Desde un club fetichista gay animado como una caricatura de Disney hasta un par de comedias de terror corporal, el cortometraje está vivo y prospera en Park City.
Si bien las posibilidades de presentar un largometraje en Sundance pueden ser escasas, las presentaciones de cortometrajes son igual de competitivas. Para su primer año de regreso en persona después de dos años de un evento virtual, el festival recibió una cantidad récord de presentaciones de cortometrajes, con 10,980 entradas de todo el mundo que esperaban jugar en Park City. Los programadores de cortometrajes Mike Plante y Heidi Zwicker tuvieron la tarea de reducirlo a 64 cortometrajes, y aseguran a los aspirantes a cineastas de Sundance que verán cada uno de los envíos.
“Nos encantan todas estas películas individualmente, pero parte de elegirlas es lo bien que hablan juntas como programa”, dijo Zwicker a IndieWire durante una entrevista reciente. “Tienen que unirse para crear un todo cohesivo, donde cada uno esté haciendo algo diferente”.
Construir el programa de manera holística permite un amplio espectro de géneros y presupuestos, algo que Plante destaca como exclusivo de Sundance. “Pienso en muchos grandes festivales, encuentran películas que les gustan y las seleccionan. Entonces, cuando los ves en orden de ejecución en un teatro, es interesante cómo se enfrentarán entre sí”, dijo. “Si es una de las 20 mejores películas que supera todo lo demás, entran. Y luego, ¿qué más juegas allí? ¿Y qué es bueno y promete pero es un poco tosco?
Como programador de cortometrajes desde hace mucho tiempo, Plante dice que está feliz si alguno de sus cineastas logra hacer un largometraje. Con programas como Sundance Institute Labs, a menudo un cortometraje prometedor podría conducir a una relación de por vida con el festival. El año pasado, Zwicker se emocionó al ver la interpretación tan buena de «Nanny» de Nikyatu Jusu en el festival y durante su posterior lanzamiento, después de que su cortometraje «Suicide by Sunlight» se estrenara en Sundance en 2019.
Si bien los cortometrajes son una forma de arte en sí mismos, parte de lo que hace que seguir un cortometraje sea tan emocionante es saber que el próximo cineasta emocionante está esperando a que lo descubran. Sin más preámbulos, aquí están diez de los cortometrajes más emocionantes que se proyectan en Sundance este año.
El festival de este año se llevará a cabo del 19 al 29 de enero en Park City, Utah. Para obtener más información sobre las entradas tanto para los asistentes en persona como para los espectadores virtuales, diríjase aquí. Echa un vistazo a toda nuestra cobertura del festival aquí.
“Evacuación de Mama Emola”
Según los programadores, las presentaciones de Indonesia se multiplicaron por diez desde que el festival trajo el Festival de Cine de Sundance: Asia a Yakarta el año pasado, manteniéndose fiel a su misión de descubrir cineastas emergentes de todo el mundo. El largometraje de 2013 del cineasta indonesio Anggun Priambodo, “Rocket Rain”, se transmite actualmente en MUBI, pero su último corto muestra una marcada maduración para el cineasta independiente. “Evacuation of Mama Emola” sigue a un hombre encarcelado y una oficial de prisiones en un viaje para evacuar a su anciana madre de su pequeño pueblo durante la amenaza de un tsunami.
Filmada en agradable blanco y negro y tarareando con una corriente caprichosa, la extraña pareja discute en voz alta sobre el zumbido de la motocicleta. Con la tensión en aumento por la amenaza inminente, se involucran en un tira y afloja agradable sobre la ruta más rápida y los matices de «robar» versus «tomar prestado». Con una parada hilarante para un niño mecánico y la intriga de un grupo de saqueadores que recorren las casas evacuadas, la brisa corta de 18 minutos llega a su alegre conclusión. Estaría maduro para una adaptación cinematográfica si no fuera ya tan perfecto. —Jude seco
“Un océano doblado”
El guionista y director Ben Brewer fue uno de los siete artistas de efectos especiales en «Everything Everywhere All at Once», y se puede ver en su cortometraje, otro uso innovador de efectos especiales de baja fidelidad que va más allá de su aplicación más común. Esta extravagante e inspirada comedia de terror corporal del programa de cortos de medianoche utiliza un solo concepto de CGI que transforma el cuerpo para contar la inquietante historia de una relación que se une y se desmorona.
