La pintura moderna surgió en Venecia

Venecia es incomparable. Aún hoy, la gente sigue encantada con esta ciudad entre el agua y el cielo, construida sobre pilotes y pequeñas islas. Es obra de siglos y, sin embargo, de perfecta unidad en la diversidad. Además de la encantadora interacción de luces y sombras, lluvia, neblina y niebla, nubes, amanecer y anochecer. Así es la Serenissima: una belleza en peligro de extinción. Las condiciones climáticas aquí siempre han aumentado la percepción de los colores y la luz. “Lo que se llama pintura sólo surgió con los venecianos”, afirma Cézanne.

Esto es particularmente cierto en el caso de Giorgione y el joven Tiziano, quien, siguiendo a Giovanni Bellini, redescubrió el mundo a través del color. Bellini había estado experimentando con la técnica de la pintura al óleo desde principios de la década de 1470. Permite transiciones suaves entre luces y sombras mucho mejor que la tempera bastante seca.

Descubrimiento del paisaje

La Alte Pinakothek Munich, cuya colección alberga más de 200 obras de pintura veneciana de los siglos XV y XVI, se ha fijado ahora el objetivo de realizar un inventario a gran escala de la «revolución suave» de la pintura veneciana durante la primera mitad del año en una exposición del siglo XVI. Se centra en retratos y paisajes y su interacción.

La pintura de paisajes es uno de los logros centrales del arte renacentista en Venecia. Anteriormente, los paisajes basados ​​en modelos nórdicos casi siempre habían servido como “telón de fondo”, como marco para las figuras de cuadros devocionales o escenas bíblicas. En el Renacimiento, el paisaje se convirtió en un portador simbólico de estados de ánimo. Esto se puede entender especialmente bien en “Cristo en el Monte de los Olivos” de Giovanni Bellini o en su “Resurrección de Cristo”.

Las representaciones de San Jerónimo en el desierto fueron populares porque aquí se definía temáticamente la relación entre el hombre y la naturaleza. A veces se puede identificar un paisaje, como en el cuadro devocional de Bellini, que muestra a San Jerónimo leyendo entre escarpadas paredes rocosas, probablemente frente a la ciudad de Marostica.

Una de las primeras representaciones puramente paisajísticas del Véneto fue realizada en 1506 por Lorenzo Lotto, que estuvo representado principalmente en la exposición de Munich con grandes retratos, en la predela del altar mariano de la iglesia de Santa María Asunta en Asolo. Dado que los pintores venecianos estaban felices de inspirarse en la poesía de Ovidio, Teócrito y Virgilio, los paisajes arcadianos inspirados en Terraferma también encontraron su camino en la representación de escenas mitológicas y bucólicas.

Giorgione y las consecuencias

La «Madonna di Castelfranco» de Giorgione retoma el tipo de imagen de la Sacra Conversazione introducida por Giovanni Bellini en Venecia: la representación de la Virgen entronizada, rodeada de santos en una reunión inmóvil. Es el único retablo conocido del pintor, que trabajó principalmente para coleccionistas privados de la élite veneciana y para un conocedor educado.

Con obras como “Tempesta”, sobre las que existe una riqueza casi inmanejable de interpretaciones, Giorgione lleva la pintura de paisajes a una nueva dimensión. La escena de la tormenta con relámpagos y relámpagos se convierte, por así decirlo, en un rompecabezas de imágenes, lleno de referencias ocultas y mensajes secretos que es necesario descifrar. Ninguna de las siguientes generaciones de artistas pudo ignorar esta obra visionaria, icono de la pintura europea.

Vasari menciona enfáticamente que Giorgione creó pinturas “senza disegno” (sin preparación mediante dibujos). De hecho, sólo han sobrevivido unos pocos bocetos de sus pinturas. Las investigaciones técnicas han demostrado que el artista en ocasiones realizó cambios durante el proceso creativo. Esto también se aplica a la doble imagen de Giovanni Borgherini y Trifone Gabriele, que la Alta Pinacoteca ha podido ahora identificar con gran probabilidad como obra del propio Giorgione basada en estudios científicos, fuente y estilísticos: un descubrimiento brillante.

