Tras los premios Goya y Gaudí catalán para el cortometraje “Los desheredados”, que también obtuvo un premio Discovery de Cannes, la ópera prima de Laura Ferrés, “El cuadro permanente”, apuesta por el Leopardo de Oro en el Festival de Cine de Locarno.
Partiendo de un rico tapiz de narrativas personales e históricas, Ferrés muestra su enfoque distintivo de la narración, combinando humor seco y cinematografía cautivadora con una narrativa resonante.
La película es un recorrido por la vida de los inmigrantes que se trasladaron de Andalucía a Cataluña, inspirado en las experiencias de posguerra de la propia abuela del director. Combinando elementos reales con construcciones ficticias, la película logra un delicado equilibrio entre el naturalismo y el artificio.
Se abre en las zonas rurales del sur de España. Conocemos a Antonia, interpretada por Rosario Oretega, una adolescente que empuja contra lo convencional. En los momentos iniciales, se le desafía a que aquellos que no pueden controlarse no pueden ser bonitos, a lo que su respuesta es «¿Quién dijo que quería ser bonita?» Habiéndose convertido en una madre adolescente, Antonia desaparece en medio de la noche, dejando atrás a su bebé. 50 años después y mucho más al norte, Carmen, una directora de casting introvertida, busca personas para compartir sus experiencias al llegar a una nueva ciudad. Carmen se encuentra con una mujer mayor que vende perfumes en la calle, que podría ser el casting perfecto para ella. La impulsividad de esta mujer se inmiscuirá en su soledad e incluirá ecos elípticos en la historia de Antonia. El cineasta catalán califica la película como una “comedia deprimente”.
La película no rehuye las duras realidades del trabajo y la vida, y presenta un retrato sincero de los desafíos y la precariedad asociados con el empleo. También explora la idiosincrasia de diferentes épocas, ofreciendo una inmersión profunda en la dinámica social, cultural y política de España. El humor seco a menudo proviene de Carmen, interpretada con aplomo inexpresivo por Maria Luengo.
“Los elementos reales se camuflan porque necesitamos la ficción en nuestra vida, y el deseo de ficción no está solo en el cine, sino también en la música, en las historias orales, en las supersticiones, en la poesía. Todo eso está en la película porque ‘La imagen permanente’ es una historia dentro de una historia sobre una mujer que persigue a otra mujer ávida de aventuras”, dijo Ferres. Variedad.
Esta historia cuidadosamente elaborada incorpora una mezcla de actores no profesionales, lo que crea una sensación de autenticidad que también se desentraña de forma lúdica dentro de la trama. Subraya el compromiso de Ferrés con un enfoque poco convencional, basando la película en las realidades de la vida y permitiendo que la imaginación vague libremente.
El primer largometraje de Ferrés ha sido adquirido por Be For Films y producido por la española Fasten Films, en coproducción con Le Bureau (Francia) y Volta Production (España).
Ferrés coescribió la película con el célebre autor español Carlos Vermut, ganador de la Concha de Oro de San Sebastián con «Magical Girl» de 2014 y Ulises Porra, quien ganó el Premio de Nuevos Directores de San Sebastián en 2021.
La imagen permanente
Cortesía del Festival de Cine de Locarno
Variedad Alcanzó a Ferres antes de Locarno…
La película se inspira en las historias de los trabajadores que emigraron de Andalucía a Cataluña. ¿Puede hablar sobre cómo estas narrativas de la vida real influyeron en su enfoque de la narración de historias en la película?
Hacer una película es una oportunidad de conservar elementos reales pero moldeándolos a voluntad para crear una verdad mejor. Como me interesa esta confluencia entre la antropología y la ficción, la narración se equilibra entre el naturalismo y el artificio.
