Semana de los 90: desde «Paris Is Burning» hasta «Boys Don’t Cry», la historia del cine independiente es la historia del cine queer.
Acuñado por la historiadora y crítica de cine B. Ruby Rich en 1992 para dar voz a la explosión del cine queer que estaba presenciando en el floreciente circuito de festivales de cine, la influencia del Nuevo Cine Queer en el cine independiente no puede subestimarse. En los años 80, películas como «Stranger Than Paradise» de Jim Jarmusch y «Sex, Lies, and Videotape» de Steven Soderbergh hicieron explotar la idea de lo que película podría ser, a su vez, inspirar a una nueva generación de cineastas queer radicales a tomar la cámara y abrir todo de par en par.
Mientras Hollywood producía éxitos de taquilla como «Terminator 2» y «Jurassic Park», cualquiera que prestara atención podía ver que la verdadera diversión se estaba teniendo muy por debajo del presupuesto. Sundance seguía siendo una pequeña reunión nueva en Park City, donde alguien recién salido de la escuela de cine podía proyectar una película y conocer a artistas de ideas afines. A lo largo de la década, Sundance se estableció gradualmente como el epicentro del mercado cinematográfico estadounidense y, de repente, las películas independientes tuvieron una oportunidad real de presentarse en los cines de todo el mundo.
Documentando la vida queer
Filmado a mediados o finales de los 80, «Paris Is Burning» es uno de los títulos más importantes que llegaron a definir el género. Estrenado en 1990 y llegando a los cines en 1991, el documental seminal de Jennie Livingston comenzó la década en el cine queer con una explosión explosiva. Los personajes audaces, la moda fabulosa y los bailes que desafían la gravedad no se parecen a nada que la mayoría de los cinéfilos hayan visto. Aunque la ostentación hizo que la gente se sentara, Livingston destaca la humanidad de sus sujetos, compartiendo la discriminación, el estigma y la alienación que crearon la necesidad de una comunidad de salón de baile.
Al enfocar la cámara en las personas fabulosas que la sociedad se esforzó tanto en ocultar, la película también celebró la belleza y la valentía que se necesita para protegerse y animarse unos a otros a través de la música, el baile y la autoexpresión.
“París está ardiendo”
Colección Everett
Sin ser demasiado didáctico, «Paris Is Burning» puso al descubierto el concepto naciente de «interseccionalidad», los efectos superpuestos de la opresión basada en la raza, la clase y el género. Para su comprensión de estos temas, Livingston fue indudablemente influenciada por las películas de Marlon Riggs, cuyos retratos evocadores de hombres homosexuales negros que viven la crisis del SIDA no tienen paralelo en alcance y arte. Si bien los primeros trabajos de Riggs se publicaron a finales de los 80, tanto «Color Adjustment» (1992) como «Black Is… Black Ain’t» (1995) dejaron una marca indeleble en el cine queer y la representación de las comunidades marginadas en la pantalla.
Las Comedias Lésbicas Scrappy, de “Go Fish” a “But I’m a Cheerleader”
Como la primera película que se vendió a un distribuidor en Sundance en 1994, se podría argumentar que el mercado de películas independientes fue lanzado por una pequeña comedia romántica lesbiana llamada «Go Fish». Dirigida por Rose Troche y escrita por Troche y Guinevere Turner, esta rudimentaria comedia en blanco y negro establece su romance moderno entre un grupo inteligente de amigas lesbianas en Chicago. Hacer “Go Fish” costó $15,000, se vendió a Samuel Goldwyn por $450,000 y recaudó casi $2,5 millones.
Fue como si el mundo descubriera repentinamente que las lesbianas existían en 1994. «Go Fish» ha sido celebrado por demostrar la comercialización de las películas lésbicas, pero Troche tiene otra opinión.
«No creo que ‘Go Fish’ haya lanzado tanto a mil cineastas queer como a mil cineastas independientes», dijo en 2016.
