La diversidad de funciones animadas, tanto de contenido como de montaje, sigue evolucionando al unísono con los pasos agigantados casi diarios de la tecnología cinematográfica. Este panorama en constante cambio crea nuevos desafíos y oportunidades para que los directores cuenten historias que encapsulen todo, desde espectáculos épicos de gran éxito hasta dramas personales impulsados por relaciones.
«La animación es un medio tan poderoso para explorar temas complicados de una manera fácilmente accesible», dice el director de Pixar Domee Shi, cuyo «Turning Red» cuenta la historia de la mayoría de edad de Mei, una niña de 13 años en la década de 2000. era Toronto, que se convierte en un panda rojo gigante al comienzo de la pubertad. “Creo que la animación también casi engaña a la audiencia para que crea un poco más en la lógica mágica, porque ya es una versión abstracta de la realidad”.
En un proceso que tomó más de cuatro años, Shi utilizó algunas de las tecnologías más punteras de la industria para expandir progresivamente su equipo de colaboradores, desde dos coautores (Sarah Streicher para el primer borrador y luego Julia Cho para los subsiguientes), a todos los ojos, oídos, manos y eventuales voces adicionales que dan vida a la película.
Durante el confinamiento por la COVID de 2020, mantuvo conversaciones remotas con su codirector de fotografía Mahyar Abousaeedi (junto con Jonathan Pytko) sobre la escala de la ubicación del estadio para una secuencia fundamental.
Shi recuerda: «Él dijo: ‘¿Qué tal si te llevo al interior del estadio solo para mostrarte lo grande y pequeño que es en realidad?'». Utilizando el equipo de realidad virtual enviado a su casa, exploraron juntos las dimensiones del lugar. “Estoy parado en mi habitación de invitados y estamos dando vueltas por el estadio. Fue divertido”, dice ella.
Shi se abrió camino en las clasificaciones de Pixar como artista de historias («Inside Out»), artista de guiones gráficos («Incredibles 2», «Toy Story 4») y ganó un Oscar por cortometraje animado por «Bao» de 2018.
A pesar de su uso de herramientas de alta tecnología, siempre ve el carácter como el núcleo del trabajo.
“Sé que cada director aborda una película de manera diferente, pero para mí encontré mucho éxito a través de los personajes primero, en lugar de la historia primero o la trama primero”, dice. “Para mí, el personaje de Mei y su madre, eso fue lo primero que se materializó”.
Comenzar con una idea inicial personal que se convirtió en un largometraje también se aplica a «Wendell & Wild» de Henry Selick, que comenzó hace 20 años como un boceto que dibujó de sus dos hijos pequeños como demonios, y una historia correspondiente de siete páginas que guardó. lejos en ese momento.
El veterano director («Coraline», «Pesadilla antes de Navidad») se hizo fanático de Keegan-Michael Key y Jordan Peele de su programa Comedy Central y pensó que el dúo encajaría bien con sus hermanos demonios.
“Ambos estaban interesados en trabajar conmigo, pero Jordan quería hacer más”, dice Selick, señalando que la conversación tuvo lugar en 2015, justo antes de que “Get Out” alterara la trayectoria profesional de Peele. “Básicamente, propuso la idea de ser un colaborador total conmigo; no quería solo hacer voces”.
Selick y Peele trabajaron juntos en el guión, reelaboraron elementos y personajes, y comenzaron las pruebas de animación en el verano de 2018. Después de un cierre de casi un año debido a COVID, la película llegó a Netflix en el otoño después de su estreno en el Toronto Intl. de este año. Festival de Cine.
Si bien la marca de animación stop-motion de Selick se remonta a los clásicos de la vieja escuela de directores como Ray Harryhausen, mantiene una mente abierta hacia las innovaciones modernas.
