El director Mark Mylod analiza la canalización del personaje de Ralph Fiennes para crear la apariencia de su sátira de «comer a los ricos».
Las películas que tienen lugar predominantemente en un lugar son, quizás, algo así como un gusto adquirido. Es un desafío hacer que un solo espacio se sienta expansivo y lleno de posibilidades, evitar que las tomas se sientan repetitivas o aburridas y ajustar el paisaje visual de la película, pero no demasiado, para que evolucione a medida que avanza la historia. “The Menu” no es la única película en 2022 que se desarrolla casi en su totalidad en una isla privada o con un gran elenco que trabaja a través de nuestra profunda podredumbre social al sentarse y hablar entre ellos. Pero para la historia de la película de un grupo de comensales que viajan al extremadamente exclusivo restaurante Hawthorne dirigido por el célebre chef Slowik (Ralph Fiennes, recibiendo mucho más que una cena y un espectáculo en el camino), el director Mark Mylod descubrió que las limitaciones del espacio y la psicología del antagonista lo ayudó a combinar los elementos de la sátira, la comedia negra y el thriller psicológico en un solo plato.
“Sabía que sería un gran desafío tomar una habitación donde mucha gente se sienta durante mucho tiempo y, de hecho, darle esa energía cinética y hacerla dinámica como espacio”, dijo Mylod a IndieWire. “Este fue un viaje que está totalmente controlado por el chef. ¿Cómo lo haría? Ese fue un ejercicio realmente interesante, en particular, supongo que después de haber filmado la temporada 3 de ‘Succession’, que tiene una gramática de cámara tan diferente, un metrónomo tan diferente para la edición: algunos temas superpuestos similares, sin duda, pero un metrónomo muy diferente a él.”
Para encontrar un ritmo más mordaz y controlado y una perspectiva visual para «The Menu», Mylod recurrió a películas como «Parasite» de Bong Joon Ho, «The Exterminating Angel» de Luis Buñuel y «Misery» de Reiner, que, aunque limitan los espacios donde se desarrolla la acción encuentran un dinamismo eléctrico a través de la colocación de cámaras, arquitectura evocadora y escenografía e iluminación emotiva. Y Hawthorne, el restaurante de Slowik, fue diseñado para facilitar todas esas cosas.
“Dos elementos clave para mí fueron que existía esta cocina abierta para que pudiéramos tener dos mundos: esta especie de microcosmos de la sociedad hasta cierto punto, ‘los que dan y los que toman’, entre el comedor y la cocina. Cuando la cámara está en el comedor con los comensales, me encanta la idea de tener este tipo de elemento oculto de los cocineros al acecho y su amenaza a través de la coreografía militar de su trabajo que siempre continúa, ya sabes, incluso con una profundidad relativamente limitada. de campo La amenaza siempre presente y ligeramente desenfocada para los comensales era importante”, dijo Mylod. “Luego, girando 180 grados hacia la ventana, [production designer Ethan Tobman] creó esta enorme pared de ventanas, vidrio irrompible mirando hacia el océano, proporcionando esta barrera entre los comensales y esa libertad insostenible e inalcanzable representada por el océano fuera de esa ventana”.
Escuche toda la discusión a continuación o siga leyendo para obtener extractos de la conversación. Para escuchar esta y más conversaciones con sus creadores de cine y televisión favoritos, suscríbase al podcast Toolkit a través de Apple Podcasts, Pocket Casts, Spotify u Overcast.
Además de atrapar los elementos de arriba y abajo de la historia en el mismo búnker brutalmente elegante, Mylod ajustó la sensación del espacio del restaurante a través de la iluminación. “Lo planeamos para que el sol se oscureciera gradualmente en el transcurso de la noche, aislando y ejerciendo más presión sobre nuestros personajes”, dijo Mylod. “Entonces realmente todo se reduce a la puesta en escena en términos de usar el movimiento principalmente del chef Slowik. Todo en este mundo es su universo y eso informó mucho del proceso. De hecho, me encontré preguntándome, ya sabes, qué haría el Chef Slowik muchas veces en términos de perfeccionar el diseño y las posiciones de la cámara, particularmente al fotografiar su mundo, la comida o los chefs, todo lo que sucede en la cocina”.
El mundo de la fotografía de comida era nuevo para Mylod, uno que informaba cada faceta de la realización de películas, pero quizás lo que más ayudó a dar forma al florecimiento final del curso del chef Slowik. Mylod había revisado «Chef’s Table» como investigación para el trabajo que en última instancia conduciría tanto al éxito como a la autodestrucción de Slowik, y para el final recordó una toma de David Gelb que se convirtió en parte de la secuencia del título de ese programa, de un postre deconstruido por Grant. Achatz donde todos los elementos estaban, efectivamente, esparcidos sobre el mantel.
