Venice: Ese sería Taylor Russell. El director Luca Guadagnino hace por ella lo que hizo por Timothée en «Llámame por tu nombre»
Anton Chekhov le escribió una vez a un colega que “Uno nunca debe colocar un rifle cargado en el escenario si no se va a disparar. Está mal hacer promesas que no tienes la intención de cumplir”. Entonces, cuando Michael Stuhlbarg les describe a un par de jóvenes amantes caníbales la experiencia trascendental de consumir a alguien «con huesos y todo», carga balas en forma de cadáveres en el arma cinematográfica de Luca Guadagnino.
Los amantes están formados por Maren (Taylor Russell) y Lee (Timothée Chalamet), ambos «comedores», con un hambre de carne humana transmitida por los linajes de sus respectivas familias. Nos presentan por primera vez a Maren como un alhelí aparentemente tímido en una escuela secundaria en ruinas. Instantáneamente hay una ligera inquietud en sus pasillos con casilleros de color rojo sangre y paredes revestidas con acuarelas planas de paisajes estadounidenses que la película pronto llamará su hogar.
Maren es invitada a dormir en la casa de un compañero de clase amistoso, pero su padre (André Holland) no lo permite, encerrándola en su habitación con las ventanas cerradas con clavos. Adolescentes siendo adolescentes, ella no puede resistirse a desafiar sus órdenes y se escabulle para una noche de festividades de chicas. La película lleva su homo-erotismo en la manga en todo momento, la química sexual entre Maren y una adolescente desprevenida debajo de la mesa alcanza su punto máximo cuando le muestra a Maren su manicura. Maren coloca suavemente el dedo en su boca, tierno por un momento antes de morderlo con todas sus fuerzas, la sangre le salpica la barbilla y un suéter de los años 80 de gran tamaño.
Su padre está furioso pero no sorprendido, y le grita que agarre lo que pueda en los próximos tres minutos antes de salir corriendo antes de que la policía pueda encontrarlos. Holland, incluso con el tiempo de pantalla limitado a los primeros 10 minutos, el flashback ocasional de un sueño y el audio en una cinta de casete, es fascinante en el papel de padre asediado, luchando con los límites de su propia responsabilidad. En el cumpleaños número 18 de Maren, se despierta y descubre que él se ha ido, dejando atrás el casete con una explicación de por qué la deja y su certificado de nacimiento. Maren vuelve al casete una y otra vez, y cada vez las palabras de Holland son desgarradoras, llenas hasta el borde de dolor y arrepentimiento.
Certificado de nacimiento en mano, y ahora con una pista sobre quién podría ser la madre que nunca conoció, Maren viaja por todo el país para encontrar algunas respuestas sobre quién o qué es ella. En su primera parada en Maryland, se encuentra con su primer compañero «comedor» en Sully, interpretado con el aplomo característico de Mark Rylance. Los dos comparten una comida de una anciana recién fallecida que evoca la domesticidad impía de Leatherface en el acto final de «The Texas Chainsaw Massacre». Los dos «comedores» comparten sentidos agudizados y un olor acre a muerte parece emanar de la pantalla. Esta es la primera indicación de que la estética cuidadosamente curada de Guadagnino tocará los cinco sentidos para crear una fiesta absoluta.
La sangre se derrama a través de la caoba gótica en habitaciones revestidas con papel tapiz floral y adornos de los años 80, mejorados aún más por el impresionante diseño de sonido de la película. Algunas escenas traen mordeduras caníbales separadas, otras tienen vientos crecientes a través de las llanuras americanas. La banda sonora, en gran medida apropiada para la época y con Duran Duran y Kiss, se utiliza perfectamente en todo momento. La pista de Trent Reznor y Atticus Ross para la película, «(You Made it Feel Like) Home», se abre paso, en terrible armonía con la inquietante tragedia de la película misma.