Crecí con mi abuela que vino de Andalucía a Cataluña en la España de la posguerra. Su contexto era similar al de Antonia, pero en cambio, este personaje principal hace lo que quiere. Mi abuela cantaba muy bien, pero tenía que trabajar en el campo y cuidar a sus hermanos. Cantó sobre todo coplas y canciones republicanas que aparecen en la película. Por suerte mi madre y yo las grabamos en casete antes de que mi abuela perdiera la memoria porque no hay rastro de ellas ni en Internet.
También me gustaría destacar otro elemento real introducido en la película: un anuncio de la farmacéutica Bayer con Nuestra Virgen del Carmen para vender aspirinas cuando se impuso el catolicismo en la posguerra. Aunque la película también retrata el mundo publicitario actual al ver cómo la religión católica ha sido suplantada por la religión del mercado. Sin embargo, la película trata de evitar los juicios morales e incluso abraza tabúes.
El uso de actores no profesionales es una opción distintiva. ¿Puede explicar más?
El desafío fue que no pude ensayar con ellos, y aun así son impresionantes. La recompensa es un conjunto de rostros únicos y acentos lingüísticos que sí transmiten autenticidad, pero algunos diálogos y reacciones no son naturalistas porque como mencioné antes: me interesa construir un imaginario a partir de elementos reales. Retratar un universo imaginario es una forma de liberarse de las convenciones. Y aun así eso no significa escapismo porque nos dice cosas sobre la idiosincrasia de una época.
También elegí actores no profesionales porque la película también trata sobre una mujer que debe encontrar personas “auténticas” para una campaña política. Aunque auténtico es un eufemismo de pobreza en la película. No idealizo el mundo del trabajo: la epopeya de conseguir o mantener un trabajo en algunas películas me resulta conservadora. Necesitamos pagar nuestras cuentas, pero prefiero retratar cómo el trabajo es alienante y precario como un reflejo de mis experiencias laborales. De hecho trabajé como directora de casting como el otro personaje principal, Carmen.
Hay un sorprendente equilibrio de oscuridad, ternura, humor seco y música en la película. ¿Cómo se unen estos elementos para crear el tono único de la película y cómo reflejan tus influencias como cineasta?
No todas las decisiones son racionales, y algunos elementos aparecen solo porque responden a mi forma de estar en el mundo. Pero ya que preguntas, me salva el humor, y soy melómano: como decía antes, en casa escuché cantar desde pequeño. La oscuridad y la ternura son algunas de las dualidades sobre las que trabaja la película, por lo que lo inesperado aparece cuando estos opuestos se encuentran.
También soy cinéfilo, y mis influencias son variadas: mi madre me mostraba películas clásicas; mi padre, éxitos de taquilla; mi abuela, las telenovelas; y descubrí el anime, el cine de no ficción y no narrativo por mi cuenta. Entonces hacer un melodrama fue una opción que mezcla casi todo, y también me permite introducir la noción de deseo prohibido. Pero una vez que hago una película, prefiero dejarme influenciar por otras expresiones artísticas: los ensayos de David Foster Wallace, “Los Detectives Salvajes” de Roberto Bolaño, la obra de Caryl Churchill “Top Girls” y “A Day In The Life” de los Beatles. , entre otras cosas. Todos tienen estructuras que me fascinan.
La película presenta varias dualidades: campo/ciudad, pasado/presente, artificio/naturalismo. ¿Cómo reflejan estas dualidades el estado actual de España, particularmente en términos de su dinámica social y política?
Supongo que todo esto refleja que gente de otros orígenes está haciendo películas. Como en todos los ámbitos, la crisis de 2008-2014 fue devastadora para la producción cinematográfica española. Algunos directores hicieron películas con pocos medios, como yo en “Los desheredados”. Pero convirtieron esa falta de medios en una virtud y una declaración de intenciones. Así, algunos de ellos retratan también el campo o las ciudades periféricas, y trabajan con actores no profesionales. Por lo tanto, también retratan diferentes idiomas o acentos lingüísticos y clases sociales. Supongo que por eso predomina el naturalismo en estas películas, aunque presiento que el artificio se desarrollará en los próximos años precisamente como reacción a este naturalismo.