Una breve historia de las películas basadas en musicales basadas en películas (que a veces se basan en libros)

Parece un poco ridículo que una película tenga el éxito suficiente como para justificar su adaptación como musical y que ese musical tenga el éxito suficiente como para justificar su adaptación como película musical. (30 rocasiempre profético, incluso hizo una broma al respecto). Sin embargo, esta confluencia específica de eventos ocurre sorprendentemente a menudo, con dos ejemplos (El color morado y Chicas malas) estrenado en cines apenas en las últimas semanas.

La tradición se remonta al menos a la década de 1950 (y la línea entre el escenario y la pantalla era mucho más permeable durante la Edad de Oro de Hollywood). En algunos casos, estas películas se originan con otro material original, tanto El color morado y Chicas malas se basan originalmente en libros, pero los musicales deben su existencia a las películas, y las adaptaciones musicales cinematográficas posteriores siempre se presentan como remakes de películas anteriores, en lugar de nuevas interpretaciones de los libros.

Los ejemplos más notables de la transición de la pantalla al escenario y a la pantalla no siempre son las mejores películas, pero son instantáneas de cómo Hollywood ha abordado los musicales, desde la era de las producciones descomunales de MGM hasta la obsesión actual con la propiedad intelectual reciclada. . Aquí hay diez películas esenciales para trazar la forma en que Hollywood ha adaptado sus propias adaptaciones de sí mismo.

Este colorido musical de MGM basado en la película de Ernst Lubitsch de 1939, ninotchka, Falta el famoso “toque Lubitsch” que el director aportó a sus comedias románticas, que brillaba con ingenio e insinuaciones, pero lo compensa con otros encantos. Principalmente provienen de la estrella Cyd Charisse, que es elegante y encantadora como la agente del gobierno soviético Ninotchka. Está emparejada con Fred Astaire, quien se ha ralentizado un poco en lo que se anunció como su último papel en un musical. Aún así, eso coloca a dos de los mejores bailarines del cine en el centro de la película. Cuando cantan y bailan, ya sea juntos o por separado, el director Rouben Mamoulian muestra su fascinante talento y gracia, especialmente en un número de baile en solitario sin palabras para Charisse mientras Ninotchka se deja atraer por la decadente moda parisina. Medias de seda intercambia ninotchkaEl noble francés pretendiente de un productor de cine estadounidense, y si bien la historia aún enfatiza la división entre capitalismo y comunismo, su suave sátira trata más del mundo del espectáculo que de la política. Charisse y Astaire no pueden superar la memoria de Greta Garbo y Melvyn Douglas, pero aportan su propio glamour.

Antes de dirigir musicales emblemáticos Cabaret y Todo ese jazzBob Fosse comenzó su carrera cinematográfica con este musical adaptado de la película de Federico Fellini de 1957. Noches de Cabiria. Fosse también dirigió y coreografió la versión teatral, protagonizada por su esposa, Gwen Verdon, quien es reemplazada en la película por Shirley MacLaine en el papel de la ingenua pero alegre bailarina de taxis de la ciudad de Nueva York, Charity Hope Valentine. La película de Fosse tiene un tono más esperanzador que la de Fellini, aunque Charity tiene casi tanta mala suerte como Cabiria, la trabajadora sexual romana de Fellini. Fosse demuestra los inicios del estilo visual seguro que traería a sus películas posteriores, mejorando los números musicales con fotogramas congelados y zooms rápidos, y adaptando su coreografía a la cámara en lugar del escenario. Retrata una vibrante Nueva York de finales de la década de 1960, con clubes de baile clandestinos, hippies y un predicador de la contracultura interpretado por Sammy Davis Jr. MacLaine es a la vez vulnerable e indomable como personaje principal, y la banda sonora incluye canciones que, con razón, se han convertido en estándares estadounidenses. Un fracaso comercial y crítico en su lanzamiento inicial, Dulce caridad ahora parece la clave de la brillantez posterior de Fosse.

