, reflexiona con gracia sobre las glorias desvanecidas de su medio favorito. —AW

➽ Lea el artículo completo de Alison Willmore. repaso de Imágenes de fantasmas.

Foto de : Kino Lorber

El primer largometraje de Phạm Thiên Ân puede resultar elíptico hasta el extremo en la forma en que elige desarrollar la historia de un joven a la deriva llamado Thiện (Lê Phong Vũ) que, tras la muerte de su cuñada, hereda la custodia de su sobrino. y se embarca en un viaje para encontrar a su hermano, el padre del niño. Pero el virtuosismo de su realización cinematográfica es notable, y algunas de las tomas que Ân compuso (con la ayuda de su director de fotografía, Đinh Duy Hưng) han permanecido conmigo como persistentes imágenes residuales. En particular, está la secuencia que inicia la película, en la que la cámara se desvía de un partido de fútbol nocturno en Saigón, pasa junto a vendedores ambulantes y espectadores y llega a un bullicioso café al aire libre donde tres hombres hablan sobre la fe mientras beben cervezas hasta que son interrumpidos. por una colisión fuera de la pantalla. Es impresionante por su complejidad y absolutamente inquietante en su ejecución, como si contuviera el mundo entero antes de centrarse en una figura en particular. —AW

Foto: © Archivo Manuel Álvarez Bravo, SC

Ha habido muchas películas sobre Frida Kahlo a lo largo de los años, pero ninguna nos ha dado tal sensación de la artista como una persona real que vive y respira como el nuevo e innovador documental de Carla Gutiérrez. Gutiérrez, un editor galardonado, ha construido la película enteramente a partir de material de archivo, utilizando las propias palabras e imágenes de Kahlo para presentar su vida vista a través de sus propios ojos. Así, escuchamos las dolorosamente confesionales palabras de Frida (dichas por Fernanda Echevarría del Rivero) mientras narra su infancia, creciendo con una madre profundamente religiosa y un padre ateo; sus vivaces años de adolescencia como joven estudiante de medicina, adorada por muchos; su largo y turbulento matrimonio con el lascivo y revolucionario muralista Diego Rivera, quien la eclipsó en su época; así como sus propias aventuras apasionadas tanto con hombres como con mujeres. El director también tomó los dibujos y pinturas de Kahlo, incluidos algunos de los más inmortales, y los animó de modo que las imágenes ahora cambian ante nuestros ojos para reflejar sus transformaciones emocionales, con imágenes a menudo mutando unas en otras. Es un camino inspirado hacia el trabajo de una artista que a menudo pintaba su propio rostro con arreglos visualmente impactantes. Cuando termina la película, sentimos, quizás por primera vez, que hemos llegado a conocer esta figura legendaria, casi mítica. —SER

➽Leer Bilge Ebiri revisión completa de Frida.