Vale la pena detenerse a considerar el éxito fenomenal de Oppenheimer. Esta es una biografía clasificada R de un científico de tres horas de duración. Las porciones extendidas de la película se filman en blanco y negro. Aunque el reparto secundario incluye a Matt Damon y Robert Downey Jr., el papel central lo interpreta la estrella de televisión y actor de carácter Cillian Murphy. Sería difícil de vender a audiencias masivas en cualquier clima, pero especialmente a raíz de la pandemia.
Sin embargo, la película se ha ganado casi $ 500 millones en la taquilla mundial hasta la fechasuperando Transformadores: El origen de las bestias, Misión: Imposible – Calcular a cero, primera parte y Ant-Man y la Avispa: Quantumania. Más que eso, la película ha cosechado críticas favorables de los críticos y asegurado un CinemaScore «A» de las audiencias. Parece seguro describir Oppenheimer como un éxito por cualquier métrica cuantificable.
Es particularmente impresionante porque Oppenheimer es un trabajo desafiante. Se enfrenta a ideas complejas, confiando en que los espectadores se involucren con temas difíciles. Hace preguntas sobre la relación entre los individuos y el arco de la historia o los límites de la subjetividad de una persona frente a los horrores existenciales. El público rara vez tiene la oportunidad de enfrentarse a estas preguntas en los éxitos de taquilla. Es genial verlos responder con entusiasmo.
Sin embargo, ha habido cierta controversia en torno a Oppenheimer. En particular, ha habido discusiones sobre lo que omite la película, como los residentes de Nuevo México afectados por la radiación de las pruebas. En particular, ha habido sugerencias de que la negativa de la película a representar los bombardeos de Hiroshima y Nagasaki en la pantalla la deja «moralmente a medio formar.” Hubo afirmaciones de que la película era “desequilibrado“en sus esfuerzos”para preservar la simpatía de la audiencia por el héroe.”
Por supuesto, cualquier cosa que llame la atención sobre los horrores de la bomba atómica y las consecuencias de ese avance científico es encomiable. Esta charla alrededor Oppenheimer es un resultado neto positivo, que trae de vuelta a la conversación los horrores infligidos a esas poblaciones indígenas y esas víctimas en Hiroshima y Nagasaki. Sin embargo, son algo poco convincentes cuando se presentan como críticas a Oppenheimer como una película
Christopher Nolan ha hablado sobre su decisión de no representar los bombardeos de Japón. “Sabemos mucho más que él en ese momento”, el ha explicado. “Se enteró de los bombardeos de Hiroshima y Nagasaki por la radio, al igual que el resto del mundo”. Es una elección que tiene sentido estilístico. Al final de la película, cuando a los científicos se les muestran imágenes horribles de las secuelas de los bombardeos, el propio Oppenheimer (Murphy) desvía la mirada. La película es tan subjetiva que también desvía la mirada.
También está la cuestión de si sería posible para Oppenheimer presentar la detonación de la bomba como algo más que un espectáculo, por horrible que sea. Filmado en IMAX, creado con efectos prácticos, el bombardeo sería un logro técnico deslumbrante. ¿Es eso realmente lo que quieren estos críticos? ¿Para ver las muertes de cientos de miles de civiles japoneses, subdesarrollados, anónimos, representados en la pantalla con minucioso detalle?
También es discutible si Nolan, un cineasta británico-estadounidense, está en posición de representar los atentados en el contexto de un estreno de verano de gran éxito de un importante estudio estadounidense. Tal vez esta historia no sea suya para contarla. Hay innumerables exploraciones de los bombardeos atómicos desde una perspectiva japonesa. Shôhei Imamura Lluvia radiactiva llegó a MUBI justo una semana después Oppenheimerlanzamiento dey ofrece una representación mucho más auténtica del horror.
Finalmente, es difícil creer que cualquier espectador pueda alejarse de Oppenheimer creyendo que la película respalda la bomba atómica. En ciertos puntos, la realidad de Oppenheimer se distorsiona cuando imagina el poder que ha desatado: luces cegadoras, paredes que tiemblan, sonido ensordecedor. Mientras Oppenheimer se dirige a una multitud después del bombardeo de Hiroshima, Nolan imagina a la audiencia como víctimas de una explosión nuclear: incluida su propia hija, Flora.
Dejando de lado estos contrapuntos a aquellas críticas a Oppenheimer, hay algo más inquietante que no se dice. Estos argumentos son condescendientes con la película y la audiencia, lo que sugiere que los espectadores son intrínsecamente incapaces de ver una película y llegar a sus propias conclusiones. Esta perspectiva favorece un enfoque didáctico de la narración, en el que una pieza de medios debe ser a prueba de niños antes de que se entregue a una audiencia, con todos los bordes lijados.
Es una forma de hablar de los medios que antepone la defensa de una obra frente a las más absurdas críticas de mala fe a la de contar una historia. Trata una obra de arte como un rompecabezas para ser burlado en lugar de una pregunta para ser explorada. Oppenheimer es el ejemplo reciente más atroz de esta tendencia, pero existe una tendencia puritana cada vez más prevalente en la crítica de la cultura pop. Puede parecer que algunos críticos esperan que los artistas mastiquen previamente la comida de su audiencia por ellos.