Es un testimonio de las habilidades de Roger Corman como cineasta que la película de 1960 sobre una planta asesina que montó en dos días en los decorados sobrantes de otra producción sirvió de base para un musical teatral de larga duración y para esta deliciosa película de éxito, que en gran medida ha eclipsó el original de Corman. El director Frank Oz está trabajando con más recursos de los que jamás tuvo Corman, y evoca el estilo y el espíritu de los musicales clásicos de Hollywood al tiempo que conserva la sensibilidad retorcida tanto de la película de Corman como del espectáculo teatral de Howard Ashman y Alan Menken. Las canciones de Ashman y Menken son tan buenas como cualquiera de sus composiciones icónicas de Disney, y la planta malvada Audrey II (con la voz de Levi Stubbs de Four Tops) sigue siendo una de las mayores hazañas cinematográficas de los títeres. Rick Moranis ofrece una de sus mejores actuaciones como el desventurado empleado de una floristería, Seymour Krelborn, y el elenco secundario de estrellas de la comedia (Steve Martin, John Candy, Bill Murray) proporciona risas constantes, tanto durante como entre números musicales.

Y aquí tenemos una adaptación musical cuyo objetivo principal es burlarse de la película que está adaptando. La película de propaganda contra la marihuana de 1936. Locura por el porro es de dominio público debido a un aviso de derechos de autor inadecuado y, a lo largo de los años, ha sido coloreado, muestreado y sometido a comentarios cómicos de RiffTrax. Por lo tanto, Kevin Murphy y Dan Studney no necesitaron permiso para crear su producción Off Broadway de 2001, ni esta adaptación cinematográfica del director de escena original Andy Fickman. Con su presupuesto para películas para televisión de Showtime, Locura por el porro es mucho menos lujoso que la mayoría de las otras entradas en esta lista, pero encaja con la sórdida calidad de su material original. Murphy y Studney pueden generar risas simplemente haciendo que su elenco repita textualmente líneas del absurdo original, y poner música a la trama sobrecalentada de esa película resalta cuán verdaderamente desquiciada está. Kristen Bell y Ana Gasteyer demuestran sus formidables habilidades para la comedia musical, y Alan Cumming interpreta una variedad de personajes que incluyen tanto a Beelzebub como a Franklin Delano Roosevelt, así como a un conferenciante alarmista que presenta una proyección de la película en una secuencia de encuadre que sigue siendo tristemente relevante. .

La prueba de que simplemente recrear un éxito de Broadway en la pantalla no es garantía de una buena película, la versión cinematográfica del musical de Mel Brooks basada en su comedia de 1967 reúne a las principales estrellas de la exitosa carrera de Broadway (Nathan Lane y Matthew Broderick), Dirigida por la directora/coreógrafa original (Susan Stroman), y el resultado es simplemente espantoso, una de las peores películas musicales de las últimas dos décadas. Cada actuación está mal calculada, llena de chillidos, atracos con ojos saltones y reproducida a todo volumen en la parte trasera de la casa. Es una hazaña cuando una película puede presumir de la actuación menos sutil de todos los tiempos de Will Ferrell. Incluso los chistes que se importan directamente de la película original de Brooks fracasan. El ritmo es abismal, con la animada historia de Brooks sobre un par de productores de Broadway que intentan desplumar a los inversores creando deliberadamente un fracaso que se prolonga durante más de dos horas. Sin embargo, las críticas mediocres y los retornos de taquilla mediocres no le impidieron tener un gran impacto en la cultura pop, allanando el camino para otras remakes musicales de Hollywood de alto perfil. El resto de esta lista debe su existencia, al menos en parte, a Los productores – para bien o para mal.

Claro, la versión cinematográfica del director y coreógrafo Adam Shankman del musical teatral basada en la película de John Waters de 1988 atenúa gran parte de la perspectiva externa de Waters. Pero el propio Waters probablemente habría hecho laca para el cabello un musical a gran escala si hubiera tenido la oportunidad, y el número de apertura que rinde homenaje a su Baltimore natal todavía menciona las ratas, los vagabundos y un exhibicionista de la ciudad interpretado por el propio Waters. Los números musicales son tan pegadizos, exuberantes y creativos que es fácil quedar atrapado en el vertiginoso entusiasmo de la película. La historia sobre la adolescente blanca Tracy Turnblad (Nikki Blonsky) que lidera la iniciativa para integrar un programa de televisión de danza local en 1962 es una simplificación excesiva de la política racial, pero eso también es parte del punto, que muestra la alegre desorientación de los bienhechores privilegiados. El corazón de Shankman está en el lugar correcto, y lo mismo ocurre con los personajes, que combaten el racismo con rutinas de baile contagiosas. El único obstáculo es la aparición de John Travolta como la madre de Tracy, Edna, en un tributo equivocado al papel de Divine en la película original. Cada vez que aparece, la película pasa de conmovedora a inquietante.

