Ser diferente aún no es un programa estético, pero bailar diferente sí lo es. Así lo demuestran las dos plataformas de baile más recientes en Friburgo y Zúrich. Uno se centra principalmente en las visiones sociales y el otro en la diversidad artística.
En su coreografía “2020: Obscene”, Alexandra Bachzetsis aborda la necesidad de autodramatización y autooptimización en las redes sociales.
El deseo de diversidad en la danza produce a veces resultados extraños. Esto se observó recientemente en las plataformas de danza contemporánea en Alemania y Suiza. Las plataformas se celebran cada dos años como escaparate para organizadores de danza de todo el mundo y ofrecen una visión general de las tendencias en la escena de la danza. Por supuesto, a menudo también revelan tendencias en las intenciones de los respectivos creadores de programas. Esto no siempre va bien con el arte de la danza.
En los festivales de este año en Friburgo de Brisgovia y Zurich, el deseo de diversidad entre los artistas produjo algunos florecimientos estilísticos que, a pesar de las mejores intenciones, parecían involuntariamente extraños. Por ejemplo, en los Swiss Dance Days 2024, la artista Élie Autin salta en círculos con un corpiño de encaje y bragas de tul y finalmente se mete algo en la boca que vuelve a salir formando una masa sangrienta. Según el folleto del programa, esto pretende “mostrar la brutalidad y la violación del racismo (cotidiano)”. Pero también puedes leer su performance “Présage” en Zurich como un autorretrato y guardarlo cómodamente en algún cajón de tu memoria visual.
Lo queer por sí solo no es un programa estético, ni tampoco lo es el color de la piel; al menos no debería serlo. A pesar de que las personas de color han sido excluidas de las escenas de danza occidentales y de sus instituciones durante tanto tiempo y repetidamente.
Juega con los estereotipos
Es obvio que en la danza aparecen discusiones sobre poscolonialismo, identidad y positividad corporal. La normativa en danza, las normas corporales y sus imágenes siempre han preocupado a los creadores de danza en la escena independiente. Pero las obras más fuertes que se pueden experimentar en los Swiss Dance Days juegan con el otro, pero no lo representan y ciertamente no lo exponen. Juegan con estereotipos y clichés sin nombrarlos. Por ejemplo, el estadounidense Jeremy Nedd, que vive en Basilea, satiriza el western con su grupo de bailarinas de pantula sudafricanas en “Cómo una estrella caída iluminó el cielo púrpura”.
O Trajal Harrell, quien en su principal obra de Zurich, “Monkey off My Back or the Cat’s Meow”, envía a la pasarela a artistas con diferentes habilidades, orígenes culturales e identidades. Cuando los actores del Schauspielhaus Zurich leen la Declaración de Independencia de los Estados Unidos de 1776 en medio de la pieza mientras el conjunto continúa bailando, la energía revolucionaria de las 13 colonias británicas se vuelve clara, incluso tangible.
Y aún más: a medida que las palabras se pierden cada vez más en el tumulto de la música a todo volumen y los bailes salvajes, este deseo de independencia se pone en perspectiva, como si aquí se alzaran las voces de todos aquellos para quienes la independencia y la igualdad no se aplicaban. y ahora. Los escuchamos en lo más profundo de nosotros sin hacerlos ruidosos, solo a través de la energía que Trajal Harrell enciende con su conjunto. Así debería ser el arte de la danza. No sólo en las casas altamente subvencionadas. Que la Schauspielhaus Zurich haya participado por primera vez con tanta intensidad en los Swiss Dance Days de este año y haya podido presentar su propia producción es una buena señal.
En los últimos años se han desarrollado muchas cosas en la escena de la danza independiente suiza que dan esperanza. Los creadores de danza se sumergen cada vez más en el movimiento y la coreografía, y se han vuelto notablemente más expertos en la técnica. Y los miembros del jurado de las Jornadas Suizas de Danza, que este año seleccionaron 15 piezas entre 218 candidatas, parecen haber vuelto a confiar en el movimiento y la coreografía.
Diferente en Alemania
La escena de danza independiente contemporánea en Suiza presentaba una imagen mucho más fuerte que la de su hermana en el gran país vecino. Esto no se debe necesariamente al estado de la escena de la danza alemana. El jurado de la Tanzplattform Deutschland parece haber seguido más sus visiones sociales que criterios estéticos y se ha centrado en obras con cuerpos disconformes o sobre estilos de vida disconformes.
Sin embargo, evidentemente no se encontraron suficientes piezas buenas entre las 550 solicitudes. De las siete obras expuestas en Friburgo, sólo una convenció por completo: “Mellowing” de Christos Papadopoulos con el “Dance On Ensemble” berlinés para bailarines mayores.
El deseo del jurado de que haya diversidad entre los artistas también se hizo evidente en los Swiss Dance Days, pero al mismo tiempo apostaron por una variedad de formas, lo que resulta mucho más productivo desde el punto de vista artístico. Se presentaron piezas que se relacionan con diversos temas de actualidad, como “2020: Obscene” de Alexandra Bachzetsis. La actuación juega con nuestra necesidad de autopresentación y autooptimización en las redes sociales y crea el difícil acto de equilibrio entre representación y autoexpresión.
Pero también se presentaron piezas completamente pensadas desde el punto de vista formal, como la magnífica “Ivy” de Thomas Hauert y “Without References” de Cindy Van Acker. Desgraciadamente, el inteligente y complejo trabajo de Van Acker sólo pudo transmitirse porque la elaborada escenografía no encajaba en ninguno de los espacios disponibles. Esto pasó factura al magistral trabajo del coreógrafo ginebrino, que en 2023 recibió el Gran Premio de las Artes Escénicas/Anillo Hans Reinhart de Suiza, pero aun así valió la pena.
Once personas se encuentran en una sala de espera, interactuando o no. «Sin referencias» está inspirada en la película de Alain Resnais «L’Année dernière à Marienbad» y en el western «Dead Man» de Jim Jarmusch, que está en la televisión todo el tiempo pero que no se entiende. No es tan importante: lo que impulsa la coreografía es la forma, la estructura de las películas y la estructura de la fuga final inacabada de Bach del «Arte de la fuga», que los bailarines tienen en sus oídos mientras escuchamos los sonidos del xilófono. . ¿Demasiado complicado? No, una pieza de maravillosa belleza.
“Sin referencias” fue creada para la Comédie de Genève. Y parece haber mucho potencial en la colaboración entre artistas de danza de la escena independiente e instituciones. Las producciones no tienen por qué ser tan grandes como para que los independientes ya no puedan hacer giras con ellas.