Cómo Ti West trajo el terror de vuelta al tecnicolor

“X” y “Pearl”, las dos primeras entradas en una trilogía de terror sorpresa que concluye con el recientemente anunciado “MaXXXine”, no podrían verse más diferentes entre sí. “X” está inspirada en el cine gonzo y rudo de la década de 1970. Parece que «Pearl» podría haber sido filmada por la unidad Freed, imitando el proceso Technicolor de tres tiras que está indisolublemente ligado a la antigua grandeza de Hollywood. Ambas películas, sin embargo, están unidas por el amor del director Ti West por el cine y la atracción que las películas ejercen sobre las personas para bien o para mal.

“Pearl” es una precuela ambientada en 1919, protagonizada por Mia Goth en uno de los dos papeles que originó en “X”, pero la forma de la película cambia para adaptarse a la historia de origen de su personaje titular. Es uno que está mucho más ligado a los viejos estilos de filmación, donde la composición, el encuadre y la iluminación pueden decirnos todo acerca de cómo Pearl se encuentra atrapada en la granja de sus padres sin que la cámara tenga que moverse ni un centímetro. Pero cuando se mueve, el público seguro que lo siente.

West se une al podcast de Filmmaker Toolkit para analizar las elecciones formales y estilísticas deliberadas que usó para hacer de «Pearl» una inmersión tan convincente en la subjetividad embrujada de su heroína, el tipo diferente de recompensa emocional requerida en esta historia de terror psicológico y muchas muestras de pintura roja. .

Escuche el episodio completo a continuación, o siga leyendo para ver extractos de nuestra entrevista.

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Transcripción parcial a continuación:

West sobre la vieja estética de Hollywood de la película

Estaba pensando en, bueno, ¿qué cine, cuando me imagino la historia de Pearl, me imagino? Y solo pensé en esa especie de Edad de Oro de Hollywood y el tipo de ostentación y glamour tradicionales del mundo del espectáculo y la forma en que se hacían las películas formales. Esa estética me atrae, además de ser solo una historia, pero eso fue lo que lo inició.

Creo que el contraste fue una gran parte de [the appeal]. Creo que para mí, sabiendo que esta historia iba a ser una historia psicológica, pero también iba a ser bastante demente a veces y, teniendo este tipo de imágenes saludables o estas imágenes infantiles y estas imágenes prístinas similares a las de Disney, se sentía como una forma de tomar algo que podría tener un sentimiento muy retro y hacer que se sienta moderno nuevamente, porque se sentiría fresco porque ciertamente muy rara vez he visto algo donde una estética como esta se aplique a una historia como esta. Y eso parecía inspirador. Y eso parecía una buena razón para levantarse por la mañana y estar emocionado de hacerlo. Eso solo agregó otra capa a la película.

De lo contrario, pensamos en hacerlo en esta especie de expresionismo alemán en blanco y negro. El motivo principal de eso fue que hubiera sido más barato porque no hubiéramos tenido que pintar nada de ningún color: gris. Ya estaríamos a mitad de camino. No habríamos tenido que arreglar todo tanto. Era rentable hacerlo de esa manera. Y en ese momento estaba buscando algo que hiciera que la película fuera rentable porque hacía que la idea de hacerla fuera aún más atractiva porque era como si la película estuviera realmente en oferta, por lo que sería una tontería no hacerlo. . Pero crédito a A24 que les gustó bastante la película tal como era.

Christopher Moss/A24

West sobre cómo lograr el aspecto tecnicolor de la película

El proceso de color de tres tiras es algo muy singular. Realmente no puedes recrearlo sin usarlo, y no lo estábamos usando. Así que solo puedes acercarte tanto. No hay mucho que puedas hacer en la corrección de color. Como si pudieras aumentar la saturación y hacer cosas así. Y ayuda, pero nunca te llevará allí. Lo que te llevará allí es como lo que está frente a la cámara. Entonces hicimos un gran esfuerzo con el vestuario y el diseño de producción y todo para ser realmente conscientes de la paleta y ser conscientes de cómo se combinaron todos los colores y en la relación de contraste de la iluminación y cómo lo estábamos haciendo. Solo teníamos que ser muy cuidadosos en que lo que estábamos fotografiando se viera como [Technicolor], no importa qué. Luego puedes embellecerlo en el color correcto. Pero eso es básicamente lo que hicimos. Quiero decir, construimos una corrección de color, una especie de cosa de tres tiras que imitaba la separación, pero no hace mucho. Quiero decir, si mirabas los diarios y mirabas la versión final, la versión final es más vibrante, pero no es mucho más vibrante.