La pintura de retratos experimentó un gran desarrollo alrededor del año 1500. Giovanni Bellini estableció el retrato autónomo en Venecia a finales del siglo XV. Aparecen dux, patricios y eruditos, fríos y tranquilos, distantes, sin emociones, a menudo detrás de un parapeto. Como resultado, se acentuó cada vez más el carácter individual de aquellos retratados de perfil tres cuartos con contacto visual con el espectador, y el interior se transpuso al exterior.

La mirada virtuosa por encima del hombro, particularmente utilizada por Giorgione, aumentó el efecto espontáneo y momentáneo. En el primer tercio del siglo XVI, el retrato masculino sufrió una metamorfosis desde una imagen representativa a una imagen de carácter íntimo. No sorprende que el “retrato lírico masculino” también tenga sus raíces en el arte tardío de Giorgione. Son retratos de un ensimismamiento melancólico, característico también de la poesía lírica de la época. En este modo de imagen se representan personas de identidades muy diferentes, hasta el emperador Carlos V, a quien Tiziano retrató cansado, viejo y sentado en un sillón con mirada escéptica.

señoritas atractivas

Además del desnudo femenino, el retrato femenino también fue uno de los nuevos temas pictóricos de principios del siglo XVI. La “nobildonne” veneciana rara vez aparece en los retratos oficiales. La sociedad estaba dominada por los hombres y la política estaba exclusivamente en sus manos. Los retratos realistas de damas de la alta sociedad se encuentran principalmente en retratos de parejas. Inspirándose en la poesía amorosa de la época, Tiziano y sus contemporáneos Palma Vecchio, Lorenzo Lotto, Paris Bordone, Jacopo Tintoretto y Paolo Veronese crearon un nuevo tipo de retratos idealizados poético-eróticos de mujeres, que se convirtieron en pioneros de la pintura europea en los años siguientes. siglos.

Estos retratos ideales de mujeres jóvenes atractivas, a menudo con escote generoso y mirada coqueta, en el baño, frente al espejo, en el tocador, gozaron de gran popularidad. La exposición de Múnich ofrece un panorama exquisito de estos retratos de mujeres con connotaciones eróticas, que muestran los encantos femeninos pero al mismo tiempo señalan la fugacidad de la belleza juvenil. Según los últimos descubrimientos basados ​​en el análisis de gestos y miradas, estas “belle donne” representan a novias que abren su corazón a sus prometidos dejando al descubierto sus pechos, sellando así sus votos de matrimonio y fidelidad.

Los retratos de familiares y donantes complementan el espectro del arte del retrato veneciano. En cuanto al retrato de tres generaciones de la familia Maggi realizado por Tintoretto y su taller, que antes se consideraba un retrato familiar anónimo realizado por un pintor veneciano no identificable, el equipo de investigación de Munich utilizó un trabajo detectivesco interdisciplinario para sacar a la luz una dramática historia familiar que incluía una disputa sucesoria. .

Científicamente ambiciosa, la feria de Munich se presenta en una producción que envuelve atmosféricamente a los visitantes mediante instalaciones sonoras y un sofisticado control del color y la luz, y en una arquitectura espacial que crea proximidad a los mundos visuales. Con su selección de obras de alta calidad, que también incluye exquisitos dibujos, grabados y algunas esculturas, está a la altura de exposiciones anteriores sobre el tema inagotable de Venecia en Hamburgo, Frankfurt am Main, Viena y Milán.

“La suave revolución de la pintura veneciana”. Alta Pinacoteca de Múnich. Hasta el 4 de febrero de 2024. Catálogo: 256 páginas, 166 ilustraciones en color, 34,– €.