Los paneles incluyeron a artistas que trabajaron en «Thirteen Lives», «Black Panther: Wakanda Forever», «Louis Armstrong’s Black & Blues», «Causeway», «Glass Onion: A Knives Out Mystery» y «Bardo, False Chronicle of a Handful de las Verdades».
Consider This FYC Brunch de IndieWire regresó el viernes, celebrando seis de las películas de las que escuchará durante la temporada de premios 2022-2023. Talentos por encima y por debajo de la línea de «Thirteen Lives», «Black Panther: Wakanda Forever», «Louis Armstrong’s Black & Blues», «Causeway», «Glass Onion: A Knives Out Mystery» y «Bardo, False Chronicle of a Puñado de verdades” todos participaron en paneles moderados por editores de IndieWire para discutir qué pasó con las deslumbrantes imágenes que el público ve en la pantalla.
“Elevar a los artesanos ya los artesanos es, si no les molesta que lo diga, una de las cosas que mejor hace IndieWire”, dijo la editora en jefe de IndieWire, Dana Harris-Brisdon, en sus comentarios de apertura.
A lo largo del día, estos artistas hablaron sobre el laborioso proceso de hacer un gran cine. En su búsqueda por lograr esa ventaja creativa especial que los separa de la competencia, cada detalle cuenta. Los panelistas de las seis películas enfatizaron que el verdadero trabajo comenzó con una investigación meticulosa.
El equipo detrás de “Black Panther: Wakanda Forever” sabía que superar el éxito técnico de la película original sería una tarea difícil. La legendaria diseñadora de vestuario Ruth E. Carter ganó un Oscar por su trabajo influenciado por el afrofuturismo en la película de 2018. Pero una vez que el director Ryan Coogler reunió a la banda para comenzar a hablar sobre una secuela, todos estuvieron de acuerdo en que el éxito de la primera película no podía ser una excusa para dormirse en los laureles. En un panel moderado por Marcus Jones de IndieWire, Carter y el productor Nate Moore describieron cómo usaron otras películas de superhéroes como motivación para crecer.
“Ryan dijo que cada vez que ve una película de Batman, el disfraz de Batman se eleva”, dijo Carter. “Es diferente, es más emocionante”.
Además de mejorar los disfraces y dispositivos existentes utilizados por la nación de Wakanda, el equipo también tuvo la tarea de dar vida a una civilización completamente nueva (al menos para el UCM). El villano de la película, Namor, proviene de Talokan, una nación submarina que también tiene acceso a Vibranium. Cuando se tomó la decisión de incluir a Talokan, Coogler y su equipo sabían que tenían que dedicarle tanta energía creativa como lo hicieron con Wakanda.
“Ryan es un cineasta que quiere que las cosas se sientan tangibles y reales. Quería encontrar puntos de referencia culturales que estuvieran tan vivos como los puntos de referencia que usamos para construir Wakanda”, dijo Carter. “Y todavía estaba interesado en temas de colonización”.
Un punto de referencia clave que surgió fue la cultura maya. Al igual que Wakanda, Talokan es una civilización impulsada por Vibranium que pudo permanecer al margen de las influencias coloniales. Al inspirarse en la historia maya, la película tuvo la oportunidad de incorporar la cultura indígena mesoamericana de la misma manera que la franquicia había honrado el arte africano.
Carter ciertamente estaba preparado para el desafío. La ganadora del Oscar se lanzó de lleno a investigar la estética maya y terminó encontrando muchos motivos que enriquecieron su visión de la civilización submarina.
“Había cositas que me encantaban: los jades, las orejeras. Verás a estos personajes con estos carretes para las orejas que usan”, dijo Carter. “La hermosa estética que ves de la cultura maya.”
Ron Howard se encontró en una situación similar cuando firmó para dirigir «Thirteen Lives». Como la mayoría de las personas, estaba familiarizado con el rescate de la cueva tailandesa de 2018 en el que todo un equipo de fútbol juvenil y su entrenador fueron evacuados con éxito de la cueva Tham Luang Nang después de quedar atrapados por las inundaciones. Pero hacer una película que no solo estuviera ambientada en Tailandia, sino que intentara contar la historia de uno de los eventos nacionales más significativos en la historia reciente del país, requería un conocimiento mucho más profundo de la cultura tailandesa que cuando comenzó el proyecto.
“Fue emocionante para mí debido a la cultura tailandesa”, dijo Howard en un panel moderado por Jim Hemphill de IndieWire. “Un gran desafío que tomé en serio, pero una experiencia personal emocionante”.
Howard siempre supo que su interpretación del material tendría que ser una historia inherentemente tailandesa, incorporando elementos específicos de las culturas y religiones locales. Consultó con una variedad de traductores y otros expertos, y contrató al director de fotografía tailandés Sayombhu Mukdeeprom, quien le dijo que “seré tu ángel” cuando se trata de comprender la cultura tailandesa.
