El mejor teatro de 2023

El director Garry Hynes cofundó el Druid Theatre de Galway en 1975 y, bajo su dirección, todavía está organizando aventuras épicas en la obra de grandes dramaturgos irlandeses, la más reciente en esta rigurosa y bellamente interpretada maratón de un día de duración de la tremendamente divertida y finalmente devastadora película de Sean O’Casey. Trilogía de Dublín. al asumir El arado y las estrellas, La sombra de un pistoleroy Juno y el Paycockel maravilloso conjunto de Druid sacó a relucir el humor agudo de las obras, su desafiante centrado en los pobres y los políticamente marginados, y su clara resonancia poética, a la vez hermosa y terrible, en nuestros fracturados y brutales años 20.

En esta “actuación híbrida de conferencia” engañosamente tranquila de la escritora y directora Annie Dorsen (que también es el único ser vivo en el escenario), el teatro se enfrenta cara a cara con la singularidad y sobrevive. Dorsen ha estado realizando una serie de piezas de “teatro algorítmico”, investigando la naturaleza ya omnipresente de la IA en nuestra vida cotidiana, en nuestro arte, en nuestros cerebros. Aquí, le pidió a GPT-35 (el modelo de IA que ejecuta ChatGPT) que creara posibles versiones de la jugada final perdida de Esquilo. Prometea trilogía. El robot estaba a la altura de ella, en la forma de un coro de voces producido por IA que emanaban de una serie de máscaras diseñadas por IA, hablando el texto que GPT-35 estaba generando en el acto. Pero la propia Dorsen fue, con diferencia, la cosa más fascinante en el escenario. Al improvisar su conferencia palabra por palabra y oración por oración de innumerables fuentes (tomando prestado palabra por palabra como la IA), presentó un caso astuto, generoso y profundamente elocuente a favor del esfuerzo humano, el discernimiento humano y la belleza humana.

Ossie Davis escribió y protagonizó esta astuta sátira del sur de Jim Crow hace más de 60 años, pero en las ágiles manos de los actores del director Kenny Leon, especialmente la ultracarismática Leslie Odom Jr. y la cómicamente reveladora Kara Young, el espectáculo se sintió más aguda y de mayor corazón que muchas obras de teatro contemporáneas. Odom Jr. brilló como el personaje principal, un aspirante a reverendo con espíritu embaucador que regresa a su ciudad natal de Georgia para recuperar la iglesia que ha sido injustamente tomada por el viejo capitán Cotchipee, el tirano vestido de lino y adorador de la Confederación con el gran casa blanca en la colina. Y como la protegida de Purlie con los ojos muy abiertos y las extremidades elásticas, Lutiebelle Gussie Mae Jenkins, Kara Young ofreció el tipo de actuación que debería estar en el programa de estudios de la clase de actuación: arraigada, intrépida y muy divertida.

Ha sido una gran caída para el drama impulsado por conjuntos musculosos, y la primera producción del “Proyecto Friel” del representante irlandés, de un año de duración, de Doug Hughes. Traducciones, Fue un triunfo sin pretensiones. Divertida y trágica, tremendamente lírica pero poco sentimental, la obra de Friel de 1980 sobre la visita del ejército británico al pueblo ficticio de Baile Beag en la década de 1830 (enviado en una misión imperialista para volver a dibujar el mapa de Irlanda y anglicanizar los nombres de sus lugares) parecía fresca y llena de intensidad compleja. La lúcida producción de Hughes fue un escaparate excepcional para sus actores, desde Seán McGinley como Hugh, el viejo maestro de escuela de alma poética, hasta Owen Campbell como su amoroso y frustrado hijo, Manus, y la luminosa Mary Wiseman como “Maire, la de cabello rizado”, la mujer que Manus ama cuyo corazón anhela otra parte.

¡También ha sido una gran caída para Irlanda! Aunque, en la producción vigorosa y terrenal de Arin Arbus de la obra maestra de Beckett de 1953, parecía como si Vladimir y Estragon estuvieran esperando al costado de una antigua ruta de camiones en algún lugar en medio polvoriento de lo que una vez fue Estados Unidos. Como Didi y Gogo, Paul Sparks y Michael Shannon pusieron en primer plano el humor y la humanidad de la obra en un par de actuaciones valientes y encantadoramente distintivas. Ellos hicieron Godot Siéntete como una obra de teatro sobre un matrimonio, con toda su taquigrafía y tedio, su afecto y sus frustraciones, y una calidez cascarrabias acumulada a su alrededor en el frío camino, sin socavar el eterno encuentro de la obra con el abismo.

