Venecia: el director Abel Ferrara divide la película entre una alegoría política barata y una lucha psicológica seria.
Lo primero es lo primero, la última película de Abel Ferrara, “Padre Pio”, no puede describirse exactamente como un drama biográfico sobre Francesco Forgione, el fraile franciscano capuchino cuyos estigmas y habilidades místicas, así como sus vínculos con el fascismo y su posterior rechazo. le valió controversia durante su vida. Si bien Shia LaBeouf interpreta a Pio y la película a veces lo presenta, Ferrara no está muy interesada en los detalles de su vida en un sentido convencional. De hecho, pasa gran parte del tiempo de ejecución de la película entre los trabajadores agrícolas explotados de las zonas rurales del sur de Italia que abrazan el socialismo como un medio para combatir a sus opresores fascistas. Mientras tanto, Pio aparece en viñetas inconexas que luchan con su culpa por varias fallas personales, como su evasión del servicio militar y sus numerosos pecados pasados.
La estructura bifurcada y el desprecio por las convenciones biográficas son enfoques bienvenidos, especialmente para un estilista provocativo como Ferrara, pero «Padre Pio» no puede generar interés en ninguna de las narrativas, las cuales se ven empañadas por actuaciones desiguales y una escritura vaga y chapucera. Ferrara todavía puede crear imágenes convincentes y armar una secuencia impresionante, como la larga presentación de los soldados que regresan a casa en la ciudad de San Giovanni Rotondo después de la Primera Guerra Mundial, que tiene una inmediatez trágica y mareada. Pero las torpes maquinaciones melodramáticas de la película obstaculizan sus esfuerzos por crear un tono austero, convirtiendo a “Padre Pio” en su mayor parte en un desastre sin desarrollar.
Es una pena porque, en teoría, la parte del levantamiento obrero del “Padre Pío” podría haber sido convincente por sus propios méritos. Los debates sobre los méritos de la campaña electoral frente a la agitación colectiva pueden resultar familiares, pero no menos relevantes o interesantes. Ferrara y el coguionista Maurizio Braucci claramente tienen la intención de que las quejas fascistas contra la retórica izquierdista y los gritos de una elección robada tengan una resonancia trumpiana, pero ciertamente es posible que la estética minimalista le haya dado algo de jugo a una asociación tan contemporánea. Desafortunadamente, pocas de estas escenas llenas de diálogo tienen algún tipo de ritmo, avanzando lentamente de un punto a otro. Las escenas más de observación, como cuando los trabajadores agrícolas transportan rocas pesadas como un grupo de cadenas, funcionan mejor, pero incluso esas se sienten un poco monótonas, con la cámara de mano frenética de Ferrara haciendo demasiado trabajo pesado.
Dado que «Padre Pio» presenta mucho aire muerto, por así decirlo, es fácil concentrarse en las idiosincrasias que ocasionalmente distraen y frecuentemente divierten. La elección de Ferrara de que todo el elenco italiano hable en inglés a veces le da a sus lecturas de línea un toque camp, como cuando el líder revolucionario Luigi (Vincenzo Crea) comienza a mugir como una vaca en una reunión para ilustrar cómo la naturaleza es un ciclo de cambio constante, o un terrateniente gritando: “¡Todos ustedes, esta es mi tierra!” mientras dispara salvajemente un arma a un caballo en una gruesa inflexión italiana. Del mismo modo, el clásico de gospel blues de Blind Willie Johnson «Dark Was the Night, Cold Was the Ground», una de las 27 canciones incluidas en el Voyager Golden Record lanzadas al espacio, la música de la muerte de un trabajador por agotamiento tiene una cierta cualidad sorprendente. No está claro si estos momentos están destinados a ser exagerados hasta el punto de la abstracción o si simplemente hay una desconexión entre el concepto y la ejecución.
Las escenas de Pio, por otro lado, son al menos más interesantes desde una perspectiva de autor, aunque solo sea porque encajan claramente en las obsesiones temáticas de Ferrara de la culpa católica, las diversas amenazas de tentación y pecado dentro de un ambiente enclaustrado, y el fracturado relación entre cuerpo y mente. Ferrara nunca hace explícito el contexto histórico o biográfico del tormento personal de Pio, lo que le da a la lucha de Pio una calidad inquietante por implicación. Pero con demasiada frecuencia, LaBeouf reflexiona, llora y aconseja a otros en el vacío, lo que finalmente los hace sentir bastante vacíos.
En ciertas secuencias, sin embargo, LaBeouf compele perversamente como un hombre en medio de una crisis espiritual permanente, luchando por encontrar la salvación usando sus poderes místicos para retribuir a la comunidad. Su puro compromiso con el papel combinado con la paciencia formal de Ferrara inyecta cierta potencia emocional en una escena en la que Pío cura milagrosamente a un hombre discapacitado en la calle. Sin embargo, hay tantos cuando LaBeouf simplemente se parece a una colección ambulante de tics serios y gestos de una sola nota. Pio acurrucado desnudo en la esquina de una habitación gritando «¡Ayúdame!», una secuencia que presenta un primer plano de la cara manchada de lágrimas de LaBeouf mientras la saliva cuelga de su boca, probablemente debería parecer menos ridícula.
Muchas de las escenas de Pio provocan comparaciones transparentes con los intentos de redención de LaBeouf en la vida real a raíz de las graves acusaciones de abuso hechas por sus ex novias, la cantante FKA Twigs y la estilista Karolyn Pho. (Twigs presentó una demanda contra LaBeouf acusándolo de agresión sexual, agresión y angustia emocional. El juicio está programado para abril del próximo año). ¿»las malditas innumerables mujeres con las que has tenido tu manera narcisista»? Si bien la vida personal de LaBeouf ciertamente influye en su actuación, no le da inherentemente más gravedad a estos momentos. Están cargadas por nuestra conciencia extratextual de la vida de LaBeouf, pero rara vez las eleva.
Dicho esto, podría decirse que la mejor y más absurda escena de la película presenta a Asia Argento, acreditada como «Tall Man», que se acerca a Pio y le confiesa sus impulsos incestuosos hacia su hija. Pio condena al hombre por su falta de contrición y actitud alegre hacia la existencia de Dios y el Infierno. Una vez más, es posible leer esto como LaBeouf flagelando la parte de sí mismo que considera secular o amoral, ahora que se ha convertido al catolicismo. Líneas como “Dios es capaz de sacar el mayor bien de la peor tragedia” y “¿No sabes si existe el Infierno? Cuando llegues allí, te sentirás incómodo como LaBeouf enfrentándose a sí mismo. Pero si ese es el caso, su efecto se ve muy neutralizado por el hecho de que Pío sigue siendo la autoridad moral contra un hombre claramente inmoral. Para bien o para mal, la ambigüedad porosa y mareante de la escena es la quintaesencia de Ferrara, culminando con LaBeouf gritando histéricamente con una voz que se parece mucho a la del actor: “¡Cállate la boca! ¡Di, ‘Cristo es el Señor’!”
Es una pena que el resto de “Padre Pío” carezca de la tensión defectuosa de esa escena. En cambio, nos quedamos con dos narrativas trágicas inconexas que apenas se reflejan entre sí y comunican poco o nada, agravadas por la presencia de un actor controvertido que busca simpatía y admiración a través de una actuación despectiva o usa descaradamente el papel como un medio de comunicación personal. terapia. De cualquier manera, es un viaje aburrido a una conclusión inevitable.
Calificación: C
“Padre Pío” se estrenó en el Festival de Cine de Venecia de 2022. Actualmente está buscando distribución.
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