“La mujer sandía”
Aparentemente de una pareja, «The Watermelon Woman» de Cheryl Dunye apareció dos años después, en 1996, protagonizada por Turner como el interés amoroso. Si «Go Fish» hizo que las lesbianas blancas fueran geniales, Dunye estaba aquí para recordarles a todos que las lesbianas negras habían existido durante el mismo tiempo.
Ambientada en Filadelfia, la película sigue el intento de Dunye de hacer un documental sobre Fae Richards, una actriz negra ficticia de la década de 1930. Impresionada por su belleza y el anhelo de una historia cinematográfica que refleje a alguien que se parezca a ella, Cheryl se embarca en un viaje que, aunque ficticio, produce más frutos que los de la verdadera Dunye. Cuando la búsqueda de archivo del director de mujeres negras en la pantalla no arrojó nada, Dunye inventó la suya propia. Con la participación de Turner y de la fotógrafa Zoe Leonard, “The Watermelon Woman” encarna el espíritu de colaboración del cine independiente en ese momento, especialmente entre el mundo más pequeño del cine queer.
Aunque llenas de grandes ideas, estas comedias aprovecharon al máximo un enfoque minimalista, confiando en unos pocos personajes y una escritura inteligente para contar historias atractivas. Cada uno allanó el camino para algo un poco más ambicioso, y la década en la comedia queer terminó con fuerza con «But I’m a Cheerleader» de Jamie Babbit. Ambientada en la actualidad con una atrevida estética retro, la película está protagonizada por una joven Natasha Lyonne como animadora enviada a un centro de rehabilitación para adolescentes homosexuales y lesbianas.
El tipo de película para la que se inventaron los términos «peculiar» y «poco convencional», esta salvaje comedia de conjunto incluyó actuaciones deliciosamente locas de Cathy Moriarty, Clea DuVall, RuPaul, Melanie Lynskey, Michelle Williams e incluso una breve aparición de Julie Delpy. Nerds del cine independiente, cómanse el corazón.
Las tragedias punk de Shakespeare
Mientras que las comedias queer restaron importancia a la soledad y la alienación que marcaron gran parte de la vida queer en los años 90, un subgénero de tragedias épicas crudas sobre adolescentes rebeldes hizo hablar a la juventud descontenta de los años 90. La tendencia comenzó con «My Own Private Idaho» (1991) de Gus Van Sant, que presentó a los rompecorazones adolescentes Keanu Reeves y River Phoenix como jóvenes estafadores callejeros que huyen de hogares destruidos. Basada libremente en el trío de Enrique IV de Shakespeare, Reeves interpreta a un libertino príncipe Hal que desafía la influencia del intrigante Falstaff de William Richert. Al casar lo profundo con lo profano, ofrece soliloquios dignos de un escenario contra un telón de fondo mugriento de la era grunge de Portland.
Lanzado el mismo año, “Young Soul Rebels” de Isaac Julien exploró las tensiones entre los movimientos skinhead, punk y soulboy británicos de la década de 1970. Con el telón de fondo de una investigación de asesinato, las dos historias de amor de la película transgreden las divisiones raciales y de clase. Con música del Parlamento, Roy Ayers, X-Ray Spex, Sylvester y los O’Jays, la película utiliza una banda sonora ecléctica para subrayar el choque cultural que su historia exterioriza de manera tan brillante.
«El final vivo»
Strand Releasing/cortesía de la colección Everett
Más punk rock que tragedia épica, “The Living End” (1992) de Gregg Araki lo anunció como el último niño salvaje del cine queer, estableciendo su estilo cinematográfico queer punk. (Para obtener más información sobre las contribuciones de Araki al cine de los 90, visite su conversación con Andrew Ahn). Encendida por una banda sonora post-punk industrial, «The Living End» sigue a dos niños homosexuales con VIH que se dan a la fuga después de asesinar a un homofóbico. policía.
