El cineasta Billy Luther hace su debut narrativo en SXSW el sábado con «Frybead Face and Me», con la producción ejecutiva de Taika Waititi. Inspirada en su infancia, la película sigue a un niño, Benny (Keir Tallman), que tiene que pasar el verano con su abuela en la reserva.
Luther, cuyo trabajo anterior incluye el documental «Miss Navajo» y «Dark Winds» de AMC, siente que la historia de Benny de aprender sobre la vida rez y vincularse con su primo Frybread (Charley Hogan) tiene un atractivo universal en el sentido de que, en última instancia, se trata de estar en un lugar nuevo y sentirse solo.
“No es necesario ser nativo para conectarse con la historia porque todos recuerdan que los dejaron en algún lugar y la historia trae esa familiaridad”, dice Luther.
Aún así, fue increíblemente importante para Luther elegir actores navajos (él es de las tribus navajo, hopi y laguna pueblo), un proceso que se complicó por la pandemia de COVID-19. Pero finalmente encontró a sus estrellas en Tallman y Hogan, quienes hacen su debut actoral en la película.
Abajo, Lutero habla con Variedad sobre el casting a través de Zoom, su camino hacia SXSW y la importancia de la representación nativa en Hollywood.
Esta es una historia personal, es tuya, pero es universal al mismo tiempo. ¿Cómo compartió esos elementos mientras encontraba el equilibrio?
De niño, yo era muy perceptivo. Escuché muchas cosas, incluidas conversaciones telefónicas con padres y adultos. Estudiaría los gestos y gestos de las personas, y la forma en que hablaban. Tengo buena memoria. Y hay una escena en la película con un tenedor cuando Benny se sienta a comer. Cada vez que teníamos invitados o alguien entraba a nuestra casa, siempre había un tenedor que no encajaba en el resto de los cubiertos de mi mamá, y dondequiera que estuvieran sentados, ponía ese tenedor allí. Se llamaba el tenedor del visitante.
Esos son solo pequeños elementos de los que sacas, así que saqué mucho, incluida mi experiencia de ir a la reserva y quedarme sin electricidad, agua corriente y plomería interior. Esa fue mi infancia. Mientras tanto, todos están de vuelta en San Diego, viendo MTV y yendo a conciertos. Pero cuando eres niño, no necesariamente piensas en la suerte que tienes de pasar tiempo con tus familiares, solo quieres volver. Quería contar todo eso en esta historia interesante y entretenida, y esos elementos de las experiencias de las personas pueden ayudar a conectarse con ella. No tienes que ser nativo para conectarte con la historia porque todos recuerdan haber sido dejados en algún lugar, y la historia trae esa familiaridad.
¿Cómo fue el proceso de casting, especialmente con Keir y Charley, ya que ambos debutan como actores?
Trabajé con Angelique Midthunder («Rutherford Falls»), y ella había salido del casting de la primera temporada de «Reservation Dogs», por lo que tenía este grupo de jóvenes talentos. Observamos muchas tribus diferentes, pero en última instancia, estos niños tenían que ser navajos, y eran geniales.
Emitimos esto durante el pico de la pandemia, por lo que fue sobre Zoom, y fue difícil leer su química en pantalla. En Zoom, no es el amigo de un actor, necesitas una conexión física y necesitas jugar con alguien, así que fue un gran desafío. Charley terminó siendo la primera persona que elegimos. Ella leyó y sentí ‘Eso es Frybread’. Ella era quien yo pensaba que era el personaje.
Con Keir, me atrajo esta inocencia. Vivía en Phoenix en ese momento y en la reserva de su familia, por lo que entendía esas cosas y siempre me contaba estas historias sobre sus experiencias.
Pasando de Zoom al set, ¿te sorprendió su dinámica y lo bien que jugaron entre sí?
La primera vez que nos conocimos, éramos los tres, y dejé el guión a un lado y solo quería pasar el rato y conocerlos.
La cinematografía captura el aislamiento de rez life así como toda la luz natural.. ¿Cómo eran esas conversaciones?
Peter Simonite fue un gran director de fotografía. Hablamos sobre el aislamiento y lo solo que era para mí cuando era niño, y cómo una vez que se ponía el sol, no podía simplemente encender una luz. Esos eran mis recuerdos, por lo que capturar ambas cosas era importante. Hablamos del paisaje de la rez, como va de soleado a nublado y como son hermosos los atardeceres. Ahí me sirvió mi experiencia documental, para poder reflejar eso.
En cuanto a los personajes, estamos en el mundo de la abuela. Le dije a Peter que la seguiríamos y filmaríamos su estilo documental. Esas escenas necesitaban estar sueltas con este buen flujo, así que cuando la miras, tienes la sensación de que la estamos observando.
Sin revelar nada, hay una gran escena emocional con Benny en la cocina. ¿Fue un reto rodar?
Fue. ¿Cómo logras que un niño reaccione ante esa emoción? Así que hablamos con él al respecto, y Martin Sensmeier, que ha trabajado en tantas películas y con muchos grandes directores, también tuvo conversaciones con él. Charley también reaccionó a la energía en la habitación y lo que decía el tío Marvin. No tuve que presionar tanto porque él viene de una casa unifamiliar y vive con su mamá.
Esa escena en la película fue la última toma, y fue increíble. Todos en la sala, hasta los camarógrafos, dijeron: «¡Guau!». Todos queríamos protegerlo porque era vulnerable para él.
¿Qué significa para ti haber estrenado esto en SXSW, en términos de representación?
Tenía la intención de contar una historia veraz y honesta. No podría haber hecho esta película en mis 20 años. Necesitaba experimentar la vida, tener hijos y tener una relación sana con mi familia. También quería que mis primos más jóvenes y los nativos más jóvenes vieran esto.
Cuando ves muchas películas nativas, hay mucha pobreza o tortura porno. Me alegra que finalmente estemos saliendo de eso y que haya cineastas y narradores, contando historias con humor. Hay esperanza y resiliencia en nuestra comunidad y entre nuestros narradores.