La belga Miet Warlop destaca en el Festival de Teatro de Zúrich: une el deporte y el teatro y demuestra que a uno le gusta reírse del estrés y la presión de los demás.
El baterista de «One Song» también es un atleta competitivo.
¿Por qué la gente acude en masa al espectáculo teatral? ¿Se ha recuperado de los temores epidémicos? ¿Es el calor de agosto lo que los lleva a la orilla del lago, donde el festival ofrece innumerables oportunidades para comer y sorber? ¿O las personas, arrojadas al valle de las lágrimas por la presión y el esfuerzo, buscan un poco de edificación existencial?
En el mejor de los casos, cuando el arte da vida al escenario, fluye una energía estética que vigoriza la mente y fortalece los sentidos. Sin embargo, la cabeza a menudo se siente abrumada. Por ejemplo, ¿cuál es el propósito de la figuración grotesca de las deficiencias físicas en la producción portuguesa «Ôss», con la que comienza el espectáculo el jueves por la noche?
El intelecto está en espera por el momento, dejando el comando a los oídos y los ojos. Al igual que las cámaras de vigilancia, estas intentan escanear lo que sucede para diferenciar entre «superdotados» y «discapacitados», entre «correctos» y «locos».
nosotros y ellos
La irritación puede explicarse inicialmente por el hecho de que inicialmente se permite a los espectadores intervenir en la actuación de la compañía de danza Dançando Com A Diferença. Un DJ de mal humor baila frente a la cortina, animando a la audiencia a aplaudir y cantar. Pero tan pronto como surge la prioridad, el mundo parece dividirse en dos. Aquí el asombro en las filas, allá una foto grupal de diversidad variopinta: marineros, DJs, torero, enfermeras, monja Shaolin.
El escenario recuerda a un arca, en el que la coreógrafa Marlene Monteiro Freitas presenta a los nueve intérpretes, inicialmente como seres sin voluntad que miran perdidos al público como animales amaestrados. La ópera «Salomé» de Richard Strauss no solo trae un estado de ánimo apocalíptico a la sala, sino también movimiento en los protagonistas, todos los cuales tienen que vivir con una discapacidad física.
La luchadora de Shaolin con una cabeza calva como la de un bebé se puede ver primero entrenando antes de dar a luz a un bebé mientras grita de dolor. Dos capitanes atienden a una temblorosa Salomé; después uno de ellos se presenta como cantor, el otro demuestra contracciones de su considerable abultamiento. Una lavandera sin piernas, cuya cabeza parece estar en un cuenco, luego se convierte en mujer policía. Y la temblorosa Salomé marca el ritmo haciendo sonar su taza en un plato, antes de entonar con un vibrato incomparable el hit “The Man I Love”.
Los actores de «Ôss» lo dan todo.
Estos son solo algunos ejemplos. Las acciones de la compañía no encajan en la narración, sino que parecen obedecer al ritmo de actuaciones mecánicas y hábitos rituales. De vez en cuando es interrumpido por repentinos ataques de ira y dolor y acentuado por puntos clave de la vida: por escenas de nacimiento, amor, muerte.
Entonces, ¿el tema es obviamente la existencia humana misma? De esta manera, la brecha entre el conjunto y la audiencia podría cerrarse nuevamente. Quizá por eso el DJ intenta animar a la gente en sus asientos a que se unan más tarde. Pero ahora se están conteniendo. «Ôss» es un espectáculo impresionante, pero todavía hay una inhibición hacia los actores, que nunca ocultan sus discapacidades, sino que las hacen alarde deliberadamente. Solo al final se celebra su desvergonzada franqueza y bravura física con una ovación de pie.
Voces de Europa del Este
El programa de espectáculos de teatro trae producciones de todo el mundo a Zúrich. Aquí, la diversidad es menos un concepto progresista que una tradición. Y así, por ejemplo, al Teatru Spalatorie de Moldavia, que parece tan lejano, se le ofrece una plataforma aquí. En «Sinfonía del Progreso», la directora Nicoleta Esinencu sitúa a tres personas en una especie de taller industrial desde donde se acercan peligrosamente a nosotros, incluso nos acercan con sus ruidos y quejas.
Con un pie todavía en la tristeza del poscomunismo y el otro en la rueda de hámster de la presión capitalista para rendir, los dos estudiantes y una estudiante hablan en rumano o ruso sobre sus experiencias laborales en los países de la UE, por ejemplo en Amazon o en la cosecha de pepino finlandés. ¡Nada de cultura de bienvenida! En cambio, condiciones que difieren solo ligeramente de la esclavitud.
Se dice que en la UE les da la sensación de que nacieron con mal cuerpo. Pero los estudiantes de Chisinau están contraatacando. Acompañados de un techno ruidoso y cáustico, que generan con destornilladores y taladros, articulan su burla y enfado, que culmina en la utopía de la UE como colonia de Europa del Este.
La producción «One Song» del artista belga Miet Warlop ofrece un punto culminante y una verdadera exageración en el primer fin de semana del espectáculo teatral en el escenario al aire libre del lago. «One Song» impresiona con un concepto simple y aún más conciso: de hecho, se interpreta una sola canción. Pero los músicos de la banda aparecen en la arena, recibidos por coros de fanáticos, vestidos como atletas. Y tan pronto como el metrónomo establece un tempo, los actores no solo manipulan sus instrumentos, sino también el equipo deportivo.
El violinista también actúa como gimnasta en lo alto de la barra de equilibrio, el baterista corre detrás de los tambores y platillos repartidos por el escenario; el contrabajista hace ejercicios de suelo. El cantante entona su canción pedaleando en una caminadora; a veces hacia atrás, a veces hacia adelante. El mensaje de la canción es claro: «Corre por tu vida, hasta que mueras»: corremos por nuestras vidas hasta que morimos.
estrés al final
«One Song» toca el nervio de los tiempos de varias maneras. Por un lado, la pieza denuncia directamente el estrés de rendimiento al que nos sometemos en el trabajo, el deporte y el juego. Eso ahora explica las luchas de poder entre los atletas y los músicos en el escenario. Contra la voluntad de los fans, el bajista en particular intenta reducir el estrés ampliando el repertorio con una suite para violonchelo de Bach y ralentizando repetidamente el tempo en el metrónomo. Sin embargo, el espectáculo termina con el hecho de que, después de que todos los demás están exhaustos en el suelo, la animadora de Dervish finalmente se queda sin aliento.
Al igual que «Ôss» y «Symphony of Progress», «One Song» gira en torno a un grupo de personajes fijos que difícilmente se desarrollan a través de la influencia mutua. Más bien, se rigen por una situación o un destino compartido que no produce una narrativa compleja sino una dinámica variada que recuerda las tensiones de la música y el deporte.
Eso hace de «One Song» un espectáculo que puede ser muy divertido, especialmente en su sencillez. En realidad, la pieza te hace pensar menos en una canción que en un bucle constante: el público puede experimentar cómo la repetición de diversas actuaciones y rituales acaba por robarles a los intérpretes su fuerza y su aliento.