Habiendo identificado las vibraciones extremadamente malas de Sully, incluida una cuerda de cabello humano de 8 pies (que inspira el momento más divertido de la película: «¡Cristo, esa es una elección!»), Maren se pone en marcha nuevamente solo para encontrarse con Lee, otro compañero «comedor». La química entre los dos protagonistas es encantadora, pero la mayor historia de amor parece estar entre Chalamet y Guadagnino, ya que el director filma su rostro con tanta adoración que es difícil no conmoverse por su vínculo.
Lo que sigue es un claro homenaje a «Badlands» de Terrence Malick, los dos viajando por el país a través de vistas de la hora dorada, pero la película es mucho más tierna con sus protagonistas, filmando todo, desde un tentativo primer beso en un matadero hasta un baño en un Lago Kentucky con un sentido de asombro infantil. Lo más sorprendente es cuando nuestros dos amantes se sientan al borde de un valle en Nebraska, donde Chalamet muestra su habilidad casi inigualable para llorar suavemente. No hay nada fuera de lo convencional en mostrar a dos almas solitarias que se enamoran al hacer que se miren a los ojos contra un paisaje extenso (podría decirse que Campion lo hizo mejor en «El poder del perro» del año pasado), pero Guadagino aún nos regala un romance arrollador. eso es imposible de resistir.
La película está basada en una novela YA de 2015 de Camille DeAngelis y, como en el material original, se adhiere a algunos clichés sobre la mayoría de edad. Dejando a un lado la estética impresionante, el terror corporal espeluznante y las actuaciones convincentes, la película toca muchos de los marcadores gastados de los viajes por carretera de la mayoría de edad, incluidos algunos paralelismos extraños con el vehículo de Britney Spears de 2002 «Crossroads».
Incluso con esa familiaridad, es posible simplemente perderse en los hermosos detalles de “Bones & All”. El vestuario se construye particularmente más allá de los marcadores típicos de un escenario de los años 80. Los desgastados vestidos de verano florales de Maren y el corte de pelo de Betty Page y los jeans rasgados y el cárdigan con botones de perlas de Lee se sienten como si estuvieran operando en una sucia clase baja de la era Reagan donde todos se han liberado de las cadenas de la heteronormatividad de la manera más elegante posible. Lo mejor de todo es que Stuhlbarg aparece con el cabello grasiento y manchado de suciedad, sin camisa debajo de un mono que no le queda bien. Mientras tanto, Rylance está en un trilby de plumas y sus solapas están cubiertas con insignias brillantes que son ligeramente militaristas. Le da el aire de un hombre enloquecido por los horrores de la guerra, incluso si esta guerra es con su propio deseo insaciable de carne humana.
A diferencia de las estructuras rígidas en torno a vampiros, zombis y hombres lobo, Guadagnino no tiene reglas reales en este mundo más allá de las que se imponen los comedores. Algunos disfrutan matando y consumiendo a sus semejantes, otros se aprovechan solo de los moribundos, crueles o desposeídos. Esa fluidez trae apuestas morales aún más altas y convincentes para el dúo central. Sus opciones se limitan ampliamente a comer humanos, suicidarse o encerrarse; más allá de eso, están a la deriva, sin saber para qué podrían servirse a sí mismos o entre sí. Esta es una historia de amor de dos personas que viajan a través de un mundo mientras les dicen «el mundo del amor no quiere monstruos en él».
Si esto resulta ser un giro estelar para Taylor Russell, de la forma en que «Call Me By Your Name» lo fue para Chalamet, entonces será bien merecido, un testimonio de la destreza de Guadagnino en el casting (dejando de lado un supuesto caníbal infame). La película se abre con éxito a innumerables lecturas, potencialmente hablando de todo, desde el trauma intergeneracional hasta el amor queer y la adicción. Pero «Bones & All» es fundamentalmente un romance trágico, devastador y bellamente realizado que en múltiples momentos haría llorar al mismo Chéjov cuando se aprieta el gatillo.
Grado A-
“Bones & All” se estrenó en el Festival de Cine de Venecia de 2022. MGM lo estrenará en los cines el miércoles 23 de noviembre.
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