Flux Gourmet debuta en cines selectos el 24 de junio de 2022.
El director Peter Strickland sabe cómo hacer que las texturas resalten. Su romance de 2014 El duque de Borgoña exploró una dinámica BDSM en una cabaña lujosamente amueblada. Su seguimiento de 2018 In Fabric fue sobre un vestido rojo embrujado. Ambas producciones incorporan sensaciones físicas en gran medida, mientras que su película anterior, Berberian Sound Studio, sobre un artista de foley que crea sonidos para un mundo cada vez más inquietante. Giallo usando vegetales— tenía un enfoque claramente auditivo. Su último, Flux Gourmet, se parece a este último, pero igualmente se basa en su cuerpo de trabajo colectivo. Se trata de un grupo de «servicios de catering sónicos», una forma de arte que combina comida y acústica, que Strickland parece haber creado completamente, y que posteriormente le da la vuelta. La película no siempre funciona, a menudo opta por eliminar observaciones entre escenas de exploración performativa. Sin embargo, cuando en ocasiones encarna la perspectiva creativa de sus personajes, se convierte en una experiencia sensorial única.
Las imágenes y los sonidos que nos presentan a Flux Gourmet viven en algún lugar entre brillante y oculto. Bajo la brillante iluminación del estudio, la carne crepita en una sartén y una mano femenina con uñas largas y de color negro intenso se cierne sobre una olla humeante, como una bruja de cuento de hadas maldiciendo un caldero burbujeante. En poco tiempo, la configuración completa aparece a la vista. Una mesa con parafernalia de cocina. Un trío de artistas de performance. Un periodista curioso. Un público ansioso. Y adornando la mesa por todos lados: cables y micrófonos, captando el proceso culinario de adentro hacia afuera, a veces insertados en los propios platos. Este es el Sonic Catering Institute, un taller artístico exclusivo y algo parecido a un culto dirigido por Jan Stevens (Gwendoline Christie), cuyas exploraciones previstas de comida, sonido y roles de género eventualmente chocan con las de sus estudiantes: Elle di Elle (Fatma Mohamed ), Lamina Propria (Ariane Labed) y Billy Rubin (Asa Butterfield).
Presente para registrar lo que sucede en el instituto está un manso periodista de prensa llamado Stones (Makis Papadimitriou), el aparente personaje de POV, cuya modesta voz griega nos presenta las rutinas repetitivas de los artistas y los problemas dietéticos de Stones. En pocas palabras, es vergonzosamente flatulento y, por lo tanto, perturba un poco el proceso creativo. El anciano y pomposo médico del instituto, el Dr. Glock ( Richard Bremmer ), intenta diagnosticarlo, pero en su mayoría termina reprendiéndolo y exponiendo sus inseguridades. En poco tiempo, incluso el tratamiento en curso de Glock de Stones comienza a ser absorbido por las actuaciones abstractas del trío, lo que lleva a una subtrama deliciosa (aunque de corta duración) sobre una colonoscopia pública. Uno se imagina que hay una alegoría escondida en algún lugar de las entrañas de Stones, sobre cómo se ve el arte cuando es digerido por el hombre común, pero al igual que su diagnóstico final, es más un descubrimiento irritante que impactante al acecho.
En su mayor parte, la premisa existe al servicio de las viñetas teatrales, donde los artistas desdibujan las líneas entre la emoción, la comida y el sonido, lo que da como resultado una mezcla de sonido engañosamente tentadora dirigida por el diseñador Tim Harrison y la mezcladora Cassandra Rutledge. La retroalimentación mecánica se fusiona con aplastamiento y aplastamiento orgánico, lo que da como resultado un tapiz auditivo extraño que te hace querer separar sus elementos. Pero escuche con suficiente atención, e incluso sus momentos más irregulares y rebeldes comienzan a sentirse como música, en particular, una actuación que incorpora una licuadora, cuyos zumbidos ensordecedores se manipulan para parecerse a las pistas de Screamo. En lo que respecta a las sensaciones humanas, las combinaciones como la vista y el oído, la vista y el tacto, e incluso el tacto y el gusto, parecen emparejarse fácilmente y entenderse en tándem, y una da paso a la otra. Sin embargo, el gusto y el sonido rara vez van de la mano, lo que hace que la elección del arte ficticio de Strickland se sienta tan fascinante.
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Lo que es menos fascinante, sin embargo, es la forma en que intenta deconstruir su propia forma de arte ficticia, como una metáfora creativa que se puede cortar y pegar en cualquier proceso creativo, a través de entrevistas aisladas en las que Stones intenta llegar al fondo de Elle, Lamina, y las experiencias pasadas de Billy. Estas escenas, que consumen la mayor parte del tiempo de ejecución de la película, funcionan como un marco psicoanalítico para los ejercicios que vemos realizar a los artistas. Si bien ciertamente informan las perspectivas de cada personaje durante las discusiones y los desacuerdos, la llegada de estas largas entrevistas no puede evitar sentirse como un niño pequeño disruptivo que cambia de canal justo cuando las cosas son estéticamente más atractivas. Raros son los momentos en los que Strickland es capaz de tejer su discordante expresionismo sonoro y sus imágenes relacionadas de creadores atrapados en un éxtasis embriagador, con su enfoque distante y estático para exponer cada una de sus motivaciones. Si bien hay un absurdo fascinante en un puñado de interacciones, en particular, el desmantelamiento pomposo y a menudo público de los Stones por parte de Glock, y los avances sexuales equivocados de Stevens hacia el joven Billy, Strickland rara vez logra que su narración directa informe sus experimentos acústicos más vanguardistas. en cualquier forma significativa más allá de conectar puntos mecánicos.
En el proceso, a pesar de la presencia constante y abierta de metáforas creativas (cuestiones de interpretación y cuánto de sí mismos vierten las personas en su trabajo), Flux Gourmet rara vez llega a mucho cuando no se deleita en las composiciones ásperas, desconcertantes y discontinuas. de sus artistas experimentales. Y aunque va in crescendo de una manera deliciosamente inquietante (que literaliza una de las metáforas antes mencionadas al reformular las escenas iniciales), esto no puede evitar sentirse demasiado tarde en su tiempo de ejecución de 109 minutos.