El trompetista israelí Avishai Cohen lleva verdades desnudas al escenario

Una gran cosa, esta cosa reluciente y metálica. Sostienes la trompeta en tu boca, la soplas y luego los sonidos claros y completos resuenan directamente desde tu alma. Los instrumentos son en realidad cuerpos extraños que se supone amplifican nuestras posibilidades de expresión en todas las direcciones. Y, sin embargo, la música, y el jazz en particular, se trata de poder apropiarse de ella o incluso absorberla.

Avishai Cohen lo logra tan bien que su trompeta se convierte en un portavoz, una segunda voz. Justo al comienzo de su concierto el sábado por la noche como parte del festival de Zúrich «unheard!» el israelí marca la pauta, con suaves fanfarrias que se suman a los mensajes sentimentales. Es como si estuviera hablando o cantando con su instrumento, dejando a veces espacio para las señales corporales de suspiros y bufidos. En su mayor parte, sin embargo, su forma de tocar, a veces virtuosa, a veces elegíaca, parece incrustada en el pneuma tranquilo de la confianza en sí mismo.

Interacción orgánica

La impresión de soberanía y seguridad se traslada a toda la banda. En el cuarteto de Avishai Cohen, por un lado, las tareas parecen estar claramente repartidas: todos saben lo que tienen que hacer, los acompañantes no molestan al solista. Y sin embargo, por otro lado, hay un debate animado, un intercambio empático. En el programa está la suite de ocho partes de Cohen «Naked Truth». En el jazz, el género de la suite a menudo sirve como vehículo para explotar ideas que no son suficientes por sí mismas en el marco de una composición más amplia. Este no es el caso aquí, más bien se tiene la sensación de que la composición se desarrolla a partir de la interacción orgánica de los cuatro músicos como si fuera por sí misma.

Melodías melancólicas, motivos de baile y citas de bebop demuestran ser los temas vinculantes que se negocian y desarrollan más en la interacción del cuarteto. El trompetista los presenta y, a medida que se filtran gradualmente a través del acompañamiento, los amplía y los varía para allanar el camino a la improvisación abierta. Los tres acompañantes representan cada uno su propia dimensión, que juntos determinan el espacio para el estilo libre en solitario.

El bajista Barak Mori define la vertical: su interpretación compasiva completa los mensajes del trompetista, dándoles profundidad pero al mismo tiempo peso y calidez. El pianista Yonathan Avishai, por su parte, trabaja en horizontal. Se sienta frente al teclado con una calma estoica. La mirada se pierde en el escenario mientras las manos se extienden sobre las teclas en arpegios, creando un panorama armonioso que brilla en matices finamente graduados. Pero el desplazamiento de los acordes también genera la tensión que se descarga en el electrizante impulso del baterista Ziv Ravitz. Siempre que Ravitz interfiere con sensibilidad y agudeza en el flujo de improvisación de Cohen, los puntos altos de este concierto, que ya es de gran calidad, están garantizados.

La bravata fraternal del Cuarteto Avishai Cohen se vuelve aún más evidente en la segunda parte de la velada. Una vez más un cuarteto está en el programa, otra vez la trompeta toca el primer violín. Esta vez es interpretada por Steph Richards. El canadiense, que se mueve en diferentes campos de la música contemporánea en Brooklyn, Nueva York, intenta abrir la inmensidad de la atonalidad a través de conceptos formales. Esto a veces conduce a resultados convincentes. Pero no siempre, incluso rara vez.

Por un lado, esto se debe a la composición de su banda: el pianista Joshua White es un manojo de energía, su virtuosismo eruptivo es impresionante en sí mismo. Pero su forma de tocar está tan centrada en los efectos de percusión que casi corta la respiración rítmica de sus colegas en el bajo eléctrico y la batería (Stomu Takeishi y Max Jaffe).

Puntuación en lugar de espontaneidad

Los ojos de los cuatro músicos a menudo están pegados a la partitura, sus acciones parecen un poco inciertas e indecisas. Las especificaciones compositivas a menudo resultan demasiado abstractas y frágiles, lo que probablemente explica por qué el líder de la banda se siente obligado repetidamente a dirigir música improvisada. La actuación da la impresión de que el trompetista ha definido la interacción de antemano a través de la puntuación, y los interlocutores improvisadores tienen que ceñirse a comas y puntos, signos de interrogación y exclamación en todas partes en su conversación espontánea.

No es de extrañar que la música a menudo parezca bastante incruenta, a pesar de su intensidad y volumen. Y luego, de repente, hay momentos mágicos. Donde las piezas se caracterizan menos por pretensiones artísticas y más por ideas concretas (por melodías, por ejemplo, o patrones rítmicos), Steph Richards también puede brillar con tonos apasionantes y poesía sugerente.