lucia se abre con una entrevista entre una futura madre y su futura niñera, quienes están adoptando posturas. Mary (Brooke Bloom) es una radióloga muy herida que anda esponjando las almohadas de su sofá antes de la entrevista en un esfuerzo inútil por parecer serena. Ashling (Lynn Collins) usa un atuendo largo y fluido, se recuesta en el sofá con las piernas en alto y las rodillas extendidas, y dice que prefiere pensar en su trabajo como «co-crianza de los hijos» porque, después de todo, está gastando casi tanto como él. tiempo con el niño como padre real. En cualquier otra circunstancia, estas mujeres no estarían interactuando. Pero Ashling viene con referencias casi impecables, y Mary ya tiene una hija y necesita ayuda con el hijo en camino. Está abrumada y está dispuesta a pagar, aunque no al nivel que quiere Ashling.
El juicio tenso y tácito que fluye entre las dos mujeres es el mejor aspecto de la comedia negra de Erica Schmidt, que también dirige. La obra plantea las expectativas absurdas de la maternidad y el cuidado de los niños, especialmente en la pecera de Manhattan, donde se sabe que las mamás se tratan entre sí con todo el amor y el apoyo de los peces betta que atacan. (Las mujeres de Fleishman está en problemas simpatizaría.) Mary tiene expectativas estrictas para la niñera, especialmente en cuanto al manejo de su impertinente, Lucy, de 6 años, para quien Mary ha desarrollado un elaborado conjunto de reglas sobre ejercicio y dieta. Una vez que acepta el trabajo y se muda, Ashling mima al nuevo bebé, Max, como si fuera suyo y comienza a ser territorial sobre lo que ella ve como las incursiones de su madre en su vida. Cuando Mary le pide que cuide a Max un viernes por la noche para poder asistir a la noche de madres en la escuela de Lucy, Ashling insiste en que no puede… porque ella misma irá a la noche de madres. Collins entrega esa revelación, y otras, con un tintineo particularmente inquietante de las muchas pulseras en su muñeca.
Con tanto trabajo preliminar establecido, termina siendo frustrante cuando Schmidt no puede elegir cómo quiere que se acelere la obra, y el cambio a la máxima velocidad (a una comedia de terror total o loca o incluso a un drama sombrío) nunca llega. A medida que Ashling se vuelve más exigente y Mary más suspicaz, lucia introduce una serie de posibilidades: que Mary está justificada porque Ashling realmente no está tramando nada bueno; que Mary, cada vez más privada de sueño, se engaña a sí misma; o que algo sobrenatural está en marcha, potencialmente emanando de la propia Lucy. Sin profundizar demasiado en los detalles de las escenas posteriores cada vez más recortadas, digamos que comienza a prevalecer un sentimiento confuso. Parte de eso se siente temáticamente intencional al tratar de capturar la forma en que el agotamiento hace que el cerebro sea vago, pero dejé el cine preguntándome sobre demasiados pequeños detalles que quedaron sin resolver: ¿Qué hay de Lucy colocando una peligrosa pila de tapetes en el piso? ¿Qué fue esa ominosa mención del vómito de Max?
Collins y Bloom están en su mejor momento cuando sus personajes están más hartos el uno del otro, disparando golpes que son a la vez mezquinos y viscerales («¡Fuiste a la noche de las madres! ¡Hiciste sopa de pollo!», grita Mary). Pero Schmidt se abstiene de dejar que se desate el infierno, lo que esta experiencia merece. Como cuando un niño pequeño se pone a correr irregularmente para que duerma mejor, hay valor en trabajar con la energía.
La dinámica de una relación entre el cabeza de familia y la ayuda surge de una forma y un acento muy diferentes en la obra de Samuel Beckett. Fin del juego, revivido en el Irish Rep con John Douglas Thompson como el imperioso Hamm y Bill Irwin como su sirviente intimidado, Clov. Hamm se sienta en el centro del escenario, ciego y confinado a una silla, dando órdenes a Clov con interrupciones ocasionales de sus padres (Joe Grifasi y Patrice Johnson Chevannes), quienes viven en contenedores de basura al costado del escenario.
El director Ciarán O’Reilly adopta un enfoque directo de la obra. El atuendo harapiento de Beckett (el vestuario es de Orla Long) y las paredes realistamente derruidas de la habitación de Hamm (el decorado es de Charlie Corcoran) son reconfortantemente familiares. A veces, O’Reilly le da más jugo al drama con una pista musical bajo algunos de los lamentos de Hamm que parece no tener un poco de confianza en el texto, pero Thompson e Irwin juntos disfrutan tanto de los verticilos de diálogo que animan la producción en sus propias manos. propio. Como intérprete frecuente de Beckett, Irwin se siente como en casa contorsionando su cuerpo como un Slinky desordenado, mientras que Thompson adopta una cadencia de bramido mientras ordena a Irwin que recorra la habitación vacía.
En medio de un febrero alternativamente cálido y helado, parece el momento adecuado para pensar en el fin del mundo. Beckett no especifica los términos del fin en Fin del juego, que se realizó por primera vez en 1957, por lo que eres libre de injertarte en cualquier apocalipsis que parezca más cercano. (La mención repetida de cielos grises trae a la mente el clima.) La obra hace la sombría afirmación de que, incluso en los peores momentos, las personas permanecen atrapadas en sus propias ruedas de hámster de nostalgia y resentimiento. A la madre de Hamm le encanta hablar de un día que pasó en el lago de Como y luego, posiblemente, muera. Hamm insiste en conservar su autoridad, aunque tiene muy poco sobre lo que gobernar. Es una evaluación sombría de nuestros autoengaños, pero también es, crucialmente, muy divertido y posiblemente reconfortante. Si no podemos romper los patrones que nos envían a toda velocidad hacia un futuro invivible, al menos podemos reírnos de ellos.
lucia está en el Teatro Minetta Lane hasta el 25 de febrero. Fin del juego está en el Irish Repertory Theatre hasta el 12 de marzo.