La cineasta con sede en Montreal Meryam Joobeur causó sensación internacional con su “Brotherhood”, nominada al Oscar, que obtuvo considerables elogios por un corto de 2018 sobre una familia rural tunecina atormentada por el dolor una vez que el hijo mayor regresa a casa después de luchar por ISIS. Estrenada en competición en Berlín, el primer largometraje de Joobeur, “Who Do I Belong To”, parte de la misma premisa y mantiene el mismo reparto, pero la cineasta no ve su última película como una extensión o una reinvención.
En cambio, “Who Do I Belong To” reformula la narrativa en torno a una perspectiva más femenina, centrándose en la matriarca de la familia Aisha (Salha Nasraoui), que se debate entre el alivio, el dolor y la culpa cuando solo uno de sus dos hijos fugitivos regresa a casa. Es más, regresa con una novia siria embarazada, muda e inquieta bajo un niqab de cuerpo entero. La función también funciona en nuevos tonos, jugando con realismo mágico y terror en toda regla para explorar mejor los rincones más oscuros de la historia.
¿Cómo describirías la relación entre el corto y el largometraje?
Tuve la idea del largometraje mientras filmaba el corto. Me sentí cada vez más atraída por los personajes femeninos, por esta imagen de la novia siria paseando por el paisaje con su niqab, y me hice muy cercano a la actriz Salha Nasraoui, que interpreta a la madre. Empecé a preguntarme sobre esos personajes, a imaginar sus historias. No llamaría a la función una adaptación; es más bien una situación de Yin y Yang, que ocurre en un universo paralelo y separatista. ¿Sabes cómo nos preguntamos cómo serían nuestras vidas si hubiésemos tomado otras decisiones? Seríamos las mismas personas viviendo vidas diferentes, y así es como vi la película. Creativamente, parecía un nuevo proyecto, una nueva historia.
Hasta hace poco, la película se conocía como “Maternidad”. ¿Cambiaste el título para crear más distancia con el corto?
Tu comprensión de un proyecto evoluciona a lo largo de los años que vives con él. En este caso, el cambio de título llegó bastante temprano en el proceso de edición, cuando me di cuenta de que la pregunta central con la que había estado luchando todo este tiempo era precisamente esa: ¿A quién pertenece mi vida? Esa comprensión realmente me ayudó a darle forma a la película. Sé que es poco común tener una pregunta para un título y espero que sirva como invitación, algo que estimule la conexión. Después de todo, esta es una película reflexiva que permite la interpretación, por lo que parecía importante mantener las cosas abiertas en lugar de hacer una declaración.
‘¿A quién pertenezco?’
Festival de Cine de Berlín
Mantuviste el mismo elenco, incluidos los tres hermanos no profesionales para quienes escribiste el corto. ¿Cómo afectó eso al desarrollo de la función?
Siento que mis amigos se burlarían de mí, pero soy muy partidario de la comunidad y las relaciones, y tal vez lo sientas en la película. Todos los actores leyeron versiones del guión desde el principio y luego todos juntos le dimos forma, trabajando un poco como un conjunto de teatro. De hecho, hicimos dos años de formación teatral para los tres hermanos, utilizando ese proceso para desarrollar ideas, explorando diferentes voces y comportamientos físicos y todo eso. Así que fue en gran medida un esfuerzo colectivo que intenté guiar, centrándome en lo esencial. Pero confío en mis colaboradores creativos; Necesito esa conexión e intimidad, y simplemente nos inspiramos mutuamente.
Nos iríamos durante seis semanas y viviríamos juntos: Salha, los tres hermanos y yo. Salha dirigía talleres de teatro y, entre tanto, comíamos y simplemente pasábamos el rato, creando un vínculo especial que se refleja en la pantalla. No están actuando; se aman profundamente y ella los ve como sus hijos. Aprendí que la herramienta más importante que puede tener un director es la confianza, especialmente con los actores. Una vez que generes confianza, podrás acceder a algo más profundo. Entonces, una gran parte de esas sesiones de capacitación fue sobre generar confianza e intimidad.
La película tiene un peso muy bíblico: es a la vez bastante figurativa y mítica en algunos lugares y bastante fundamentada.
La Biblia, el Corán y la Torá están llenos de historias que resuenan y resisten la prueba del tiempo; los recuerdas porque los arquetipos están profundamente arraigados en la psique humana y el simbolismo es universal. Me encanta ese tipo de narración; quiero decir, por eso hago películas. Además, mientras crecía, mis dos novelas favoritas eran “Amada” y “Cien años de soledad”, por lo que este tipo de realismo mágico, este lenguaje onírico que conecta con el subconsciente siempre ha sido importante. El gran desafío fue trasladar eso al cine: encontrar el equilibrio adecuado entre lo simbólico, lo visualmente deslumbrante y lo emocionalmente significativo.
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¿Cómo tradujiste eso visualmente?
Antes de la sesión, el director de fotografía Vincent Gonneville y yo intercambiábamos muchas fotos, formando una pared enorme con nuestras inspiraciones. Me encanta la fotografía fija porque tienes una historia completa en una imagen, y eso es lo que buscábamos. ¿Cómo podría cada plano contar una historia completa?
Sally Mann fue una gran inspiración, una piedra angular de mi estilo. Capta algo inquietantemente hermoso en los ojos de sus sujetos, especialmente en su trabajo con sus propios hijos. Quería capturar esa oscuridad y belleza similares. Vincent bromeaba diciendo que siempre quise acercarme lo más posible a los actores. Pero teníamos que llegar al corazón de cada escena lo mejor que pudiéramos y de la manera más eficiente posible, todo mientras filmábamos en un entorno rural con cambios climáticos extremos cada diez minutos. A menudo nos sentíamos como si estuviéramos jugando al topo.
La influencia del terror es particularmente sorprendente porque realmente lo intentas. La película no se detiene.
Me cuesta etiquetar la película, porque el terror no la resume del todo. El horror surge del trauma de los personajes, como una forma de manifestar la culpa, que es una de las cosas más dolorosas de experimentar. Las elecciones siempre estuvieron impulsadas por el carácter; No estaba tratando de hacer una mezcla de géneros. En lugar de eso, comencé desde el punto de vista de cómo transmitir mejor esta realidad o esa emoción, y luego seguí adelante de la manera más honesta posible para encarnar la emoción en lugar de dejarla abstracta. Debido a que el personaje de Aisha es de negación, su camino hacia la aceptación requiere que experimente las acciones de sus hijos de una manera realmente visceral.
Esto encaja con una tendencia más amplia en las películas de MENA: este mayor interés en jugar con el género.
Durante mucho tiempo, hubo una concepción muy limitada de lo que podrían ser las películas de nuestra región, específicamente en lo que respecta a financiación y apoyo, por lo que es realmente emocionante ver cómo las películas árabes experimentan con el cine. Túnez tiene una rica historia de narración de cuentos, de cuentos populares que se mezclan con el realismo mágico y el surrealismo. La gente realmente cree en la magia en el pueblo donde rodé la película. Más que el realismo social, este enfoque se siente más cercano a la realidad y más fiel a la vida.
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