La descripción oficial dice que una pareja (Anabelle Lemieux y John Giacobbe) “se pierden el uno en el otro”, y eso sucede en términos literales demasiado discordantes e hilarantes para detallar aquí. No hace falta decir que a Brewer se le ocurrió un concepto brillante que utiliza su concepto de micropresupuesto de David Cronenberg para explorar la forma compleja en que las parejas forman vínculos a lo largo del tiempo y los sentimientos complicados que surgen cuando esos vínculos no duran. Sugiere un futuro brillante, extraño e impredecible para este nuevo cineasta. —Eric Kohn
“Evacuación de Mama Emola”
Sundance
«Tubería»
Combinando un estilo de animación de la vieja escuela con temas deliciosamente adultos, esta alegre comedia en blanco y negro parece una de las primeras caricaturas de Disney cruzada con manga gay. Cuando un (real) oso plomero se presenta a su último trabajo, se encuentra inundado por las imágenes y los sonidos de un club fetichista gay. Instantáneamente se pone a sudar en su pequeño overol, la masa de cuerpos, extremidades y cuero lo distraen de la tarea que tiene entre manos. Mientras un desfile de tubos de pene, chorros de agua y herramientas multipropósito bailan, el plomero destapa sus verdaderos deseos.
Recién graduado de la Escuela de Artes y Diseño de Lucerna, el animador suizo Kilian Feusi demuestra ser un artista humorístico con un ojo caprichoso y una racha saludable pero subversiva. Mas por favor. —JD
“La canción de Claudio”
Es difícil imaginar que encontrará una película más extraña, más ambiciosa e inclasificable en el Sundance de este año que “Claudio’s Song”, al menos una que dure 10 minutos. La odisea de cambio de forma en miniatura del director sueco Andreas Nilsson comienza como la historia de unos delincuentes que secuestran a un influencer de las redes sociales después de mantener su cuenta como rehén y luego deciden matarlo. A partir de ese comienzo escandaloso y satírico, la película toma algunos otros giros, transformándose en un musical seductor y terminando en el futuro.
El surrealismo inexpresivo rara vez es tan aventurero y hábil al mismo tiempo: apenas tendrás tiempo para resolver lo que estás viendo antes de que termine, ya que Nilsson te deja contemplar qué demonios acabas de ver. La única certeza: “Claudio’s Song” es una visión completamente realizada sobre cómo cada uno vive como un legado en su propia mente, y termina con una canción pegadiza. Exige ser visto y debatido ad infinitum. —EK
«En la carne»
Como editora de la serie de formato corto nominada al Emmy «Hack Into Broad City», la cineasta y aficionada al terror con sede en Brooklyn, Daphne Gardner, hace un emocionante debut como directora con su primer cortometraje narrativo. Animando la tendencia de terror feminista con una bienvenida explosión de comedia, “In the Flesh” es una exploración hilarante y provocativa del efecto del trauma sexual en la relación de una mujer joven con su cuerpo y su orgasmo.
La película comienza con una toma de dos piernas desaliñadas colgadas sobre una bañera de azulejos sucios, mientras Tracey se masturba bajo el flujo del grifo. A medida que los recuerdos de un asalto pasado aparecen en destellos rápidos, las tuberías explotan con agua marrón y comienza a gotear una sustancia pegajosa negra. Ella se dirige al sótano espeluznante para descubrir la fuente del lodo, un bloqueo que solo puede eliminarse enfrentándose a sus demonios de frente. —JD
“Azafata 737”
Con “Air Hostess 737”, el director griego Thanasis Neofotistos completa su trilogía de cortometrajes (que comenzó con “Patison Avenue” y “Route-3”) sobre personajes que se pierden en sus propias mentes. Neofotistos explora este fenómeno a través de un recurso cinematográfico único, ya que todo su corto gira en torno a su protagonista dominando el encuadre, sin mostrar ningún otro personaje (con la fugaz excepción de otro rostro, en foco suave, durante unos segundos).
