Arte: Lilian Martinez/Cortesía del Artista y OCHI. Foto de Deen Babakhyi.
La quinta edición de Frieze Art Fair en Los Ángeles (del 29 de febrero al 3 de marzo) contará con la presencia de 95 galerías de 21 países, 13 de las cuales se presentarán en Frieze LA por primera vez. Con este nivel de variedad estilística y regional en mente, el Cut ha reunido a un grupo de diez mujeres artistas (que trabajan en diferentes culturas, identidades, edades y medios) que exhiben trabajos en la feria de este año, con la esperanza de que el acercamiento a estas Los creadores harán que sea un poco más fácil navegar por el laberinto de arte expuesto. Ya sea que estos artistas estén emergiendo o ya hayan alcanzado un nivel de reconocimiento establecido, todos están complicando y embelleciendo la experiencia humana de maneras exclusivamente propias, haciendo fuertes declaraciones con trabajos que vale la pena analizar más de cerca este año.
Arte: Akea Brionne/Cortesía del artista y Lyles & King, Nueva York.
La artista Akea Brionne mostrará nuevas obras en el “Focus” de la feria Sección (comisariada por Essence Harden, curadora de artes visuales y directora de programas del Museo Afroamericano de California), dedicada a galerías estadounidenses que llevan menos de 12 años en funcionamiento. Es la primera aparición en la feria para el artista y la galería. Los textiles de Brionne, que transforman fotografías familiares de archivo en tapices creados en un telar de jacquard digital, son representaciones realistas de la surrealidad de la vida y la soledad, a menudo comparadas con los interiores urbanos, los paisajes desiertos y las figuras anónimas de Edward Hopper. El enfoque textil de Brionne para crear realidades distorsionadas (a veces acentuadas con pedrería) es parte de una larga y rica tradición de mujeres artistas que utilizan hilos para crear arte. El tejido ha sido considerado durante mucho tiempo de manera un tanto peyorativa como «trabajo de mujeres», a pesar de su dificultad técnica (ingrese Ada Lovelace, la matemática que desarrolló los primeros códigos informáticos basados en la tecnología del telar jacquard). Históricamente, las mujeres negras también han empleado el uso de telas para crear colchas como una forma de contar historias y crear reliquias familiares. El trabajo de Brionne apareció recientemente en la exposición recién clausurada en LACMA, “Woven Histories: Textiles and Modern Abstraction”; Es una artista prometedora y apasionante cuyo trabajo aborda la textura de la feminidad y ofrece una mirada ecológica a las historias familiares.
Akea Brionne está representada por la galería Lyles & King
Arte: Stephanie Syjuco/Cortesía de Silverlens, Manila/Nueva York
El trabajo de la artista filipino-estadounidense Stephanie Syjuco, radicada en Oakland, es presentado por las Galerías Silverlens de Manila en su primera aparición en la feria. La colección completamente nueva de obras fotográficas de Syjuco explora la memoria material de los archivos, utilizando imágenes de la ahora desaparecida Crónica de Manila periódico (1945-1972) para crear collages que fusionen recortes de texto e imágenes multimedia para ilustrar el efecto de superposición de la historia a lo largo del tiempo. Teniendo en cuenta el panorama mediático actual, donde las noticias no sólo se emplean como un servicio público sino también como parte de una fórmula algorítmica y un peón político, el enfoque del artista en la era de posguerra de Manila y lo que sucede con la creación y difusión de narrativas ciudadanas cuando la ley marcial obstruye la continuación del intercambio de información pública—hace que su trabajo se vea más claramente. La decisión de Syjuco de superponer recortes de periódicos digitalizados y propaganda con imágenes de plantas decorativas comunes es un comentario sobre cómo la presencia engañosamente apolítica de la belleza a menudo oscurece la verdad del poder. Inquietante e inquisitiva con una sensibilidad de medios mixtos, la investigación histórica de Syjuco (fue becaria de investigación artística del Smithsonian en el Museo Nacional de Historia Estadounidense de 2019 a 2020) y sus instintos artísticos se muestran plenamente en estas fotografías que superponen el mundo natural sobre el Lo antinatural de la violencia autoritaria.
Arte: Jordan Casteel/Rosem Morton para The Washington Post vía Getty Images
Los impresionantes retratos de Jordan Casteel han atraído mucha atención y aclamación en los últimos años; a menudo presentan sujetos de innumerables orígenes en una variedad de escenarios: vendedores ambulantes en Harlem, los antiguos compañeros de clase del artista en Yale, etc. Las obras de Casteel, que a menudo presentan temas negros (a veces en expresiones de género no tradicionales), están escaladas como están por diseño. Los lienzos ricamente pintados del artista literalmente ocupan espacio y colorean las paredes blancas de las galerías de arte tradicionales. Sus sujetos, que a menudo rompen la cuarta pared y miran directamente al espectador, desafían a los espectadores a decirles que no pertenecen. Representadas con textura y sentimiento profundo, las pinturas de Casteel son instantáneas realistas pero idealizadas de la vida cotidiana y celebran la magia cotidiana de la negrura.