“Empecé a pensar, ¿y si hiciéramos eso para todo el restaurante, sabes? ¿Lo amplió para que todo el restaurante fuera el postre? Y tan pronto como comencé a hablar de esto y a dibujarlo con Ethan y [cinematographer Peter Deming] y [costume designer Amy Westcott] y comenzamos a tratar de resolver todos los elementos que necesitamos para hacer eso, resultó que era casi ridículamente difícil de lograr”, dijo Mylod. “Tuvimos que cortar un agujero especial en el techo de la construcción de nuestro restaurante para obtener [the shot]sabiendo el ángulo que necesitábamos y la altura correcta para ello con nuestra relación de aspecto”.
«El menú»
Eric Zachanowich
Con las imágenes correctas marcadas, Mylod agregó profundidad emocional y textura al espacio a través del sonido. Al igual que el set que permite la narración simultánea de historias en los dos planos socioeconómicos claros del restaurante, Mylod quería poder encontrar la historia que sucede en todas las mesas de los comensales en las conversaciones que tienen. Es algo que Mylod ha hecho antes en episodios clave de “Succession” y también algo que admira en el trabajo de Robert Altman.
“Leí mucho sobre la forma de trabajar de Altman y también trabajé con dos actores brillantes, Charles Dance y Michael Gabon, que estaban en ‘Gosford Park’, que fue otro gran punto de referencia para mí con ‘The Menu’. Y me dijeron cómo Robert trabajó con ellos en el set. Todo el mundo estaba en el micrófono todo el tiempo”, dijo Mylod. “Así que trabajábamos con dos mezcladores de sonido: estoy siendo un poco reductivo a su increíble oficio, pero básicamente uno se concentraría en el guión principal y el otro estaría realmente aislando este sentido darwiniano de ‘Está bien, ¿dónde hay algo? interesante suceso en qué mesa?’ Estaría alentando a los actores a que básicamente improvisen todo el tiempo para que en todo momento la cámara pueda encontrar cualquier pieza de acción en cualquier mesa”.
Ya sea que se trate de los incesantes ouroboros de esnobismo de Janet McTeer y Paul Adelstein o de las bromas atrofiadas de tech-bro de Rob Yang, Arturo Castro y Mark St. Cyr o (MVP del sigilo) el asado deliciosamente inexpresivo de Aimee Carrero del jefe estrella de cine de John Leguizamo, cada mesa tiene un leve diferente ritmo y textura, lo que significa que Mylod es capaz de agregar variedad sonora y hacer que las tomas que se mueven entre los comensales se sientan más frescas, incluso si las composiciones siguen siendo las mismas. “Sabes, es un comedor, pero quizás haya 15, 16 actores en el set en cualquier momento, así que trabajar con ellos se convirtió en mi prioridad, supongo, entre otras cosas. [And shooting chronologically] nos permitió a todos emprender un viaje al mismo tiempo”, dijo Mylod.
«El menú»
Cortesía de reflector
Pero al igual que con las imágenes de la película, tanto el sonido como la partitura de «The Menu» finalmente regresan a Slowik para Mylod. “Aprovechamos cualquier oportunidad para convertir el sonido en un arma para, con suerte, poner a la audiencia un poco nerviosa, incluso con el silbido del aire cada vez que la puerta estaba abierta. Elementos como este construyeron y, con suerte, crearon un paisaje sonoro de la misma manera que, con suerte, creamos visualmente”, dijo Mylod.
El paisaje sonoro en muchos sentidos es lo que inicia las transiciones en las imágenes, de hecho, ya que la película gira cada vez que Slowik (y, finalmente, Margot de Anya Taylor-Joy) cambia de curso con un aplauso increíblemente agudo. “El equipo de sonido fue simplemente brillante al enviar innumerables iteraciones del aplauso o la rotura del vidrio cuando Tyler (Nicholas Hoult) tira el vidrio”, dijo Mylod.
La partitura fue el ingrediente final de Mylod, agregando una articulación emocional de los sentimientos de los personajes que en realidad nunca expresarían ni mostrarían. “Yo había visto el camino [composer Colin Stetson] trabajó en ‘Hereditary’ y su negativa a ir a por [the obvious cue]. Entonces, con la banda sonora, supe que él nunca [go for] un susto de salto. Siempre sería más una construcción lenta, casi una celebración. Porque de nuevo, ¿qué haría Slowik? Esta es su noche. Y sabes, para él, la película tuvo un final muy feliz, una trascendencia y liberación que anhelaba desde hace tanto tiempo. Así que tenía que haber un elemento de belleza y celebración en eso, así como, con suerte, una miríada de otras emociones”.
El podcast de Filmmaker Toolkit está disponible en Apple Podcasts, Spotify, Overcast y Stitcher.
Inscribirse: ¡Manténgase al tanto de las últimas noticias de cine y televisión! Regístrese aquí para recibir nuestros boletines por correo electrónico.