Norman Jewison hizo películas que importaban.
“El tiempo lo es todo”, me dijo el director la única vez que nos conocimos. Me habían reclutado para presentar una larga sesión de preguntas y respuestas con Jewison en la Cinemateca Estadounidense, y me sentí más que un poco intimidado.
Desde “The Russians Are Coming, the Russians Are Coming” en 1966 hasta “Other People’s Money” en 1991, Jewison tuvo un sorprendente cuarto de siglo detrás de la cámara, dirigiendo películas que impactaron la cultura cuando se estrenaron (ninguna más que “ In the Heat of the Night”), muchas de las cuales todavía se siguen viendo en la actualidad.
A Jewison le gustaba contar la historia de cómo conoció a Bobby Kennedy antes de hacer la emblemática película de Sidney Poitier (Jewison era de la vieja escuela y siempre se refería a los proyectos como “imágenes”). Él y Kennedy se cruzaron durante unas vacaciones de esquí, donde sus hijos terminaron en el hospital.
Aún desarrollando «In the Heat of the Night» en ese momento, Jewison se encontró explicándole la trama a RFK: un detective negro de la gran ciudad va a Mississippi para investigar un asesinato, chocando con las actitudes racistas en todas partes de la ciudad, incluso entre los policías locales. (Rod Steiger ganó un Oscar por su papel; Poitier ni siquiera fue nominado).
Kennedy escuchó el discurso del director y luego pronunció la frase que Jewison me repitió todos esos años después: «El tiempo lo es todo». Era 1967. La lucha por los derechos civiles estaba en pleno apogeo. Y tanto Kennedy como Jewison creían que la imagen podría marcar la diferencia.
Muchas de las películas de Jewison lo hicieron. El director comenzó en la televisión, dirigiendo películas para televisión y especiales (en particular, el programa “The Judy Garland” de 1962), antes de que Tony Curtis le diera un respiro que lo llevó a un contrato en Universal. Jewison tuvo la suerte de trabajar con Steve McQueen en “The Cincinatti Kid” (asumió el cargo después de que Sam Peckinpah fuera despedido del proyecto) y pasó a dirigir algunas de las estrellas más importantes en el apogeo de su fama: Burt Reynolds (“Best Friends ”), Jane Fonda (“Agnes of God”), Sylvester Stallone (“FIST”).
El momento jugó más a su favor cuando Jewison apostó por actores sobre los que la industria se mostraba escéptica. Básicamente, descubrió a Alan Arkin en «The Russians Are Coming», convenció a Cher para que interpretara a una viuda italiana en «Moonstruck» e insistió en que Denzel Washington actuara en «A Soldier’s Story» (que sigue siendo una poderosa declaración en la representación afroamericana una década y media después). «En el calor de la noche»).
Jewison tenía un notable instinto para el casting, pero también apreciaba la textura de una comunidad, adoptando los detalles étnicos que hacían que sus personajes fueran tan específicos. Jewison insistió en rodar en exteriores tanto como fuera posible (filmando “Jesucristo Superstar” en Israel y “Fiddler on the Roof” en Europa del Este, lo más cerca que pudo de Rusia).
Jewison no era judío, aunque lo entendió mucho debido al nombre. A decir verdad, era un niño protestante de Toronto y demostró una especie de civismo concienzudo a lo largo de su carrera que es más consistente con nuestros vecinos del norte. Jewison era de voz suave en vida, pero siempre activista en su trabajo.
Incluso la menos temática de sus películas, el especial de 1975 “Rollerball”, hace una declaración política. Al verlo ahora, se ve a Jewison anticipando una cultura dirigida por corporaciones, donde los deportes sangrientos televisados sirven para distraer a las masas. Ambientada en 2018, se encuentra entre las películas de ciencia ficción más proféticas de su época.
Aún así, Jewison prefirió hacer películas firmemente basadas en el presente, golpeando el sistema, desde su retrato de Hoffa, ligeramente ficticio, «FIST», hasta la imagen de Al Pacino echando espuma por la boca y gritando «¡Estás fuera de servicio!». en “…Y Justicia para Todos”.
Al igual que sus colegas cronistas sociales Sidney Lumet y Stanley Kramer, Jewison trabajó en todos los géneros, minimizando su huella personal en el material (excepto en el caso de estilo vanguardista de “El caso Thomas Crown”) en favor de los personajes y sus preocupaciones.
A pesar de su amplitud, su filmografía se resume mejor en una bofetada y un beso: el momento histórico en el que el personaje de Poitier devuelve el golpe en “In the Heat of the Night” y la escena en la que Nicolas Cage, manco, voltea la mesa de la cocina y abraza a Cher en “Moonstruck”.
Esas dos películas aterrizaron precisamente en el momento adecuado, y lo harán para siempre.