El artista queer del color explotando esas mismas etiquetas

Últimamente, Christina Quarles ha estado pensando mucho en la intimidad. “Puedes ser más complicado y contradictorio cuando no intentas que la gente entienda tu versión abreviada”, dice el artista de Los Ángeles. “Puedes simplemente estar en tu cuerpo”.

Estar en tu cuerpo es el tema central de las pinturas prismáticas fantásticas de Quarles, en las que figuras racialmente ambiguas giran en posiciones imposibles. Los torsos y las extremidades convergen para formar criaturas compuestas de otro mundo que son de color naranja, magenta, azul marino y marrón. Canalizando la intensidad expresiva de los autorretratos de Frida Kahlo con la contorsionada fisicalidad de las pinturas de Egon Schiele, las figuras en las pinturas de Quarles se retuercen de dolor y placer.

“Hay un ir y venir entre un plan y un error”, dice sobre su práctica. “La pintura pasa de ser un gesto puramente físico a ser un error digital”. En el mundo del arte, experimentó un ascenso meteórico al estrellato: en abril, debutó en la Bienal de Venecia. Al mes siguiente, una de sus pinturas se vendió por un récord de 4,5 millones de dólares en Sotheby’s. Y el 8 de septiembre tendrá su show debut en Nueva York en la mega galería Hauser & Wirth. Eso es antes de su inclusión en la Biennale de Lyon, a partir de finales de mes. Quarles es parte de una ola de jóvenes artistas figurativos negros, incluidos Jordan Casteel y Tschabalala Self, cuyo rápido ascenso ha sido emocionante de presenciar, pero también es innegablemente tenso, como cuando su trabajo se vende en una subasta y obtiene titulares y publicidad, pero ninguno de los ganancias

Quarles se crió en Chicago y se convirtió en diseñadora gráfica y estudiante de maestría en bellas artes en el prestigioso programa de pintura de Yale, antes de dedicarse profesionalmente a su práctica artística. Habló con The Cut sobre convertirse en madre, medir el éxito en el mercado del arte y viajar por Europa con su familia queer poco convencional.

Este verano estuviste en una residencia en Somerset, en la campiña inglesa. ¿Cómo impactó ese cambio en la configuración de su práctica, especialmente su paleta de colores?

Fue realmente salvaje estar en Somerset, porque no hay contaminación del aire. Los azules de los cielos y los verdes de todas las plantas eran tan vibrantes y nítidos. Hice pinturas allí que estaban muy saturadas de color. Y el sol se puso alrededor de las 10 de la noche, así que tuve medio día extra para pintar. Hubo estos largos períodos locos de azul crepúsculo, mientras que en Los Ángeles, todo se siente muy blanqueado por el sol. Es esta luz caliente y filtrada. Los cielos de Los Ángeles son casi de un blanco azulado, y tenemos estos locos atardeceres de rosas y naranjas intensos.

¿Cómo ha sido viajar fuera de los EE. UU. por primera vez en años?

Me criaron sintiendo que es un beneficio estar rodeado de tantas personas diferentes como sea posible, porque todos son súper neuróticos y están en mal estado, así que si estás rodeado de suficientes tipos de personas diferentes, puedes armar un sentido completo de la mundo.

En Europa, siempre he encontrado menos disposición a hablar de raza. Existe la idea de que es un problema estadounidense, no un problema europeo. La gente hablará de clase allí, pero estará un poco confundida acerca de cómo hablar de raza.

En países religiosos, como Italia, también siempre existe la cuestión de: ¿Qué tan gay quieres ser? Siempre es un proceso de revelación, ya sea con mi raza o mi sexualidad. Mientras viajábamos, navegamos por una inversión de género, donde nuestra niñera, chef y ama de llaves contratada, que también es una amiga, es un hombre, y mi esposa y yo somos creativos. todos en [restaurants] pensó que él era el que tenía que poner el cheque delante de.

Has hablado de cómo no encajas perfectamente en las categorías. Tu madre es blanca y tu padre es trinitense. ¿Cómo se manifiesta en tu arte la idea de tener múltiples identidades?