Recientemente, Alquitrán fue criticado por su ambigüedad percibida. La película es una representación espinosa de una compositora lesbiana (Cate Blanchett) cuya carrera se ve descarrilada por acusaciones de comportamiento abusivo en una relación depredadora con una ex alumna. La película fue criticada por el compositor Marin Alsop por ser «anti-mujer” y por el crítico Richard Brody como “una pelicula regresivademasiado unido a la perspectiva de su personaje central para documentar todos los puntos de vista relevantes.
Ha habido cierto debate en línea sobre la aparición de subgéneros «acogedores». Estos subgéneros toman generalmente géneros violentos, como horror o misterios de asesinato – y elimine muchos de los tropos más desagradables o desagradables. Estas historias suelen ofrecer a los lectores o espectadores que pueden sentirse incómodos con las trampas de tales historias una forma de disfrutarlas. Ostensiblemente amplían los límites de estos géneros, dando la bienvenida a los forasteros.
No hay nada malo en esto. De hecho, es muy recomendable. El mundo es un lugar grande y hay mucho espacio para todos. Por ejemplo, hay algo atractivo en la noción de Insidioso franquicia de terror como una puerta de entrada PG-13 relativamente libre de sangre al horror para los espectadores demasiado jóvenes para ver la Víspera de Todos los Santos, Exorcistao Pesadilla en la calle Elm franquicias Sin embargo, es diferente argumentar que todo el arte debe construirse con la barrera de entrada más baja en términos de contenido: que todo el horror debe o debería ser «acogedor».
Este no es un argumento hipotético de pendiente resbaladiza. Ha habido un rechazo reciente contra la idea misma de escenas de sexo en los medios, lo que llevó a los críticos a montar defensas de las representaciones de la sexualidad en libros, programas de televisióny Película (s. También hay una tendencia a equiparar la descripción con el respaldo, a sugerir que cualquier representación de un acto, particularmente uno cometido por el protagonista, debe contar lógicamente con la aprobación del narrador. Las obras de arte deben ser tratadas como dictados morales. Ningún público debe sentirse incómodo.
“Aquellos de nosotros que trabajamos en las artes sabemos que la representación no es un respaldo”, argumentó la directora Kathryn Bigelow. en respuesta a las críticas a las representaciones de tortura en su película, Cero treinta oscuro. “Si lo fuera, ningún artista podría pintar prácticas inhumanas, ningún autor podría escribir sobre ellas y ningún cineasta podría profundizar en los espinosos temas de nuestro tiempo”. Bigelow tiene un buen punto aquí. Una vez más, este no es un argumento abstracto. Es más bien un reconocimiento de una realidad histórica.
Durante décadas, Hollywood estuvo gobernado por un conjunto de barandillas morales conocido como el Código Hays. Estas pautas aseguraron que la industria solo pudiera producir entretenimiento adecuado para proteger la sensibilidad de la audiencia. El crimen nunca podía pagar, y los criminales nunca debían ser tratados como figuras simpatizantes. El sexo no podía ser representado. Cualquier comportamiento no heteronormativo debía presentarse como desviado. Cualquier desafío o ridiculización de las costumbres sociales contemporáneas es inaceptable.
No es exagerado conectar los llamados modernos a la pureza con el Código Hays. Algunos críticos incluso admiten abiertamente que anhelan volver a los días de la censura de Hollywood. “Mire películas de las décadas de 1930, 1940 y 1950, y notará que transmitían un nivel de clase y altos estándares morales que en gran parte están ausentes en el cine actual”. argumentó Julie Mastrine. “En pocas palabras, Hollywood era más saludable porque defendía enérgicamente […] un estándar de contenido que no existe hoy”.
Por supuesto, ese Código limitaba qué formas de humanidad podían expresarse en la pantalla. Los personajes queer solo existían por inferencia. Las relaciones interraciales estaban expresamente prohibidas. El arte no podía hablarle a su audiencia, solo podía sermonearlos a través de una idea estrechamente definida de cómo podría ser el mundo. Había héroes y villanos, con un límite claramente definido entre los dos. Ese borde se dibujó con tinta tan gruesa que ningún miembro de la audiencia podía tener dudas.
Esta es una manera deprimente de acercarse al arte como Oppenheimer. Es particularmente problemático ya que artistas más diversos obtienen oportunidades desde hace mucho tiempo, ofreciendo nuevas perspectivas. Ahora que más mujeres, personas de color y narradores abiertamente queer están finalmente teniendo la oportunidad de decir su historias, ¿por qué limitarlas? Incluso si estos argumentos son bien intencionados, elaborados con la esperanza de proteger a los artistas de sí mismos, ignoran el valor de dejar que los creadores cometan errores como parte del proceso de crecimiento y aprendizaje.
Esta incomodidad con la presentación de ideas desafiantes no solo limita a los artistas. Trata a la audiencia como niños incapaces de lidiar con conceptos complejos. Descuenta el espacio que existe entre el espectador y un medio, y la importancia de dejar que la audiencia explore ese espacio en sus propios términos. Un espectador tiene la opción de elegir si quiere involucrarse con tales ideas (después de todo, existen clasificaciones y advertencias de contenido), pero la oportunidad debe existir.
Como señaló recientemente Adam Kotsko, uno puede entender el deseo de que el arte ofrezca claridad moral en contraste con un mundo que a menudo puede parecer que se ha vuelto moralmente trastornado, pero la experiencia humana es desordenada, desafiante y complicada. Si el arte debe reflejar eso de manera significativa, se le deben permitir las mismas libertades. películas como Oppenheimer y Alquitrán son más efectivos por su negativa a reducirse a declaraciones morales contundentes y simplistas. Está bien que el arte nos haga sentir incómodos.