Un maestro estrella. Habitantes del multiverso. Periodistas intrépidos que históricamente impulsaron el movimiento #MeToo. 2022 ha proporcionado una vergüenza de riquezas cuando se trata de papeles complejos escritos para mujeres, interpretados por una diversa gama de actrices. En conversaciones separadas con Variety, varios de los nombres que lideraron la conversación sobre los premios ofrecieron información sobre sus personajes, reflexionando sobre los aspectos más desafiantes de sus papeles.
Interpretando a la maestra de escuela jubilada Nancy que contrata a una trabajadora sexual en “Good Luck to You, Leo Grande” de Sophie Hyde, Emma Thompson reconoció la gran importancia de un papel que se centraba en el placer sexual de una mujer.
“Especialmente una mujer que ha sido completamente ignorada y a la que se le ha dado muy poca participación en las películas”, dice. Thompson había estado buscando un papel heroico como el de Nancy durante años, por lo que la conocía por dentro y por fuera durante mucho tiempo. “Ella es alguien que decide cruzar todos los límites que ha conocido. Que regalo de [writer] Katy Brand, la persona que la entendió primero”.
La última tarea de Thompson fue hacer que Nancy fuera creíble. “Todo sobre ella necesitaba ser auténtico: [funny], irritante, autoritario, ingenuo y, a veces, francamente grosero. Fue un estudio tan inmersivo como cualquier otro que haya hecho”.
Para las delicadas escenas de intimidad de la película, Thompson se basó en el espacio seguro que Hyde creó para ella y su coprotagonista Daryl McCormack, en quien era fácil confiar y estaba «dispuesto a saltar de un puente sobre la cuerda elástica» con ella.
“Los tres pasamos un día de ensayo juntos desnudos. Hablamos cuidadosa y curiosamente sobre nuestros cuerpos: lo que nos gustaba, nuestras cicatrices internas y externas, lo que no nos gustaba (mi lista era más larga que la de Daryl, no hace falta decirlo) y cómo queríamos presentarlas”, dice Thompson. “Cuando llegó el momento, fue como Navidad. Simplemente nos abrimos como regalos”.
«Mi preparación es interna», dice Jamie Lee Curtis, cuya Deirdre Beaubeirdra pone a una familia inmigrante trabajadora en un infierno burocrático de impuestos en «Everything Everywhere All at Once» de The Daniels. Primero necesitaba entender a Deirdre antes de poder convertirse en ella. Entonces se dio cuenta de que conocía a muchas mujeres como ella. “Ejercen su supuesto poder en sus trabajos todos los días y luego se van a casa solos. Es realmente desgarrador”.
Dado que encontró matices de Deirdre en un personaje que interpretó en «Daddy and Them» como la esposa abogada alcohólica y mayor de Ben Affleck, trajo una Polaroid de esa producción. Luego se apoyó en las artesanas Shirley Kurata, Anissa Salazar y Michele Chung (diseñadoras de vestuario, peluquería y maquillaje) para crear el mundo exterior de Deirdre.
“Josh Bramer, el diseñador de utilería, me ayudó con su muñequera para el túnel carpiano y el reloj que llevaba encima, que era mi aspecto favorito. Para mí, todo el objetivo es la libertad. Me sentí tan libre durante este trabajo como lo he hecho en cualquier cosa que haya hecho”.
Un elemento importante para que Curtis captara la cabeza de Deirdre fueron las hermosas uñas rojas de su personaje. “Se enorgullece de ellos y va al salón de belleza todos los fines de semana para perfeccionar sus uñas. La única área de control sobre sí misma que tiene”.
Danielle Deadwyler interpretó a una de las mujeres más importantes de la historia de Estados Unidos —la madre de Emmett Louis Till, Mamie Till-Mobley, que busca justicia para su hijo secuestrado y linchado de manera devastadora en el Mississippi de la década de 1950— y vio su papel en «Till» de Chinonye Chukwu como una gran responsabilidad.
