Mecerse y asentir con la cabeza por la sala de exposiciones: el hip-hop se está volviendo digno de un museo

¿Cómo se traduce una cultura de la calle, el sonido y los gestos sociales para su representación en un museo? El hip-hop hoy está en todas partes: en las listas de streaming, en las tiendas de moda, en el lenguaje utilizado no sólo por los jóvenes que dicen “bro”, “homie” y “chill!” decir. Pero no se esperaría que esta forma de arte estadounidense estuviera en una casa de arte.

Lo intentaron en Baltimore. El Museo de Arte comisarió la muestra “La Cultura” en 2023. Se expusieron alrededor de un centenar de objetos de todas las disciplinas: portadas de discos, trajes de moda, fotografías, collages, pintura clásica, objetos. «La cultura», el Cultura, es un título con mucho cuerpo. Se refiere a la comprensión afroamericana del hip-hop como la estética principal que define el estilo de su propia comunidad.

El hecho de que la Schirn Kunsthalle Frankfurt también haya asumido el título con su cartera de exposiciones de Baltimore hace que la pregunta inicial sea aún más evidente: el contexto estético-histórico de este museo alemán está tan alejado de los ritmos fuertes y los interludios de breakdance como lo está Frankfurt de Brooklyn.

Zapatillas y sombreros

Entonces, ¿cómo encaja en un museo alemán una mezcla de arte posmoderno que es genuinamente afroamericano y representa un mundo cultural? La respuesta es: muy bien y nada. Muy bien, porque las exposiciones temáticas tienen exactamente esta tarea: representar una tendencia, una idea, una formación cultural más allá de las ideas de representación establecidas.

Había llegado el momento de que el hip-hop, este conjunto expresivo de música (rap), bellas artes o diseño (graffiti) y danza (breakdance), se dividiera en toda su plenitud en una burguesía cultural de Europa occidental.

En consecuencia, se pueden ver pinturas al óleo con mujeres con chaquetas bomber que miran con orgullo al espectador (“Open/Closed” de Monica Ikegwu), cuadros pintados con DJ y raperos (“DJ Screw in Heaven” de El Franco Lee II). Hay collages con la glorificación del lujo y las marcas tan propias de la cultura hip-hop (“Status Symbols #20” de Rashaad Newsome). También hay portadas de discos y maniquíes con atuendos hip-hop, compuestos por chándales, zapatillas y gorras.

Monica Ikegwu: «Abierto/Cerrado», arriba a izquierda y derecha; Roberto Lugo: “Street Shrine 1: A Notorious Story (Biggie)”, arriba al centro; Hank Willis Thomas: “Poder negro”, a continuación.

Podrás caminar por este desfile de manifestaciones del género hip-hop y sorprenderte de hasta qué punto se extiende su influencia en la vida cotidiana moderna. Por ejemplo, el hecho de que hoy en día casi todo el mundo use zapatillas se debe a esta innovación artística. Hasta los años 80, las zapatillas de deporte eran simplemente equipamiento deportivo. Luego, el grupo de rap Run-DMC dio un concierto en Japón y tocó la canción “I love my Adidas”. Miles de jóvenes se quitaron las zapatillas y las levantaron en el aire con entusiasmo.

Un empleado de Adidas se encontraba allí y filmó la escena. En Herzogenaurach, la sede de la empresa, se entendió inmediatamente que aquí no sólo estaba surgiendo una tendencia, sino que también se había abierto un mercado y se tomaron las medidas adecuadas.

El arte del hip-hop no encaja en absoluto en un museo porque las casas de arte son lugares de estancamiento. Incluso cuando se proyectan películas o espectáculos, las exposiciones apuestan principalmente por la representación lineal y bidimensional. Más directamente: Hip-Hop es movimiento, expresión y sonido. Un museo está hecho de paredes y hay que estar tranquilo.

Es por eso que el momento más convincente del programa “The Culture” fue el evento de apertura. Después de algunos discursos muy largos y bien intencionados, que excedieron con creces el volumen de texto de cualquier álbum de rap, el público rugió por los pasillos. Luego tocó un DJ. La gente caminaba meciéndose y asintiendo con la cabeza, percibiendo el arte más como un telón de fondo que como artefactos para admirar. Los elementos centrales del hip-hop (música y fisicalidad, moda y gestos) se mezclaron con la práctica recepción estática de un estilo clásico.

Hip hop por todas partes

“La Cultura” es una exposición tan manejable como lo es el fenómeno hip-hop en expansión. Es difícil escapar del hip-hop hoy en día, su estética impregna la vida moderna hasta los nichos más remotos. Publicidad, diseño, moda, cultura lingüística, gestos e incluso expresiones faciales: el hip-hop está en juego allí donde la vida urbana se vuelve estéticamente densa.

Estaba claro que los mercados abrirían este ámbito artístico. Las zapatillas diseñadas por Kanye West para Adidas no son sólo fetiches de la cultura juvenil, sino una inversión de capital. Productores estrella como Pharrell Williams son nombrados jefes de diseño de marcas de moda famosas, y las listas de streaming en todo el mundo están encabezadas por músicos de hip-hop.

Vista de esta manera, la exposición de Frankfurt desde Baltimore es también un intento de liberar el género de su distorsión capitalista. Esto es complicado porque el hip-hop favorece la dinámica de la lógica del intercambio, pero al mismo tiempo la burla. Los ahora de moda “Grillz”, tirantes de oro, plata y platino con los que los raperos convierten sus bocas en un escaparate de riqueza, son al mismo tiempo emblemas de agresión y resistencia. El artista Hank Willis Thomas le ha dado a este grillz el lema “Black Power”. La idolatría de la riqueza y la contracultura están literalmente inscritas en el cuerpo.

Zéh Palito: “Todo fue un sueño”, arriba a la izquierda; Portada de Jean-Michel Basquiat para el álbum «Beat Bop» de Rammellzee y K-Rob, arriba a la derecha; Derrick Adams: “Heredero del trono”, abajo a la izquierda; Tschabalala Self: “La habitación de Seta”, abajo a la derecha.

Un artista cuyo trabajo reúne las principales líneas de desarrollo del género (su fuerza innovadora, su susceptibilidad a la explotación y la masificación) es Jay-Z. Aparece dos veces en la exposición. Una vez como un token no fungible, una imagen creada digitalmente que muestra al rapero en una refracción cubista como un renacido del gángster de la década de 1920 (“Heredero del trono” de Derrick Adams). Y luego indirectamente, como banda sonora de un vídeo de Arthur Jafa.

Este es el trabajo más impresionante de la exposición. La canción de Jay-Z «4:44», la pieza con la que la estrella se disculpó con su esposa Beyoncé por una aventura y así enterró públicamente su imagen del héroe masculino, forma la banda sonora de un espectáculo de danza. Un hombre y una mujer se rodean en una coreografía que puede leerse como un escenario de dolor, división y acercamiento. El hip-hop, deja claro este trabajo, es parte del ADN social y emocional de la gente moderna: cómo se conocen, se aman, se ofenden y se reconcilian.