El éxito de la versión de 2002 del director Rob Marshall chicago le dio la influencia para realizar este desastre repleto de estrellas, basado en la adaptación musical de Maury Yeston y Arthur Kopit de la obra de Federico Fellini. 8½. La película de Fellini de 1963 es una obra de arte tan profundamente personal que convertirla en una producción brillante y que agrade al público parece un insulto, y la película de Marshall interpreta el hastío de Fellini como una vulgaridad barata. Daniel Day-Lewis comete un extraño paso en falso interpretando al doble de Fellini, Guido Contini, que atraviesa una crisis existencial mientras intenta hacer su última película. Las diversas mujeres de su vida aparecen para cantarle sus sentimientos, en números musicales que se limitan a un único escenario sonoro y suenan como interludios inconexos de anuncios de moda. Casi nadie en el elenco es buen cantante, y Kate Hudson se destaca como la peor, en su irritante número “Cinema Italiano”, que Yeston escribió para la película. Un fracaso tanto de crítica como de taquilla, Nueve Sin embargo, fue nominada a cuatro premios Oscar.

La película de Danny DeVito de 1996 se acerca más a la sucia maldad de la novela de Roald Dahl, pero esta adaptación más brillante de la exitosa producción teatral aún encuentra mucho espacio para el atractivo mezquino de Dahl. La recién llegada Alisha Weir ofrece una actuación destacada como Matilda Wormwood, una niña abandonada con un coeficiente intelectual genial y poderes telequinéticos. La película musical pasa más tiempo en la escuela de Matilda, donde Emma Thompson interpreta a la corpulenta y tiránica directora Miss Trunchbull, y menos tiempo con la grosera familia de Matilda, aunque Stephen Graham y Andrea Riseborough aprovechan al máximo sus escenas como los padres de Matilda. Las canciones de Tim Minchin se te quedarán grabadas fácilmente en la cabeza, y los números musicales son tanto más impresionantes cuanto que la mayoría de ellos están interpretados por un conjunto de niños. Weir no es la única que actúa y canta con todo su corazón de niña de teatro, y la película llega a un clímax glorioso durante la espectacular “Revolting Children”, cuando Matilda y sus compañeros de clase se enfrentan a Miss Trunchbull. Es el tipo de momento catártico y triunfante que sólo un musical puede ofrecer de verdad.

Convertir la adaptación de Steven Spielberg de 1985 de la novela de Alice Walker en un musical resalta tanto sus fortalezas como sus deficiencias: al igual que la película de Spielberg, la versión cinematográfica de Blitz Bazawule del musical de 2004 minimiza los elementos más oscuros de la saga sureña de Walker que abarca décadas. Bazawule tiene especialmente problemas para manejar la trama de Sofía de Danielle Brooks, una orgullosa mujer negra cuyo espíritu está casi destruido por el racismo tanto abierto como implícito. Pero su película también captura de manera más efectiva la alegre unión de los personajes mientras se apoyan mutuamente en tiempos difíciles, expresada a través de una canción. Bazawule, un músico veterano además de cineasta, presenta números musicales enérgicos que a veces pueden parecer cursis y sensibleros, pero que nunca socavan las luchas internas de los personajes. Como Celie, la estrella Fantasia Barrino se ve eclipsada por Brooks y Taraji P. Henson como el cantante de blues Shug Avery, cuyo carisma contundente contrasta con la vacilación de Barrino. El resultado general es una versión imperfecta pero observable del libro de Walker, filtrado a través del sentimentalismo spielbergiano.

Al lograr un cuidadoso equilibrio entre actualizar algunos de los elementos problemáticos de la película de 2004 y conservar muchas de sus líneas icónicas y citables, la escritora y productora Tina Fey presenta una nueva e inteligente versión de su clásica comedia adolescente. La estrella Angourie Rice, con su fina voz para cantar y su presencia tenue, parece un poco perdida a veces, pero eso encaja con el papel de Cady Heron, ex adolescente educada en casa, que se ve abrumada y luego corrompida por la brutal jerarquía de la escuela secundaria estadounidense. Incluso con las actuaciones originales de Rachel McAdams y Amanda Seyfried a la altura, Renée Rapp y Avantika brillan como la abeja reina Regina George y su tonta teniente Karen, y moanaAuli’i Cravalho le da a la outsider Janis una presencia más viva que la sarcástica Lizzy Caplan. Las canciones se han reducido sustancialmente de la versión de Broadway, pero los directores Samantha Jayne y Arturo Pérez Jr. hacen que los números musicales sean adecuadamente dinámicos, y las influencias pop-punk de la composición evocan el período de la película original sin sonar anticuadas.