“Teniendo en cuenta el impacto que Mamie tuvo en la historia, era imperativo para mí avanzar intencionalmente en la preparación para [the role]. Recibí una gran cantidad de recursos de archivo, desde material de archivo e historias de primera cuenta, hasta sus propias palabras en sus memorias, ‘Death of Innocence’”, dice el actor.
Para Deadwyler, una escena o aspecto de la película no era necesariamente más desafiante que el resto. “¿Cómo presentamos la naturaleza pública versus privada de Mamie como una mujer negra próspera del norte y una mujer negra condenada en el sur? Siempre fue una cuestión de abordar cada escena y la película en su conjunto. La tensión es perpetua en la experiencia de Mamie y de las familias negras que han perdido a su familia por el terrorismo y el racismo de los blancos”, dice. “Chinonye y yo analizamos juntos cada grieta del guión para llegar al corazón de la humanidad de Mamie y su evolución hacia el activismo. No hay preparación para lo que se moldeará el duelo. El dolor que Mamie transfiguró inevitablemente [helped] nacimiento del movimiento por los derechos civiles”.
Para los exigentes primeros planos y tomas largas de la película, Deadwyler se basó en sus raíces en el escenario. “En el teatro [stage], la experiencia es continua, inquebrantable y consumidora. El peso de la película exigía [similar] rigor en cada escena.”
“La ballena” de Darren Aronofsky le dio a Hong Chau el tipo de papel secundario complejo que siempre le ha gustado, uno que podría merecer su propia película. Le encantaba calibrar las diferentes cualidades de su personaje, Liz, mientras cuidaba a su amigo con sobrepeso, Charlie (Brendan Fraser). “Este fue un momento memorable para mí porque acababa de tener a mi primer hijo”, recuerda. “Lo que finalmente me hizo lanzar mi sombrero en el ring fue la empatía por Charlie como padre. A pesar de que estaba tan feliz sosteniendo mi pequeña pepita, ya me lamentaba de no poder conocerla tanto como me gustaría. Hay un reloj para todos nosotros. Esta historia es un recordatorio sobrio”.
Aprovechar la oscuridad y el anhelo de Liz fue su tarea más difícil. Ella dice: “Tuve que dejar cualquier vanidad sobre mi apariencia. Mis labios estaban agrietados. Pedí ropa que me hiciera ver como alguien que come palitos de mozzarella sobrantes fríos para el desayuno”.
Para promover su desarrollo de Liz, se le ocurrieron herramientas fuera del guión. “Creo que Liz era una niña salvaje [in her youth], rebelándose contra su familia opresora. Pedí tatuajes. Todas las mañanas, Judy Chin, nuestra maravillosa jefa del departamento de maquillaje, se tatuaba las [my body]. Realmente no ves los tatuajes en la película. Era solo para mí.
“Algo de lo que los Daniels y yo hablamos fue sobre la creación de un villano que tuviera un fuerte núcleo filosófico”, dice Stephanie Hsu, sobre sus roles duales de Joy y Jobu en “Everything Everywhere All at Once”.
Mientras que Joy es una hija frustrada pero cariñosa, Jobu es el villano de la historia.
“No da miedo dar miedo. Ustedes [had to] saber que algo salió mal y luego ella comenzó
actuando.”
Hsu investigó mucho, pero sobre todo en los papeles masculinos interpretados por personajes como Jim Carrey y Joaquin Phoenix. “Quería aprovechar ese carácter grotesco de personajes salvajes y volátiles que no vemos en las mujeres [portray] mucho.
Lo más aterrador fue darme permiso para ir allí: estamos tan condicionados para sentirnos agradables. [as women]. Esa fue una dificultad realmente interesante”.
Otra preocupación para Hsu era aferrarse al mismo latido del corazón que Joy y Jobu. “Es una hija que busca la aceptación de su madre. Tenía que comprender realmente la profundidad de la tristeza y la desesperación de Joy y asegurarme de que Jobu proviniera de ese lugar de integridad”.
