El mezclador de regrabaciones Paul Massey le cuenta a IndieWire cómo creó «una gran disolución» para el innovador documental de David Bowie de Brett Morgen.
Con películas como «Walk the Line» y «Bohemian Rhapsody» en su currículum, el mezclador de regrabaciones Paul Massey no es ajeno a trabajar con la música de amados artistas pop. Pero el épico documental de David Bowie de Brett Morgen «Moonage Daydream» tuvo sus propias presiones únicas desde el principio.
“Estas canciones son icónicas, por lo que hubo un factor de ‘no estropearlo’, a lo grande”, dijo Massey a IndieWire. “Crecí en Londres en los años 60 y 70, y Bowie fue una gran influencia en ese momento, no solo en lo que se escuchaba en la radio sino culturalmente. A lo largo de su carrera, logró el éxito en un género musical y luego giró 90 grados a la izquierda y probó otro género. Luego tiraría eso al aire e intentaría algo más y tendría éxito en que también. Continuó haciendo eso en el arte, la música y la moda toda su vida”.
La forma en que “Moonage Daydream” cuenta la historia de la evolución de Bowie se aleja lo más posible del formato documental convencional, optando por una experiencia sensorial envolvente y en gran medida impresionista que transmite no solo quién era Bowie, sino cómo podría haber sido. a ser David Bowie. El diseño de sonido es clave para el impacto de la película, ya que los límites entre la música, los efectos y los diálogos se desdibujan y Massey y sus colaboradores utilizan los canales de sonido Dolby Atmos de forma tan expresiva y agresiva como cualquier película hasta la fecha. “Brett quería que la película fuera esencialmente una gran disolución”, dijo Massey. «Nunca hay ningún lugar donde no haya música, y hay música y efectos de sonido que no estaban destinados a ir juntos trabajando juntos junto con mezclas de canciones».
Para ejecutar la visión de Morgen de un “parque temático de sonido”, Massey reunió a un equipo que incluía a sus colaboradores frecuentes David Giammarco, John Warhust y Nina Hartstone. Warhust y Hartstone se encargaron de la parte editorial desde Londres; Giammarco trabajó junto a Massey en Los Ángeles, donde el primero mezcló efectos y el segundo se centró en el diálogo y la música. Y debido a que los cineastas tenían acceso a los archivos de Bowie, Massey descubrió que tenía una gran cantidad de material para extraer. “Para las escenas de los conciertos, tenía todos los multipistas originales con instrumentación individual”, dijo. “Había mucha presión para mantenerse fiel a las mezclas originales, pero también para rehacerlas y convertirlas en una experiencia teatral”.
“Ensueño de la luna”
NEÓN
Massey tuvo un éxito notable en ese sentido, moviendo los instrumentos y sonidos individuales a través de los más de 100 canales que Dolby Atmos hizo posible para crear un campo de sonido envolvente que le da un nuevo significado a la palabra «inmersivo». “Nunca en mi vida había hecho tantos paneos, ni me había permitido depender tanto de los alrededores como lo hicimos en esta película”, dijo Massey. Remezclar las pistas con la ayuda del productor y colaborador de Bowie durante mucho tiempo, Tony Visconti, le dio a Massey una nueva apreciación del genio del músico. “Tienes una guitarra solista sosteniendo una nota en ‘Heroes’, y tienes un violín sosteniendo esa nota, y juntas las dos y obtienes armónicos y sonidos que nunca había escuchado de un violín o una guitarra. . El resultado es espectacular. Lo que parecía ser una canción bastante simple era en realidad muy, muy detallada y compleja, lo cual, por supuesto, siempre es el caso”.
Massey y su equipo mezclaron «Moonage Daydream» para múltiples formatos, incluidos Atmos, IMAX y entornos teatrales 7.1 y 5.1 más tradicionales. La experiencia cambió la forma en que veía la mezcla de sonido. “A medida que te acostumbras a trabajar en largometrajes para Atmos, 7.1, 5.1, cine en casa, te impones restricciones porque no quieres que cada versión sufra por el formato en particular”, dijo. “Esta película me enseñó a deshacerme de esos límites y simplemente hacerlo, simplemente remezclar para cada formato, porque no podíamos encontrar un enfoque que se ajustara a todos los formatos. Creo que va a cambiar la forma en que mezclo en el futuro. Siempre tendré en mente, ‘¿Puedo empujar ese límite? ¿Puedo empujar ese sobre que originalmente pensé que no debería?’ Fue una verdadera lección”.
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