Numerosas denuncias de abuso en escuelas de danza y escenarios hacen que el ballet sea una forma de arte difícil de explicar. Ya es hora de que sus estructuras y métodos de formación lleguen al siglo XXI.
El ballet clásico requiere un control corporal perfecto: Escena de una representación en Zúrich de «El lago de los cisnes» de Tchaikovsky, 2005.
En marzo de 2021, sucedió algo escandaloso en el mundo de la danza: los bailarines del Teatro Estatal de Mecklenburg anunciaron en una carta abierta que habían perdido su trabajo. El director de ballet designado había dado aviso a casi todo el conjunto. La tabula rasa en caso de cambio de dirección es posible según la legislación laboral en los teatros alemanes, aunque controvertida. En Suiza, los umbrales de inhibición están incorporados en el convenio colectivo de trabajo a través de plazos. Ha sucedido en el pasado que un nuevo director cambie un conjunto completo, pero hoy en día es difícil de imaginar, dice Salva Leutenegger de la asociación profesional de escena suiza. Sin embargo, la espada de Damocles de la llamada no extensión pende constantemente sobre los artistas intérpretes o ejecutantes en los escenarios locales.
La carta abierta de la compañía Schwerin llamó la atención del ciclón que se ha apoderado del mundo del ballet desde hace algún tiempo. Donde los artistas, invocando la libertad artística, tienen que estar preparados año tras año para que su contrato no sea renovado, las dependencias aumentan. Donde los bailarines parecen ser intercambiables a voluntad, es mejor que se mantengan callados. Es el caldo de cultivo para todo tipo de abusos, pero también es el mundo en el que los aspirantes a bailarines todavía están creciendo. En este contexto, deben verse los abusos que se han descubierto recientemente en varias instituciones suizas, incluido el ballet de Berna y las escuelas de danza de Zúrich y Basilea.
Patrones autoritarios repetidos
En Berna, tras las denuncias de acoso, un director de ensayo que ya había sido advertido se separó; en la Tanz-Akademie Zürich, salieron a la luz deficiencias en los métodos de entrenamiento y en la atención médica deportiva de los alumnos; Recientemente se han hecho acusaciones duras similares en la Escuela de Ballet del Teatro de Basilea.. Las transgresiones personales son objeto de investigaciones internas en las tres ciudades. Pero el error fundamental yace en lo profundo del sistema.
En las escuelas de ballet se aprende una técnica codificada, muy a menudo de acuerdo con un plan de estudios desarrollado a principios del siglo XX por Agrippina J. Vaganova (1879–1951) en San Petersburgo. Ha demostrado su eficacia para dar forma y fortalecer a los bailarines clásicos del cuerpo. El método se basa en un fuerte papel del maestro. Pero eso es parte del problema, especialmente porque los profesores de ballet hoy en día tienen una formación pedagógica muy diferente, si es que la tienen. Pero donde hay lagunas en la formación docente, como sabemos desde la escuela primaria, los profesores recurren a sus propias biografías de aprendizaje. Y corren el riesgo de repetir los patrones autoritarios que alguna vez experimentaron.
Una que tiene buenos recuerdos de su educación es Cathy Sharp. La profesora de ballet, coreógrafa y exdirectora de compañía ha experimentado lo que se ha convertido en el principio central de su enseñanza: fomentar la pasión de los jóvenes por la danza. Está convencida de que la formación en ballet moderno es posible sin presiones ni miedos. «Tenemos metas de aprendizaje que los jóvenes tienen que lograr en poco tiempo. Pero los estudiantes traen diferentes cuerpos y diferentes formas de aprender. Está más claro ahora, y no creo que puedas poner a todos en una caja y hacer que hagan lo mismo al mismo tiempo».
La profesora, que enseñó danza clásica en la Licenciatura en Danza Contemporánea de la Universidad de las Artes de Zúrich (ZHdK) hasta su jubilación en 2021, no está sola en esta actitud. Conocidos educadores de danza como el canadiense Jason Beechey, rector de la Palucca University of Dance Dresden, o el suizo Samuel Wuersten, director artístico de los cursos de danza contemporánea en ZHdK, se han comprometido durante años con el desarrollo de la formación. Ambos forman ahora parte del equipo directivo interino de la Tanz-Akademie Zürich, que ha caído en descrédito.
Hoy en día, la instrucción individualizada es algo natural para la formación de profesores de escuela primaria; en el ballet, por otro lado, este tipo de cosas son revolucionarias. Como sistema, el ballet y la formación de ballet son un bastión de la acción autoritaria. Una posible explicación: los levantamientos sociales de 1968 literalmente pasaron por alto las estructuras. En las décadas de 1960 y 1970, mientras el canon académico estaba en debate, la rebelión tuvo lugar en otros lugares. Algunos bailarines se alejaron del ballet clásico, investigaron nuevas formas de movimiento, fundaron sus propias compañías, sus propias escuelas y buscaron lugares de actuación alternativos. El sistema de ballet, sin embargo, permaneció intacto durante décadas.
cuidar el cuerpo
Al fin y al cabo, también se buscaban nuevas actitudes narrativas sobre el escenario del ballet. Los grandes coreógrafos de la segunda mitad del siglo XX volvieron a contar las viejas historias, incorporando otras formas de danza y teatro. Se necesitó una mente como la de William Forsythe para desarmar y volver a armar el vocabulario clásico. Sus ballets, creados en Frankfurt durante las décadas de 1980 y 1990, todavía representan el estado del arte de la danza clásica en la actualidad. Pero incluso ellos no se pueden bailar sin un entrenamiento profundo.
Cuanto más ingrávido, más hermoso, y más pesado: Escena de la coreografía de William Forsythe «The Second Detail» en el London Coliseum.
El ballet es una profesión elitista, y lo seguirá siendo. Así como no todo el que le gusta jugar en la cancha de fútbol se convierte en jugador profesional. Sin embargo, cuando un grupo de expertos ha reconocido el talento y la idoneidad de un joven para convertirse en bailarín de ballet, dice Cathy Sharp, es «tarea de la academia acompañarlo en este camino».
Esto incluye apoyo durante la pubertad y, por último, pero no menos importante, una gran cantidad de conocimientos sobre anatomía y nutrición es parte del curso. “Como los estudiantes entrenan sus cuerpos todos los días, tienen que aprender a cuidarlos. Es tu herramienta». Si entrenas adecuadamente y comes sano, no deberías caer en desórdenes alimenticios, dice Sharp, enfatizando: «El cuerpo no debe ser elevado a un culto».
Sharp ha trabajado dentro de la institución, como bailarina en el Basler Ballett de Heinz Spoerli, y fuera, como directora de una compañía independiente, el Cathy Sharp Dance Ensemble. Ella cruza la frontera entre dos mundos que durante mucho tiempo no han querido tener nada que ver el uno con el otro. Durante décadas, la danza clásica y la contemporánea se desarrollaron juntas: el ballet en las instituciones, la danza contemporánea en la escena independiente. Ahora eso ha cambiado radicalmente: los conjuntos de los teatros de la ciudad trabajan todos con coreógrafos contemporáneos. Los bailarines de ballet están formados en danza clásica y contemporánea, los bailarines contemporáneos suelen entrenar también en danza clásica.
La forma de arte es bien recibida. Hoy tenemos bailarines atléticos extremadamente experimentados. Las exigencias han aumentado, incluidas las de los docentes. Cathy Sharp cree que no solo el arte de la danza se beneficia del saber hacer de la danza contemporánea, sino también, en última instancia, de la formación en ballet. es tiempo