Nací en 1985, cuando mis padres no podían poner más de una raza en mi acta de nacimiento. Y nací en Chicago, no era un pueblo pequeño.

Siempre estoy definido por mi entorno; contrasta lo que soy. Muy a menudo los blancos me malinterpretan como blanco. Entonces, si estoy en una habitación solo con gente blanca, hay cosas que se dicen sin la conciencia de que hay una persona de color en la habitación. Pero luego, si estoy en un espacio creado para estudiantes de arte negros, como en Yale, es cuando me siento más blanco, como si no debería estar en la habitación. Mi sentido de identidad suele verse socavado por la comunidad en lugar de definido por ella.

En mis pinturas, los ambientes que dan contexto a las figuras a menudo rebanan o cortan, fragmentando sus cuerpos. Hay una tensión entre límite y borde y definición y legibilidad. Juego con el deseo de precisar una narrativa y completar una imagen. El color de la piel es más para definir una sensación de calor o frialdad o resbaladiza o suave; se usa para la sensación literal de la carne en lugar de la observación de la misma. Creo imágenes que nos recuerdan que la realidad se construye.

Cuéntame sobre tu configuración de estudio en casa en Los Ángeles.

Vivo en Altadena; es como el país de Los Ángeles. Durante la mayor parte de la pandemia, trabajé en un garaje convertido detrás de mi casa que tiene menos de 400 pies cuadrados. Está tan cerca que podía ver a mi familia en la cocina almorzando mientras yo pintaba. Se convirtió en un espacio de usos múltiples que también fue casa de huéspedes y gimnasio temporal. Hacía una pintura y luego tenía que darle la vuelta y enviarla fuera del estudio. En esas pinturas, las figuras se topan contra el marco, que son espacios físicamente confinados.

Siempre guardo una foto de mi bisabuelo en mi estudio, vaya donde vaya. Creo que la mayoría de los artistas tienen tendencias acaparadoras. Traigo cosas raras a mi estudio que me hacen reír, como esta taza de una tienda de un dólar que dice «Diva» (es literalmente una taza de Diva) o naranjas falsas realmente realistas o este divertido jarrón de segunda mano que parece una flor con un ano. Estoy construyendo un nuevo estudio cerca de los establos de caballos arriba de la propiedad.

Tu práctica equilibra composiciones planificadas y gestos libres. ¿Cuánto está ejecutando en una visión planificada de antemano en lugar de improvisar sobre la marcha?

Tengo un catálogo de cosas que me interesan: estampados, ambientes, recuerdos de una figura. Recientemente ha sido madera contrachapada y patrones de vetas de madera, seda muaré del siglo XVIII. También papel marmoleado, que tiene patrones alucinantes.

Entrando en una nueva pintura, no tengo un boceto. Pondré una marca gestual y luego improvisaré. La pintura es muy física. Tal vez pinte una línea que podría ser la espalda de una figura, pero en realidad se convierte en un brazo. Tal vez tropiezo mientras lo hago y se tuerce un poco. O un color de pintura se mezcla con otro y forma un tercer color. O ocurre un goteo. El goteo en realidad podría ser un descanso interesante, un punto en el que puedo dividir la cara o tener un pie contra esa línea.

Luego fotografío el trabajo, lo llevo a mi computadora y empiezo todo el proceso de hacer plantillas digitales con Adobe Illustrator. Conozco muy bien a Illustrator por trabajar como diseñador gráfico, cuando solía diseñar invitaciones de boda.

Mucha gente tiene una respuesta visceral a las figuras de tus pinturas. La forma en que se retuercen y contorsionan en posiciones imposibles es a la vez conmovedora e inquietante. ¿Qué tipo de experiencia corporal te interesa capturar?

El trabajo es una exploración de lo que es ser En tu cuerpo. Hay cuadros que veo como retratos, no de mirar a un cuerpo sino de ser en tu cuerpo mirando al mundo. Estoy más interesado en la sensación de estarGinebra un cuerpo racializado o de género, y menos interesado en lo que es mirar a un cuerpo racializado o de género.