Inspirada en películas de parejas en fuga como «Bonnie and Clyde» y comedias disparatadas como «Bringing Up Baby», «The Living End» es una road movie estridente que surge de la experiencia de Araki viviendo la crisis del SIDA cuando era un joven queer. .
«Boys Don’t Cry» (1999) de Kimberly Peirce, que llegó tarde en la década pero tuvo una gran influencia, contó la historia real de la vida y la muerte del hombre trans Brandon Teena. Como las tragedias queer anteriores habían dramatizado el VIH, el rechazo familiar y la falta de vivienda de los jóvenes queer, «Boys Don’t Cry» ofreció retratos inquietantes y humanizadores de los efectos de la transfobia violenta. Con una actuación ganadora del Oscar de Hilary Swank, la película marcó la primera vez que la mayoría de los estadounidenses se vieron obligados a ver a las personas trans como dignas de dignidad y respeto.
La película de estudio de presupuesto medio perdida hace mucho tiempo
Hablando de «Thelma y Louise» (que, admitámoslo, era bastante raro), los años 90 también se definieron por un goteo lento pero seguro de personajes y temas LGBTQ en los éxitos principales. Si bien es imposible imaginar que un gran estudio respalde una película como “My Own Private Idaho” incluso hoy en día, el éxito de las películas del New Queer Cinema llevó a suavizar la idea de ver lo queer en la pantalla. Aunque dramas como «The Crying Game» e «Basic Instinct» ofrecieron representaciones menos que ideales de personajes queer, abundaron más representaciones de celebración en comedias de presupuesto medio, el tipo de estudios obsesionados con las franquicias que simplemente ya no hacen.
«Sra. Doubtfire” (1993) vio a Robin Williams completamente vestido, recordando a Hollywood, en la tradición de Tony Curtis, que el travestismo puede ser una fuente importante para la comedia bufonesca. Nativo de San Francisco, Williams volvió a bendecir a los fanáticos de la comedia gay con «The Birdcage» (1996), en la que interpretó a un homosexual junto al poderoso Nathan Lane en una fabulosa americanizada de Mike Nicols y Elaine May «La Cage Aux Folles». La década terminó con la más realista «In & Out» (1997), en la que Kevin Kline interpretó a un maestro que descubre su sexualidad después de que un estudiante asume que es gay. Los tres fueron grandes éxitos financieros que se podían ver fácilmente en cualquier teatro de los EE. UU.
“La jaula de pájaros”
Lorey Sebastián/United Artists/Kobal/Shutterstock
Un elemento fijo de Sundance a lo largo de los años 90, “Philadelphia” de Jonathan Demme tiene una gran deuda con el New Queer Cinema, que allanó el camino para su drama de gran impacto sobre el VIH/SIDA. Protagonizada por Tom Hanks como un hombre gay con VIH que demanda a su antiguo empleador por despido injustificado, “Philadelphia” es ampliamente considerada la primera película gay convencional y la primera en retratar a un personaje gay bajo una luz positiva. Hanks ganó el Oscar al Mejor Actor por su interpretación, lo que inició la desafortunada tendencia de los actores heterosexuales que interpretan a homosexuales para los premios.
No hay suficiente tiempo para dedicarlo a todas las maravillosas e impactantes películas queer de los años 90. Derek Jarman, Todd Haynes, Tom Kalin, Lisa Cholodenko, Ang Lee, Wong Kar Wai, Maria Maggenti, Lukas Moodysson, Deepa Mehta, Alain Berliner, los Wachowski e incluso David Cronenberg hicieron inmensas contribuciones al género. Todo su trabajo merece ser visto, celebrado y preservado.
Rastrear el legado de estas películas es aprender cómo la historia del cine queer es la historia del cine mismo.
Este artículo se publicó como parte del espectacular Semana de los 90 de IndieWire. Visite nuestra página de la Semana de los 90 para obtener más información..
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