La descarada y exuberante creación de la fantástica actriz y escritora Becca Blackwell, Arrebatar a Adams encantada no sólo con las travesuras anárquicas de su premisa de programa de entrevistas (Snatch es una vagina parlante de dos metros de altura que presenta un programa de variedades con su amigo de bajo perfil, Tainty, un sabio-grietaing perineo), pero también, y más sorprendentemente, con el corazón puro y dulce debajo de sus salpicaduras y brillo. Curioso, generoso y alegre, el espectáculo de Blackwell, escrito e interpretado con la literalmente atrevida Amanda Duarte, se sintió como un vigorizante exorcismo de los demonios de la vergüenza, la mojigatería y la ironía. Fue el viaje en el autobús escolar mágico, desordenado y gloriosamente abierto, que no sabía que necesitaba.

Resulta que el famoso «roto» Alegremente No fue nada: un director lúcido y un fantástico trío de actores, dedicados a la sinceridad, la vulnerabilidad y la entre sí — no se pudo arreglar. La hermosa producción de Maria Friedman representó el espectáculo con claridad, permitiendo que Lindsay Méndez, Jonathan Groff y Daniel Radcliffe expandieran su corazón en tres tamaños. Groff fue desgarrador como el centro comprometido del programa, el brillante y vendido Franklin Shepard; Radcliffe se lanzó hacia las vallas como el nervioso y entrañable Charley Kringas; y Méndez, cuyo papel como la bromista Mary Flynn puede parecer amargo y respaldado, estaba firme y radiante, vertiendo silenciosamente su alma en “Like It Was”, dejando todo a nosotros mucho más roto que la obra.

En este momento de nuestro baile con la pandemia, parece que los cines todavía están asustados a la hora de pedirle al público que se quede más de 90 minutos, por lo que fue especialmente emocionante pasar tres horas fascinantes en compañía de los ambiciosos, aspirantes y a veces crueles. pero siempre convincentes compañeros de banda que habitan el magníficamente elaborado diseño de David Adjmi. Estereofónico. Con siete actuaciones tremendas (incluyendo a Will Brill como un bajista inquieto y feliz con las sustancias y Eli Gelb como un ingeniero de sonido serio y cada vez más desencantado), la epopeya del rock and roll de Adjmi inspirada en Fleetwood Mac se entregó en todos los frentes, desde la batería de Daniel Aukin hasta dirección ajustada a las canciones perfectamente calibradas del ex miembro de Arcade Fire Will Butler. Fue un canto al proceso creativo, un retrato amoroso y riguroso de cómo es ser adicto al arte.

Es Annie Baker, así que fue divisivo: la gente se enfureció cuando los personajes comenzaron a hablar sobre sus cuerpos sufrientes y sus deseos atormentados con detalles despiadadamente clínicos, y me encantó. Con la magnífica dirección de James Macdonald, el juego de memoria de Baker sobre los pacientes en una clínica de “ayuno de agua” del norte de California era inmensamente seguro, cargado de electricidad pero sereno y, a la manera inimitable del dramaturgo, brutal y gentil al mismo tiempo. Marylouise Burke y Christina Kirk formaron un elenco estelar, que interpretó la meticulosa disposición del lenguaje y el espacio negativo de Baker como un sexteto virtuoso. Mortality estaba sentada frente a nosotros en una fila de tumbonas junto a la piscina, pero no estaba sola. La curiosidad y la compasión también estaban ahí.

Suave, generosa, aparentemente simple en su forma pero llena de complejidad, la exposición individual del escritor e intérprete Milo Cramer de canciones inspiradas en los niños a los que enseñaron durante sus cinco años como tutor en la ciudad de Nueva York fue tan fascinante como dulcemente divertida. Armado con cartulina, un ukelele y un par de teclados, Cramer crea retratos curiosos y complicados de sus antiguos alumnos, de ellos mismos y de las instituciones de enseñanza y aprendizaje que nos han moldeado, con o sin nuestra atención al hecho. . Como una confesión de incertidumbre, una búsqueda de matices, una celebración de estos estudiantes (todos ellos en sus propios y difíciles viajes) y un llamado a reexaminar nuestros valores codificados, el programa trascendió su contenedor intencionalmente humilde. Su canción estará en mi cabeza durante mucho tiempo.