A veces, solo a veces, un programa de concierto puede producir algo tan original, tan inesperado que puede eclipsar el evento principal. Reich/Richter –una colaboración espectacular entre el compositor estadounidense Steve Reich y el artista alemán Gerhard Richter– fue sin duda la primera de la cartelera de la London Sinfonietta en el Festival Hall, pero la pieza que quedó grabada en la mente después fue completamente diferente y solo duró seis minutos.
El golpe de Anna Clyne Tiempo fracturado tuvo su estreno mundial modestamente metido entre cuatro piezas contemporáneas menores que componían la primera mitad del programa. Es un torbellino frenético de creatividad que, según el compositor, “explora la experiencia del tiempo en estados de fiebre, lucidez y ansiedad”.
Logra todo esto con un grado extraordinario de sofisticación concentrada. Otros compositores difundirían su miríada de ideas en un lienzo más amplio, pero Clyne se contenta con dejarnos atrás, sin aliento por la velocidad a la que cambia de un estado de ánimo a otro, de un género a otro. Una melodía de «salón» deliciosamente sensiblera, que presumiblemente representa la lucidez, da paso a nerviosismo disperso, con fragmentos de Stravinsky incorporados para aumentar la tensión. Regresamos al schmaltz antes de partir ruidosamente en otra dirección, esta vez con Shostakovich como compañía. Y luego se acaba, desaparece antes de que puedas asimilarlo todo.
Tiempo fracturado seguramente entrará en el repertorio. Fue encargado por la Orquesta de Cámara Kaleidoscope de Los Ángeles y compartido con la Sinfonietta para su estreno. Lo jugaron brillantemente. No puedo esperar a escucharlo de nuevo.
Tuve la suerte de estar en el estreno de 2019 de Reich/Richter cuando inauguró The Shed, el centro cultural de Nueva York valorado en 500 millones de dólares, parte de una remodelación valorada en 25.000 millones de dólares del distrito de Hudson Yards de la ciudad, entonces el proyecto de construcción más grande de EE. UU. (Esto fue cuando Londres todavía estaba planeando un ambicioso Centro para la Música y todos los ojos estaban puestos en los arquitectos de Shed, Diller Scofidio + Renfro, quienes diseñarían el centro; qué lejanos parecen ahora esos días). El estreno de Shed tuvo sus problemas. La obra, compuesta para cuerdas, instrumentos de viento madera, dos pianos y dos vibráfonos, está diseñada para complementar la película. Imagen en movimiento (946-3) de Richter y Corinna Belz. Esto se proyectó en formato pequeño en una pared en un extremo de una habitación de piso plano, con Ensemble Signal en el otro. Los miembros de la audiencia se pararon de espaldas a la banda, perdiendo parte de la conexión con la música y oscureciendo gran parte de la película.
Nick Pritchard (sin relación, lamentablemente) cantó de memoria con un cuidado exquisito, comunicándose directamente con cada uno de nosotros.
No hubo tales problemas en el Royal Festival Hall, con Imagen en movimiento proyectado en una pantalla gigante detrás de la Sinfonietta para que pudiéramos apreciar de inmediato la sinergia entre partitura e imagen. La película se abrió con bandas de color de dos píxeles, combinadas con un patrón oscilante de dos corcheas. A medida que los píxeles aumentan a cuatro, el patrón se mueve a cuatro corcheas, luego a ocho y 16, y así sucesivamente. Eventualmente, esto se vuelve imposible de sostener ya que el telar digital de la película teje diseños cada vez más intrincados en su camino hacia los 1064 píxeles, por lo que Reich introduce valores de nota más largos, ralentizando la música mientras toda la pantalla se llena con formas exóticas que se multiplican constantemente.
Estos se disipan gradualmente a medida que se reduce el número de píxeles y la imagen vuelve a su estado original, la música sigue su ejemplo. El rigor matemático de Reich tiene la intensidad de Bach y produce, como tan a menudo en Bach, música alegremente optimista y edificante, particularmente en las secciones de apertura y cierre de Reich/Richter. El director Manoj Kamps fue la cabeza fría que mantuvo todo junto tan triunfalmente.
Y así al propio JS Bach. Los plazos de impresión son implacables y conspiran todos los años para mantener las reseñas musicales de Pascua fuera de los periódicos del Domingo de Pascua, así que consiénteme un momento mientras vuelvo y reflexiono sobre el Viernes Santo. San Juan Pasión, interpretada por Polyphony y la Orquesta del Siglo de las Luces, bajo la dirección de Stephen Layton. Incluso con la disminución de la asistencia a la iglesia, parece que el deseo de escuchar la historia cristiana y su mensaje de redención es más fuerte que nunca en estos tiempos febriles, con representaciones de las Pasiones de Bach atrayendo a grandes audiencias en todo el país en busca de un sentido de lo divino.
Por supuesto, siempre se puede encontrar una profunda espiritualidad en Bach, pero particularmente cuando es interpretado con tanta sinceridad por músicos de primer nivel como el tenor Nick Pritchard (sin relación, lamentablemente), evangelista en la interpretación de polifonía. Cantó de memoria con un cuidado tan exquisito, comunicándonos su historia directamente a cada uno de nosotros, a menudo suave y amable, dolido por lo que tenía que contar y luego visiblemente enojado con el coro de cabezas huecas que clamaba por la crucifixión de Jesús. Esta fue una interpretación sobresaliente, un evangelista para hoy.
El bajo Ashley Riches fue igualmente vívido en su interpretación del cínico Pilato, con solos intensos y conmovedores de la soprano Rowan Pierce, el tenor Ruairi Bowen y la mezzo Helen Charlston, quienes manejaron el dolor y el triunfo en Es ist vollbracht! con una claridad sorprendente. Obbligato tocando desde dentro de la orquesta fue elegante en todo momento. Y detrás de todos ellos, sólida como una roca, alerta a todos los matices del drama, estaba Polyphony, con una dicción nítida y una fraseología meticulosa. Simplemente magnífico.
Calificaciones de estrellas (de cinco)
Reich/Richter ★★★★
San Juan Pasión ★★★★★