De Lo más duro que vendrán, en el Público.
Foto: Joan Marcus
Desde fuera, Lo más duro que vendrán parece una película que ha estado sentada esperando ser convertida en un buen musical. El éxito de culto jamaiquino de 1972, protagonizado por Jimmy Cliff y dirigido por Perry Henzell, vino con una banda sonora llena de reggae, la mayor parte interpretada por el propio Cliff, que popularizó el género en Estados Unidos. Eso significa que cualquier adaptación comienza con una serie de éxitos listos para entretejer, comenzando con la canción principal y «Puedes conseguirlo si realmente quieres». Además, tiene el tipo de trama picaresca: un joven llega a Kingston desde el campo y trata de encontrar su camino en la gran ciudad, que se adapta a un libro musical. Un equipo británico intentó hacer un Más duro vienen musical en 2008, una versión aparentemente guiñadora de la película que se refería al intermedio como un «descanso de ganja». La adaptación de The Public Theatre toma el tema y el escenario de la película mucho más en serio, tanto que sus creadores luchan por incluir todo lo que quieren comentar, modificar y subrayar del original, junto con todas las canciones exitosas. Este espectáculo hace que el atractivo de la película sea aún más obvio, aunque también demuestra cuán disimuladamente difícil es adaptarse.
Este Lo más duro que vendrán, con un libro y algunas canciones nuevas de la dramaturga Suzan-Lori Parks, sigue bastante de cerca los contornos de la película, aunque reorganiza las relaciones en torno al personaje central. Ivan, que lleva el nombre de Ivanhoe e interpretado por un encantador Natey Jones, llega a Kingston con el sueño de triunfar en la industria de la música, pero cae en delitos menores en el camino. Esta vez, se construye una historia de amor entre él y Elsa (interpretada por la cantante Meecah), la joven de la que se enamora, que le proporciona una conciencia que lastra sus acciones más cuestionables. Como muchos intereses amorosos femeninos del cine al escenario, termina sintiéndose a mitad de camino, con más que decir pero no mucho más que hacer. Ella comenta lo que está haciendo Iván, y su diálogo ampliado le permite a Parks vincular sus problemas con la autoridad con un sentido más amplio de lucha de clases, pero ella como persona permanece estática.
Hablando de esos problemas con la autoridad: Iván se enamora de Elsa mientras trabaja para un predicador controlador, interpretado por un deliciosamente viscoso J. Bernard Calloway. Más tarde, también tiene roces con el productor musical Hilton, interpretado por un Ken Robinson igualmente baboso. El programa tiene una gran cantidad de poderosos sleazeballs, que es tanto parte de la crítica social como un problema narrativo. El primer acto se extiende mucho, cubriendo el encuentro de Iván con la Iglesia del Santo Redentor, así como sus primeros esfuerzos fallidos para triunfar con una canción propia («The Harder They Come»), y sus encuentros con el Predicador y Hilton tiene un ritmo similar: No confíes en los hombres en el poder; un recordatorio, no confíes en los hombres en el poder. Para el momento en que Act Two entra en el negocio del comercio de marihuana, dirigido por el capo José (Dominique Johnson), igual de viscoso, ya sabes cómo va a ir. Eso, al menos, lleva a la transformación de Iván de un criminal en fuga a un héroe local, entregando una secuencia de persecución que lleva todo a un punto crítico. Sin embargo, la construcción hacia ese clímax comienza solo al final del programa y termina rápidamente. Hubiera sido prudente pasar más tiempo con Iván a la fuga y menos con su itinerancia previa.
Esos son ritmos de la película, escrita por Henzell y el dramaturgo Trevor Rhone, que fue escrita y moldeada sobre la marcha mientras el equipo capturaba imágenes de Kingston en la década de 1970 con un estilo casi documental. En el escenario, el director Tony Taccone y el codirector Sergio Trujillo intentan replicar el estilo de la película. verdad sentir al representar grandes escenas de multitudes en el escenario, colocando al elenco dando vueltas por la ciudad en un par de tocadiscos. La coreografía, de Edgar Godineaux, hace que esas multitudes giren al ritmo de la música de Cliff, mientras los artistas interpretan de todo, desde evangelistas hasta granjeros, todos atrapados en la canción. El entusiasmo desborda del escenario demasiado pequeño, repleto de sus cuerpos. Casi esperas que dejen de moverse solo para que puedas disfrutar del cuadro. En una escena, Iván y Elsa están entre el coro cantando «Just a Closer Walk With Thee», se quitan la túnica a la mitad y bailan como si estuvieran en un salón de baile, y luego vuelven a ponerse la túnica para el final. Es un momento de bravura que pasa demasiado rápido.
La rapidez de montaje impregna Lo más duro que vendrán, que se esfuerza tanto por expandir la película de tantas maneras que comienza a exprimir la parte más atractiva de todas: la música. Solo en el primer acto, el programa incluye 23 números musicales. Las voces del elenco suenan uniformemente fuertes (ya menudo acrobáticas) y hacen que la audiencia se mueva cada vez que llegan a un gancho familiar, pero con tanto que cubrir, el musical ofrece solo fragmentos de cada uno. La mayoría de las escenas continúan después de solo un verso o dos. Al ver al elenco interpretar «I Can See Clearly Now» en la parte superior del acto II, escenificado en la granja de ganja con referencia a las posibilidades de expansión media del THC, quería que el musical siguiera su propio consejo implícito y se relajara un poco. Todo esto será más claro si haces una pausa de un segundo y tal vez echas una calada.
Lo más duro que vendrán está en el Teatro Público hasta el 2 de abril.