Toda la historia tiene lugar desde la perspectiva de la azafata Vanina (Lena Papaligoura en una actuación tensa y notable) que lucha con problemas de imagen propia asociados con sus nuevos aparatos ortopédicos, una ansiedad que enmascara su problema más grande: que el avión también lleva el cuerpo. de su madre recientemente fallecida. A medida que la compostura de Vanina da paso gradualmente al dolor, el mundo del avión se derrumba a su alrededor, en una espiral subjetiva emocionante que lleva su situación a alturas abstractas. Es un estudio de personajes conmovedor e inventivo de un director que parece haber aterrizado en una fórmula aguda de su propia creación. —EK
“Azafata-737”
Sundance
“Shirampari: Legados del río”
Filmado en uno de los lugares más remotos de la Amazonía peruana, el impresionante documental de Lucia Flórez es un fascinante retrato de un padre que transmite su técnica de pesca ashéninka a su adorable hijo pequeño. Flórez, ganadora de la Beca National Geographic Explorer, captura hermosas imágenes de la naturaleza sin sacrificar el desarrollo del personaje o la narración.
Con una confianza bulliciosa demasiado grande para su diminuto cuerpo, el niño escucha atentamente mientras su padre explica cómo hacer un anzuelo lo suficientemente seguro para atrapar incluso al bagre más grande. Mientras los niños chapotean en el río y los hombres arrastran sus capturas con orgullo, Flórez muestra la alegría y la camaradería de la vida cotidiana en la comunidad. La película ofrece una rara ventana a una tradición privada, pero uno siente la ética detrás de la cámara en la ternura y admiración con la que se desarrolla la historia. —JD
“Cristóbal en el mar”
El impresionante y romántico cortometraje animado del veterano animador Tom Brown sigue a un joven que escapa del mundo en un viaje transatlántico en un barco de carga. La hermosa animación en 2D le da una sensación de libro de cuentos a este agridulce vuelo de fantasía mientras Christopher se sumerge en una vida tranquila en el mar, se une a la tripulación y lucha con deseos inesperados que surgen en el transcurso de su viaje. Lleno de imágenes de hermosas puestas de sol y secuencias de sueños embriagadores, el corto es una genuina odisea cinematográfica que se siente a la vez íntima y épica en escala mientras explora la naturaleza de la soledad a través de su singular telón de fondo. Espere que este haga algunas olas en el circuito de festivales y potencialmente lo mantenga en la temporada de premios. —EK
«Troya»
Cualquier neoyorquino puede relacionarse con el tormento personal de escuchar de mala gana a los vecinos a través de las paredes de un departamento dolorosamente delgadas. Y en Nueva York, los ruidos son tan variados y atrevidos como la propia gente. Rara vez visto pero siempre escuchado, «Troy» lleva el nombre del hombre gay fornido que ama al lado de una pareja heterosexual sin pretensiones. Día y noche, Thea (Adina Verson) y Charlie (Michael Braun) reciben una serenata de los gemidos guturales y los gemidos chirriantes de la apasionada vida sexual de Troy, que parece tan interminable como su apetito por ella. Durante la cena, los platos, la hora de acostarse o la compañía, Troy y su lista rotativa de amantes se convierten en la banda sonora de sus vidas. No queda nada más que involucrarse demasiado.
El director de teatro Mike Donahue hace su debut cinematográfico con un guión divertido de la dramaturga Jen Silverman, que reúne las apariciones de queridos actores de Nueva York como Max Jenkins, Dana Delany y Dylan Baker. —JD
«Ricky»
Si hay un cortometraje listo para el tratamiento de largometraje en Sundance de este año, es «Ricky» del escritor y director Rashad Frett, y de hecho, Frett ya está desarrollando la versión principal en los laboratorios de Sundance. Parish Bradley protagoniza esta mirada sensible e inquietante sobre un joven negro liberado de la cárcel que intenta estabilizar su vida con una nueva oportunidad de trabajo, mientras lucha por reprimir la ira y la ansiedad que lo metieron en problemas en primer lugar.
Ese desafío lo lleva a una decisión impactante y trágica que lo obliga a confrontar si puede reconocer sus reveses y arreglar las cosas de una vez, sin importar el costo. Una mirada inquietante y emocional a las luchas subrepresentadas de las personas recientemente encarceladas que intentan reconstruir sus vidas, «Ricky» es una instantánea impactante del realismo social que seguramente hará que la gente hable sobre el talento en ambos lados de la cámara. —EK
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