Hay un divertido ilustración de París a fines de 1839, apenas unos meses después de que se anunciara al mundo un tipo temprano de fotografía llamado daguerrotipo, que advertía lo que presagiaba esta pequeña imagen. En la imaginación de Théodore Maurisset, el daguerrotipo provocaría una histeria colectiva, La Daguerrotipomanía, en el que masas enloquecidas llegan desde los confines de la tierra y asaltan un pequeño estudio fotográfico. Algunos en la multitud quieren fotos de ellos mismos, pero, Mon Dieu, otros exigen cámaras para tomar sus propias fotografías (Maurisset los muestra cargando las máquinas como contrabando en barcos de vapor con destino a puertos extranjeros) y otros se amontonan simplemente para mirar con los ojos abiertos esta cosa novedosa y todos los procedimientos lunáticos que la rodean. El clamor es tan febril que provoca una alucinación masiva, en la que casi todo lo demás en el paisaje alrededor del estudio, incluidos los vagones de ferrocarril, una torre de reloj, una canasta para un globo aerostático, de hecho cualquier cosa remotamente en forma de caja, se transforma en cámaras Mientras marchan hacia el estudio, la multitud pasa por media docena de patíbulos, donde, en respuesta a la aparición del daguerrotipo, los artistas se han ahorcado. La gente apenas se da cuenta.
¡Qué alboroto! ¡Qué pánico! ¿Y por qué no? Hasta la aparición de la fotografía, los pintores tenían casi el monopolio de la representación artística. Su oficio fue considerado como el principal medio para inventar imágenes. (Por supuesto, los grabadores e ilustradores tenían sus propias ideas sobre el valor de sus cuadros, pero los pintores generalmente los consideraban más como primos menores). Pero ahora esos tontos fotógrafos, la mayoría de los cuales eran aficionados o, peor aún, artistas desleales o fracasados , conseguiría el trabajo. Al ver un daguerrotipo por primera vez alrededor de 1840, se dice que el pintor francés Paul Delaroche, cuyos propios alumnos pronto se pasarían a la fotografía, gritó: “¡A partir de hoy, la pintura está muerta!”.
La historia de la relación temprana de la pintura con la fotografía no es perfectamente análoga al enigma causado por el arte actual creado por IA. Los generadores de imágenes como DALL-E 2, Midjourney y Stable Diffusion pueden modificar una pintura existente de maneras que ninguna cámara podría acercarse. Pero compare la exclamación de Delaroche con el canto de Jason Allen de Pueblo West, Colorado, quien en septiembre pasado se llevó a casa el primer premio por su entrada generada por IA en una competencia de arte en la feria estatal anual. El premio de $300 fue modesto, sí, pero eso no impidió que Allen se regodeara. “El arte está muerto, amigo”, dijo después. «Se acabó. Ganó la IA. Los humanos perdidos. Las nuevas herramientas a menudo tienen una forma de avivar grandes afirmaciones sobre su impacto, y también nos dan la oportunidad de considerar si la historia tiene algo que enseñarnos sobre el pronóstico para ellas.
En el siglo XIX, la pintura, al menos, no murió. O incluso sufrir un leve resfriado. Los pintores no perdieron trabajos, y el propio Delaroche pasó a pintar algunos de sus trabajos más monumentales y ambiciosos. Sospecho que nunca estuvo realmente preocupado por ser reemplazado, y él y otros exageraron la ansiedad porque era un chisme jugoso, una oportunidad de quejarse sobre el mal gusto o simplemente la vulgaridad de los críticos, y en realidad era bueno para los negocios.
Aun así, la visión de Maurisset de las masas arrasando el paisaje no estaba del todo equivocada. La cantidad de personas que querían sentarse frente a la cámara o buscaban cámaras para sí mismos no solo era innumerable sino diversa. Por lo general, pertenecían a un grupo de mecenas muy diferente al de los pintores de apoyo, y tendían a ser de las clases media y trabajadora, cuya capacidad previa para comprar o hacer imágenes era casi nula. Durante una era que también incluyó reformas para expandir el voto, el activismo temprano por los derechos de las mujeres y la abolición (primero en el Reino Unido, luego en los EE. UU.) de la esclavitud, la cámara adquirió un aire algo democrático. Frederick Douglass, el gran abolicionista y antiguo esclavo, estaba tan entusiasmado con sus posibilidades que durante su vida hizo más de 160 retratos diferentes de sí mismo, más que cualquier otro estadounidense en el siglo XIX, con la creencia de que a través de ellos podría insistir. en su autoestima y dignidad. La cámara era potencialmente la herramienta de todos (no lo era exactamente, pero esa era la promesa para los modelos como Douglass), y rara vez se había dicho algo así sobre la pintura.
En aquellos primeros días, los dos medios tendían a tener mercados diferentes; los pintores se reafirmaron y los fotógrafos tuvieron dificultad para penetrar en la exclusividad tanto en la formación como en la exhibición de las artes plásticas. Incluso los fotógrafos más hábiles y con mentalidad artística luchaban siempre contra el bajo estatus que el establecimiento del arte otorgaba a su oficio. Mientras que la pintura como práctica de estudio se convirtió en una oferta universitaria estándar ya en la década de 1860 (al menos en Nueva Inglaterra), la fotografía tardó otros 75 años en encontrar una base tenue en la educación superior. No fue hasta la década de 1930 que los museos de arte comenzaron a comprar y exhibir fotografías con regularidad.