Los directores de ‘Elemental’, ‘Spider-Man’ y más nominados al Oscar explican por qué los temas serios brillan en la animación Los más populares Deben leerse Suscríbase a los boletines de variedades Más de nuestras marcas

Una infancia pasada con un pájaro mágico y simbólico. Amantes hechos de elementos opuestos. Un viaje lejano a través de múltiples universos. Caballeros que buscan demostrar inocencia y justicia. La vida interior de un ser robótico.

Sería un desafío pensar en un año en el que películas más diversas, profundamente personales y ambiciosas fueran nominadas a mejor película animada. Los realizadores detrás de cada película llegaron a sus temas narrativos específicos y a su enfoque estilístico a través de sus propias experiencias e influencias.

«No sé quién sería yo ni cómo sería diferente esta película si no hubiera perdido a mis padres mientras la hacía», dice Pete Sohn, director de «Elemental». “El comienzo de la película es realmente la historia de mis padres cuando emigraron a este país en busca de una vida mejor. Y las diferencias que has visto entre los personajes principales nacen de lo que pasé al enamorarme de alguien que estaba fuera de mi cultura”.

Era la madre de Sohn quien amaba las películas y le presentaba nuevas películas en cada oportunidad. Pronto quedó fascinado por el trabajo de (Walter) Peregoy, una leyenda de la animación de Disney que trabajó en “101 Dálmatas” y “La Bella Durmiente”. También le encantaba el arte, la escenografía y los guiones gráficos de Tyrus Wong, que se utilizaron en películas animadas como “Bambi” y en cine de acción en vivo como “Rebel Without a Cause” y “The Wild Bunch”. El trabajo de Wong era importante para Sohn porque el director estaba “abrumado al ver a alguien de origen asiático haciendo el trabajo que él hacía”.

“El niño y la garza” es también una película marcada por las relaciones familiares y, aún más profundamente, por la dificultad de crecer y convertirse en adulto. La historia de Hayao Miyazaki es muy paralela a momentos de su propia infancia, ya que su personaje principal forma un vínculo con Heron, quien adquiere un significado simbólico.

«Esta no es exactamente la vida de Miyazaki cuando era niño, pero tiene los sentimientos que quería compartir con el público», dice el productor Toshio Suzuki a través de un traductor. “Luchó como lo hacemos todos cuando dejamos la niñez y nos convertimos en adultos. Estas experiencias lo moldearon como persona. Hay algo de su infancia en casi todo lo que hace. Y no creo que jamás pueda dejar de hacer películas mientras esté vivo. Creo que tenemos tiempo para que él haga una película más”.

“Robot Dreams” de Pablo Berger, una película contada con una música emotiva pero sin diálogos hablados, explora la conexión entre un perro solitario y el robot que construye para hacerle compañía. A medida que avanza la historia, surgen preguntas sobre. Parecía perfecto adaptar el libro del mismo nombre sin palabra hablada.

«Charlie Chaplin y Buster Keaton eran maestros en crear sentimientos a través de sus rostros, sus expresiones y sus gestos», dice Berger. “Son una gran influencia para mí y muestran lo que es posible en este medio visual. Lo que realmente me encanta de (Charlie) Chaplin es que cuando las cosas se ponen demasiado sentimentales, él realmente puede darte un puñetazo en el estómago y hacerte reír. Su película ‘City Lights’ es una de las mejores de la historia por eso. Si no lloras al final es porque estás muerto”.

El cine clásico también tuvo una profunda influencia en los directores de “Nimona”, Troy Quane y Nick Bruno. Su historia se centra en un caballero que vive en un reino medieval y futurista. Después de ser acusado falsamente de un crimen, el caballero se ve obligado a emprender un viaje para limpiar su nombre.

«Al principio, fue el amor por todas esas películas de Disney como ‘La Bella Durmiente’ y ‘Cenicienta’ lo que nos trajo a este mundo», dice Quane. «Y la historia de amor en nuestra película entre (dos protagonistas masculinos), queriendo que sea vista como parte de la idea de una historia de amor clásica».

“Era muy importante para nosotros que esta película tratara sobre aquellos que se sienten ‘otros’, que sienten que no los comprenden, y queríamos que el estilo de esta película se destacara como otro para que no pareciera típico. CG o 2D típico”, añade Bruno.

“Spider-Man: Across the Spider-Verse” también vivió entre influencias CG y 2D mientras saltaba de un enfoque estilístico a otro a lo largo del multiverso. Los codirectores Joaquim Dos Santos, Kemp Powers y Justin K. Thompson aportaron cada uno su propia inspiración.

Para Thompson, así fue como se sintió al ver “Cenicienta” y notar que los fondos cambiaron de color cuando las malvadas hermanastras destrozaron su vestido. Una de las películas animadas clásicas más influyentes, “Cenicienta” también inspiró a Thompson cuando las hadas buenas Flora, Fauna y Merryweather pelearon por el color del vestido que hicieron para el famoso baile, lo que resultó en bocanadas de humo de diferentes colores que aparecieron en la pantalla. Los realizadores utilizaron esto para inspirar cambios de color en el mundo de Gwen Stacy cuando ella reaccionó ante una confrontación con su padre.

La admiración de Powers por comedias románticas como “Say Anything” provocó “miradas largas y persistentes” que no suelen aparecer en la animación, ya que las escenas a menudo están editadas con mucho cuidado. Interesado en darle a su película las mismas oportunidades para explorar personajes y emociones, Powers elevó las escenas de “Spider-Man” para incluir momentos con un ritmo más lento.

Para dos Santos, “Cowboy Bepop” y “Samurai Champloo” de Shinichirō Watanabe fueron un poderoso atractivo.

“He esperado toda mi carrera a que los largometrajes de animación lleguen a ese punto en el que estamos haciendo películas dirigidas a audiencias tan amplias, desafiando a los niños con algunos temas más pesados ​​y permitiendo que los adultos se sientan como niños a veces”, dice Dos Santos.