Toolkit Ep 188: El director James Cameron se sumerge profundamente en las innovaciones técnicas de «Avatar: The Way of Water» y cómo benefician las actuaciones y la escritura.
Cuando James Cameron escribió y dirigió “Avatar” en 2009, introdujo la tecnología de captura de movimiento y otras innovaciones que cambiarían las películas para siempre, ya que sus técnicas fueron adoptadas y desarrolladas (aunque nunca superadas) por la industria en general. Ahora lo ha vuelto a hacer con “Avatar: The Way of Water”, una secuela que marca el primer uso de la captura de movimiento bajo el agua y es aún más impresionante que su predecesor al combinar actuaciones reales (por un elenco estelar que incluye a los favoritos de Cameron como Kate Winslet y Sigourney Weaver) con un mundo digital completamente artificial creado en postproducción. Y como Cameron le dice a IndieWire en la discusión en profundidad de esta semana sobre el podcast Filmmaker Toolkit, toda esta tecnología libera a los actores y a él para hacer descubrimientos mucho más allá de lo que es posible en una película de acción en vivo convencional. “De hecho, se vuelve más fácil para los actores de muchas maneras”, dijo a IndieWire.
Cameron señaló que el espacio para el descubrimiento que surge cuando los actores obtienen nuevas ideas o responden de manera inusual entre ellos y su entorno es en realidad mucho más limitado en una película tradicional que con la captura de movimiento. “Creo que una vez que has establecido tu tiro maestro, tus accidentes felices se vuelven bastante limitados”, dijo. “Pero la belleza de la captura de movimiento es que podemos tener una idea brillante en la toma cinco y hacerlo de manera completamente diferente. Podemos reorganizar completamente toda la escena. Podrías reproducir una escena que estaba destinada a ser representada de pie, uno frente al otro, sentados, uno frente al otro de repente, porque todo lo que necesito es una buena toma y de ahí puedo extraer toda mi cobertura”.
El cineasta dijo que esto fomenta un mayor nivel de creatividad en los actores, porque no están sujetos a decisiones que hayan tomado en tomas anteriores. “Cada toma es una pizarra en blanco. Si alguien tiene el impulso de agarrar a la otra persona y sacudirla, y nunca lo ha hecho antes, no hemos filmado un plano general o un primer plano, ni nada. Solo hemos hecho captura y la captura crea una especie de maestro de interpretación”.
“Más tarde, después de que termine con los actores, tomaré ese maestro de actuación y haré un corte que en realidad es una especie de archivo de escena maestro, y luego dentro de eso hago toda mi cobertura. Entonces puedo hacer una toma lenta de Steadicam que se arquee alrededor de todos. Puedo dejar caer la cámara y dispararles en un marco estático. Puedo dar vueltas sobre mi cabeza, puedo estar en un helicóptero a media milla de distancia o puedo estar en un primer plano. Algunas de las escenas de la película son básicamente la tercera toma, la escena completa. Otras escenas son más complicadas, donde realmente nos gusta lo que alguien hizo en una toma diferente y son lo suficientemente compatibles como para que podamos tomar las dos actuaciones y ponerlas en un archivo de escena maestro. La clave es siempre honrar las actuaciones de los actores y el impulso del actor en el momento. Eso es crítico”.
Puede escuchar la discusión completa arriba o suscribirse al podcast de Filmmaker Toolkit a continuación.
El podcast de Filmmaker Toolkit está disponible en Apple Podcasts, Spotify, Overcast y Stitcher. La música utilizada en este podcast es de la partitura de «Marina Abramovic: The Artist Is Present», cortesía del compositor Nathan Halpern.
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