Todos nosotros estamos en constante desventaja en el sentido de que podemos ver a todos los demás como estos rostros, porque normalmente haces contacto visual, pero es la parte de nosotros mismos que no podemos ver todo el tiempo. Lo que tu hacer ven son tus manos y tus pies y tus brazos y piernas. Entonces eres este revoltijo fragmentado en cualquier situación social dada, mientras interactúas con estas personas aparentemente completas. La necesidad de intimidad es tener momentos en los que no tengas que tratar de ser solo una cara. En las pinturas, uso las manos y los pies, más que las caras, para articular realmente la expresión.

Cuando estás trabajando y te estás metiendo profundamente en una pintura, ¿cómo te sientes en tu cuerpo?

Para una pintura de 86 pulgadas, me pongo de puntillas para hacer el arco de un brazo. Esa es mi envergadura literal, lo más alto que puedo hacer como una persona de cinco pies y cuatro con un cepillo. Es la rotación de mi hombro. Paso de la escala del hombro a la escala del dedo cuando estoy dibujando en un panel táctil.

¿Cómo ha cambiado tu trabajo tener un bebé con tu esposa?

Con un bebé, todo lo que haces es mirar una cara. Todo el día. Ya no eres físicamente importante, solo estás cuidando esta carita. creo que el trabajo [in the Hauser & Wirth show] Tiene más caras, seguro. Cuando tienes un hijo, estás tan corto de tiempo que estás tratando de encontrar formas de ser más eficiente. Como, ¿debería conseguir un asistente de estudio? Decidí no hacerlo. Existe la idea de que el éxito o el progreso están marcados por cosas que se vuelven más expansivas, y creo que en realidad es una forma de pensar occidental o capitalista.

Con mi esposa y yo, no estaba claro cuál de nosotros llevaría al niño, tendría el embarazo. Ambos tenemos trabajos creativos en los que trabajamos todo el tiempo y nunca; había menos certeza de quién asumiría la responsabilidad doméstica. Pensamos en cómo podemos hacer esto de una manera que funcione para nuestro estilo de vida, donde haya una sensación de realización creativa para todos. Es algo que es extrañamente más fácil cuando no estás automáticamente en roles de género reforzados por la cultura.

En este momento, estoy en esta encrucijada de optimismo y pesimismo. No ha habido un ajuste de cuentas real con toda la muerte [during the pandemic] y toda la violencia. Hay cosas, culturalmente, que necesitamos llorar. Siento que estoy en este estado muy pesimista sobre el mundo y la humanidad, pero al mismo tiempo acabo de tener un bebé. Como padre, debe creer que, como mínimo, las cosas seguirán igual pero, idealmente, mejorarán para su hijo.

En mayo, tu pintura La noche cayó sobre nosotros (Up on Us) vendido por un récord de $ 4.5 millones. Muchos artistas y galeristas se preocupan de que sus obras de arte se vendan en una subasta; cuando una obra de arte va al mejor postor en lugar de a un coleccionista de confianza que ha mostrado interés en la carrera a largo plazo del artista, el riesgo es que se esconda en una instalación de almacenamiento en lugar de prestarse a museos públicos para su exhibición. Pero las altas ventas en subasta también pueden llamar mucho la atención sobre su trabajo. ¿Cómo fue para ti descubrir que tu pintura se vendió por tanto?

Alguien me envió un mensaje de texto: «Dios mío, tu trabajo se vendió por…» y luego vi un signo de dólar, un 4 y luego 562. Yo dije: «Oh, el trabajo se vendió por $4562 en una subasta, eso parece bastante decepcionante». Entonces me di cuenta de que eran 4 millón dólares Eso solo te muestra cómo, como artista, siempre estás incrédulo. El mercado es abstracto. He visto mi trabajo ser valorado literalmente en nada, como si no pudiera regalarlo. Y he estado emocionado de ganar $4,000 por una pintura. El valor cambia dramáticamente.

Te dicen que es malo si tu trabajo va a subasta porque crea un frenesí. Pero luego también te dicen que es algo bueno. Y luego monetariamente, eres como: No hago nada de ninguna manera. Tienes que archivarlo en una parte diferente de tu cerebro, y no puede ser lo que motive o intimide el proceso.