“Después de décadas de hacer esto, hay ciertas cosas que se arreglan, pero también me gusta explorar cosas nuevas”, dice, describiendo una secuencia en “Wendell & Wild” en la que los hermanos del mismo nombre invaden un sueño de la protagonista, Kat. , como gigantescas manos y rostros flotantes. “Se nos ocurrió una técnica completamente nueva sobre cómo hacer esas manos y rostros y cómo animarlos. No se parecen a nada que se haya hecho alguna vez en stop motion”.
El trabajo minucioso y práctico que implica la animación stop-motion también se exhibe esta temporada en otra película de Netflix, «Guillermo del Toro’s Pinocchio», que Del Toro y su codirector Mark Gustafson dedicaron más de una década a desarrollar, incluso antes de sus cinco años de cuidada producción.
“El medio es mi medio favorito. Lo practiqué, lo enseñé en la escuela y hasta lo hice profesionalmente en México, pero hacía décadas que intentaba retomarlo”, dice del Toro. “Pensé que una historia sobre un títere en un mundo de títeres era ideal y cautivaría al público con algo que se sintiera hecho a mano y tallado, pintado, renderizado e iluminado a mano. Hay algo mágico en ello”.
Del Toro, cuyas películas asombrosamente visuales y fantásticas incluyen las ganadoras del Oscar «La forma del agua» y «El laberinto del fauno», agrega que «Pinocho» no es una película para niños pequeños (pero los niños pueden verla si sus padres les hablan) , y que espera que la animación pueda participar en algunas de las conversaciones que disfrutan las películas de acción real durante las temporadas de premios, como la cinematografía y el diseño de producción.
“Y espero que también podamos producir películas de manera más constante que eleven el estatus de la animación”, dice. “La animación no es un género. Es un medio, y debemos buscar diversas formas de usarlo”.
Al igual que Selick, el codirector Gustafson, quien también se desempeñó como director de animación en «Fantastic Mr. Fox», también reconoce a Harryhausen como una inspiración. “Nos paramos sobre los hombros de gigantes y avanzamos un cuadro a la vez”, dice.
Debido a que las locaciones, la acción y las leyes de la naturaleza son ilimitadas en la animación, la leyenda y el folclore ofrecen un terreno fértil para la creatividad, y «El gato con botas: El último deseo» de este año, un spin-off de las películas «Shrek» de DreamWorks Animation, es sin excepción. Las películas anteriores de «Shrek» habían explorado personajes de todo el panteón de los cuentos de hadas, pero había más territorio por explorar.
«Nos sumergimos en un nuevo territorio de cuento de hadas, que son los cuentos de hadas de Grimm, que pueden oscurecerse un poco, y eso fue emocionante», dice el director de «El gato con botas», Joel Crawford.
Él y su equipo querían crear un estilo visual complementario para la película a fin de realzar la sensación mítica de libro de cuentos que querían transmitir.
“¿Qué pasaría si pareciera que te arrojaron en una pintura de cuento de hadas? Así que casi puedes ver las pinceladas en todo”, dice Crawford. «Te sientes como si estuvieras inmerso en un cuento de hadas, mezclando el CG con una sensación de dibujo a mano».
Al igual que con Shi en Pixar, Crawford pasó años en DreamWorks trabajando en películas como artista de historias («Shrek Forever After», «Kung Fu Panda 2») y director de la historia («Trolls») antes de saltar por primera vez a la silla del director para » The Croods: A New Age” y ahora “Puss in Boots”. En consecuencia, cada uno de estos directores se apresura a dar crédito a sus equipos y a los cientos, si no miles, de manos que dan vida a sus personajes de cuentos de hadas, pandas rojos gigantes, demonios del purgatorio y títeres que desean ser reales, para audiencias de todas las edades. Entienden demasiado vívidamente lo que es estar en los zapatos de las personas a las que les da órdenes de marcha.
“La animación es muy colaborativa”, dice. “Cuanto más comprenda todo el trabajo que se lleva a cabo entre bastidores, si está pidiendo algo, la mayoría de las veces sabrá que no es fácil. Sabes que va a requerir un poco de sangre, sudor y lágrimas para impulsar las cosas”.