Fue algo tan único estar haciendo incluso en 1918. Eso es un extraño [time period] para hacer una película. Así que cada accesorio se sentía un poco extraño. Y salir de «X», como tres semanas antes, y estar muy arraigado en la década de 1970. Fue una verdadera cosa del tipo de sueño lúcido cambiar de marcha de esa manera. Pero creo que una vez que realmente te comprometes con la era, quiero decir, la era llega muy lejos. Ya sabes, no era como si estuvieran frente a las computadoras. [and the film looked] como eso. Una vez que pones a la gente en disfraces y peinados y cosas así, comienza a convertirse en ese mundo. Pero sí, es un proceso muy tedioso y esotérico de cosas en las que piensas: «Ah, eso no está del todo bien». ¿Sabes? Y entonces siempre estás tratando de conseguirlo solo un poco [more perfect] – como, ¿ese rojo es suficiente rojo?

Incluso como en el granero, por ejemplo, si miró nuestra oficina y vio todas las muestras de pintura en la pared del granero, probablemente eran como 10 de la misma muestra roja, pero como si estuviéramos sentados frente a ella. , como reflexionar, como, «Hmm. No sé.» Era como esa escena en “American Psycho” con la tarjeta de presentación. Sabes, [we] estaban obsesionados con estas cosas muy idiosincrásicas, pero marcó la diferencia porque realmente tenías que hacerlo bien para que se sintiera de cierta manera. Ciertamente, teníamos muchas imágenes fijas de películas en la pared de la oficina, de modo que cuando la gente entraba a la oficina, e hicimos lo mismo con “X”, podías mirar una gran pared de imágenes y algo así como entiende el mundo en el que estabas. Y eso podría haber sido todo, desde «El mago de Oz» hasta «Los zapatos rojos».

«Perla»

Christopher Moss/A24

West sobre cómo la película cuenta la historia de Pearl

“X” tenía un enfoque más vanguardista en la forma en que se armó, y la dirección de la cámara era más moderna y más efectiva en el sentido de que intentaba contarte la historia con la cámara en movimiento y la cámara mostrándote. ciertas cosas. Y “Pearl” era más como, dentro del bloque, te contamos todo. Entonces, dentro del bloqueo de dónde está la cámara y cómo se mueven los actores en el espacio, agregaremos a la historia, versus en «X» es muy parecido a, verás, Jenna Ortega corriendo por las escaleras. No conoces la habitación. Enciende la luz, la cámara se dirige a la bombilla y luego revela algo más. Esa es solo una forma diferente de usar la cámara para contar la historia. En este sentido más tradicional, es más como si la cámara estuviera sentada en un lugar, pero la madre de Pearl está cortando leña y poniendo leña en el [block] y está bloqueando a Pearl, y luego, cuando lo golpea con el acento, [the chop] revela Perla.

Hacer cosas más formales como esa fue simplemente divertido. Quiero decir, como alguien a quien le gusta hacer películas teóricamente, es atractivo poder hacer eso porque no necesariamente funcionaría en todas las películas, pero se presta a este tipo de narración. [The movie] estaba muy preparado para contar la historia dentro del marco y cómo los personajes se mueven y se colocan allí. Entonces, ya sabes, es relativamente básico la forma en que se fotografía. Están sentados en una mesa y la forma en que se sientan en la mesa te dice quién es quién en esa historia y tal vez fuera de la ventana hay un fondo tipo árbol falso y la paleta de colores te da una idea de la atmósfera de lo que está pasando en esta casa, y la música está marcando el tono para ti de la melancolía de lo que se siente estar en esta casa. En cualquier película, pero particularmente en esta película, siempre intentas, dentro del marco, contar la mayor parte de la historia que puedas.

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