El equipo estaba decidido a acertar hasta en los detalles más pequeños. Una de las primeras discusiones involucró los diferentes acentos utilizados en el sur y el norte de Tailandia. Los traductores le dijeron a Howard que las películas y los programas de televisión tailandeses rara vez intentan retratar esos diferentes acentos, pero el director sabía que era una parte esencial para contar una historia precisa.
“Dijeron ‘usualmente ignoramos eso en la televisión’ y yo dije ‘No creo que podamos’”, dijo Howard. “Debido a que estos niños eran del norte, esta historia está sucediendo en el norte”.
Cuando Sacha Jenkins comenzó a trabajar en «Louis Armstrong’s Black & Blues», no estaba tan familiarizado con las complejidades de la vida de la leyenda del jazz como lo estaba con algunos de sus temas documentales anteriores. Pero aceptó el desafío y se sumergió en un extenso proceso de investigación que lo vio revisar los extensos diarios y registros personales de Armstrong. Si bien la destreza musical de Armstrong estaba bien documentada, Jenkins estaba más interesado en los detalles que descubrió sobre la vida personal y los hábitos diarios del trompetista. Eso le permitió documentar la vida de Armstrong de una manera cinematográfica que mejoró su percepción de la música.
“Hay mucho periodismo sobre las habilidades técnicas de Armstrong”, dijo Jenkins en un panel moderado por Christian Blauvelt de IndieWire. “Pero queríamos darte un retrato real de quién era él como hombre. Porque creo que para entender la música, sin importar lo técnica que sea, tienes que entender al hombre”.
Cuando llegó el momento de rodar «Causeway», la directora Lila Neugebauer pensaba constantemente en la autenticidad. Su película, protagonizada por Jennifer Lawrence como una veterana discapacitada que lucha por reconstruir su vida después de verse obligada a regresar a su ciudad natal de Nueva Orleans, ha obtenido excelentes críticas por su cuidadosa interpretación de un tema delicado. En un panel moderado por Marcus Jones de IndieWire, Neugebauer detalló su compromiso de garantizar que Lawrence y su coprotagonista Brian Tyree Henry tuvieran la información más precisa posible en la que basar sus personajes.
“Pude tener encuentros transformadores con veteranos y consultamos con un experto en prótesis allí”, dijo Neugebauer. “Creo que esas conversaciones fueron fundamentales en su trabajo. Pero también agregaría que tanto Jen como Brian, mientras ambos hacían su tarea, se personalizaban al nivel del alma”.
El género whodunnit se trata de crear un intrincado rompecabezas que dejará perplejos al público hasta el último segundo. Rian Johnson deleitó al público al hacer eso con «Knives Out», pero sabía que la presión era aún mayor para su continuación, «Glass Onion: A Knives Out Mystery».
En un panel moderado por Eric Kohn de IndieWire, el compositor de la película Nathan Johnson, el editor Bob Ducsay y el productor Ram Bergman hablaron sobre la importancia de estudiar sin cesar el guión de Johnson para encontrar nuevas formas de insertar huevos de Pascua que podrían aumentar el misterio.
“A menudo, se contrata a un compositor al final del proceso para que haga la partitura rápidamente. Pero llegar tan temprano significa que tenemos la libertad de ir por la madriguera del conejo”, dijo Johnson. “Como compositor, estoy tratando de aprovechar el subtexto de lo que están entregando los actores. Puedo entrar y reproducir ese subtexto y dejar pequeñas migas de pan, pistas y rastros”.
Pocas películas estrenadas en 2022 son más audaces que “Bardo (o una falsa crónica de un puñado de verdades)” de Alejandro González Iñárritu. La exploración surrealista y en expansión de la identidad mexicana y los sentimientos en conflicto de Iñárritu es el tipo de trabajo onírico que solo un maestro cineasta podría producir.
En un panel moderado por Eric Kohn de IndieWire, la estrella Daniel Gimenez Cacho explicó que el elenco sabía que estaban creando algo mágico. Se sintió cómodo dejando las cosas en manos de su muy capaz director, y optó por enfocarse en mirar hacia adentro para aportar tantas contribuciones personales como pudiera a la visión de Iñárritu.
“Se convirtió en mi propia vida de una manera muy mágica”, dijo Cacho. “Lo que ves en la película es mi vida. Es el personaje más cercano que he interpretado para mí. ¿Como te sientes hoy? Así va a ser el personaje. Solo era cuestión de estar presente y dejar que fluyera. Esto fue muy mágico. Me pasan tantas cosas durante el rodaje que me conectaron con lo más profundo de mí. Debo decir que este fue un viaje único”.
Al final del día, todos destacaron que la extensa tarea era un pequeño precio a pagar por el privilegio de contar historias con autenticidad. La artesanía impulsada por la investigación es un paso esencial para hacer cine que permita a las personas verse a sí mismas y sus aspiraciones en la pantalla grande, ya sea en biopics, documentales o el Universo Cinematográfico de Marvel.
“Es por eso que haces estas historias”, dijo Ron Howard. “Es porque son ejemplos atípicos de lo que es posible”.
Las conversaciones del panel completo de IndieWire FYC Consider This Brunch aparecerán en IndieWire en los próximos días.
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