Para sus complicadas escenas de acción, Hsu dependía de la leyenda de Wushu Li Jing, quien interpreta a un maestro de kung fu en la película. Hsu dice: “Ella me entrenó en Wushu, [which] tiene una filosofía de artes marciales muy zen. Se trata de poder interno”.
En “The Banshees of Inisherin” de Martin McDonagh, Kerry Condon sabía que su inteligente y profundo personaje, Siobhan, tenía que ser diferente de todos los que la rodeaban en la remota isla irlandesa de la película en la década de 1920. Enfrentó ese desafío combinando un borde optimista con la tristeza y la soledad de Siobhan al frente. “Está hastiada y cansada de su existencia. Pero tiene que haber un aspecto esperanzador en ella porque piensa más allá de la isla. Así que tuve que encontrar los momentos en los que todavía había un tipo de esperanza juvenil en ella”, dice Condon. “Pero también los momentos en los que pude demostrar que si ella se queda en la isla, va a terminar mal. Ella se deprimirá y empeorará. Así que ese equilibrio fue un poco complicado para mí. Pero Martin me ayudó con eso”.
Para la tristeza interna de su personaje, Condon se basó en la noción de dolor, considerando una pérdida que Siobhan había sufrido recientemente.
“Supe desde el principio que los padres habían muerto. Las personas manejan el dolor de manera muy diferente y Siobhan estaba en privado en un viaje solitario en el que no puede sacudirse».
Condon también fue ayudado por el vestuario de Siobhan. “La ropa, como ella [distinct] abrigo amarillo, mostró que estaba pensando más allá de otras personas. No tenía miedo de ser ella misma y diferente”.
«Lo más desafiante para mí fue su acento», dice Dolly De Leon sobre interpretar a Abigail, el personal de cubierta convertido en «capitán» de la sátira de Ruben Östlund «Triangle of Sadness».
Con el fin de crear un acento auténtico para Abigail, De Leon consideró la trayectoria de su vida creciendo en Filipinas, transfiriéndose de puerto en puerto y conociendo diferentes nacionalidades.
“Ella tendría un acento difícil de rastrear. Tuve que buscar la ayuda de algunos actores suecos que estaban con nosotros en Suecia durante el rodaje. No quería ofender a ninguno de nuestros trabajadores filipinos en el extranjero. Quería que sonara humana, no como una caricatura”.
Para entrar en el espacio mental de Abigail, De Leon creó una cuidadosa historia de fondo para ella. “Escribí un diario y hablé sobre su pasado: desde sus padres hasta su crecimiento y adultez; todos los eventos en su vida que la llevaron a ser el tipo de persona en la que terminó. Creció pobre, pescando. Se vio obligada a trabajar a una edad temprana. Trabajó para una familia adinerada y se enamoró de [their] hijo. Ella quedó embarazada y él no quería el bebé. Fue rechazada por su propia familia. Eso cambió toda su perspectiva sobre los hombres, los ricos y la sociedad”.
«Solo tenías que confiar en el guión y lanzarte», dice Olivia Colman sobre el desafío de interpretar a Hilary, una directora de cine de la década de 1980 en «Empire of Light» de Sam Mendes, una película basada libremente en la propia vida del cineasta e informada por las luchas de salud mental de su madre en esa época. Para interpretar el papel con veracidad, Colman confió en tener a Mendes a su lado.
“Si alguna vez tuviera preguntas, Sam podría decirme exactamente lo que recordaba. Creció observando cada pequeño movimiento y cambio: un cambio en la medicación, un cambio en el maquillaje significaba que algo se avecinaba. Era hijo único criado por alguien que se enfrentaba a graves problemas de salud mental, y observó cada momento. Era un ‘cuidador joven’ antes de que supiéramos realmente lo que eso significaba”.
Para una escena emocional que sigue a Hilary mientras experimenta la magia de las películas por primera vez en un cine y en la pantalla grande, Colman recordó haber visto «Bambi» cuando era niña y nunca haberlo superado.
“Años después, vi ‘Breaking the Waves’ y Emily Watson me impactó. Me encanta la sensación de rendirme a una historia y llorar y resoplar o reír junto con ella.