Arte: Laura Soto/Cortesía del artista
Las creaciones de la escultora Laura Soto son encantadoras obras de ensamblaje imperfecto. El artista a menudo peina las playas en busca de conchas y busca en las calles detritos desechados para crear fantásticas esculturas de técnica mixta hechas de resina, papel, acrílicos y más, que son tan accesibles como imposibles de duplicar. Su atracción por lo que se ha olvidado infunde a su trabajo un tipo particular de empatía, una que te hace querer apoyar a los desvalidos estéticos, y su manipulación del material y la forma (para crear objetos como libros y conchas de gran escala) es una inspiración. Meditación sobre el poder de la imaginación.
Arte: Fabula Images © Sarah Cunningham/Magda Kuczmik, cortesía de Lisson Gallery
Las pinturas abstractas de Sarah Cunningham, algunas de las cuales requieren años de pintura en capas para lograr la profundidad y el grosor de la textura presente en los lienzos, son celebradas por su capacidad para representar la inmensidad de los paisajes pastorales y el espacio psicológico de la mente en igual medida. Su uso de líneas y colores tiene muchas capas y es considerado, aportando un matiz rico e inspirado a las paredes de la galería. Las referencias de Cunningham van desde textos literarios hasta el entorno natural que rodea su ciudad natal de Nottingham, y sus pinturas colapsan el tiempo, el espacio y el material para contar una historia fragmentada pero vívida del intermedio: el abismo entre la psique humana y el universo en general. Al igual que un bosque promete mucha más actividad bajo la superficie (vida vibrante y potencial de peligro) de lo que podría parecer inicialmente, las pinturas de Cunningham cuentan una historia más profunda cuanto más se observan: engañosamente abstractas, representadas con precisión.
Arte: Widline Cadet/Cortesía del artista y Nazarian/Curcio. Fotografía de Chris Wormald.
En la sección “Focus” de este año, se espera con gran expectación la presentación individual de la fotógrafa Widline Cadet de Shulamit Nazarian: la artista nacida en Haití y radicada en Los Ángeles explora detalles regionales como la luz, el color, la flora y la arquitectura como una forma de tender un hilo que conecta su isla natal hasta el oasis costero de California. La obra de Cadet es a la vez un estudio escapista del paraíso y una mirada crítica a la migración, la memoria y el borrado; sus autorretratos, naturalezas muertas y paisajes existen en el espacio liminal entre hogares: uno heredado, otro elegido. Cadet hace visibles los mitos del Caribe a través de sus inquietantes interpretaciones de historias y rituales heredados. Con sus fotografías se sitúa a lo largo de un espectro de tiempo y espacio como una forma de existir en dos lugares a la vez: Haití y Estados Unidos, pasado y futuro. La práctica de Cadet también incluye video, sonido, escultura, performance e instalación, lo que hace que su enfoque multifacético para la creación de archivos visuales sea digno de contemplar en el futuro.
Arte: Pia Camille/Sylvain Lefevre/Getty Images
Pia Camil, nacida y residente en la Ciudad de México, trabaja en pintura, escultura, instalación y performance, todas las cuales exploran el comercio (a través de la ropa) y experiencias de visualización colaborativas y participativas. En la feria de este año, su instalación 2020 Multiorganismo (puntos) será presentado por OMR Gallery; muestra varios pares de pantalones de mezclilla suspendidos en el espacio, atados y colgados con materiales industriales que hacen un guiño a los procesos de fabricación a gran escala. Camil compra ropa de segunda mano a través de una variedad de sistemas de trueque en la Ciudad de México y la combina para desdibujar la línea entre la memoria personal y comunitaria. (Hermandad de los Pantalones Viajeros, ¿alguien?) Esta obra en particular es casi un espejo infinito de la historia material; Camil mete mezclilla dentro de mezclilla para replicar cuestiones de individualidad y exceso.
Arte: Lilian Martinez/Cortesía del Artista y OCHI. Foto de Deen Babakhyi.
Lilian Martínez, pintora acrílica con sede en Los Ángeles, presentará nuevas obras a través de Ochi Gallery en la feria. Las figuras planas al estilo Matisse de Martínez en su nueva colección de pinturas representan a mujeres morenas en reposo en diversos espacios de ocio: jardines, casas, museos y similares. Inspirado en el «Enfoque» En el tema “ecología” de la sección, el artista explora entornos de “placer cotidiano” como una manera de hacer una declaración política sobre la rareza de ver cuerpos morenos seguros y en paz, en lugar de en el trabajo o en la guerra. Al igual que Rubens en su tamaño y voluptuosidad, las mujeres de Martínez celebran la forma femenina y el lujo de simplemente existir en nuestro estado más natural y desinhibido.
Arte: Meeson Pae/Cortesía del artista
La presencia de Meeson Pae en la exposición colectiva de la galería Anat Ebgi se centró en destacar a artistas de orígenes históricamente pasados por alto (junto con la fallecida artista lesbiana Gloria Klein y el palestino estadounidense Jordan Nassar, cuya obra incluye trabajos en madera y tradicionales tatreez bordado), situando al artista emergente como una fuerza autodefinidora. Pae trabaja con distintos medios, a menudo utilizando sistemas generados por computadora (para representaciones tridimensionales) antes de pintar imágenes sobre lienzo para explorar la conexión entre el cuerpo y la tecnología. Sus representaciones viscerales del interior del cuerpo (que ella compara con una máquina) ilustran con qué rapidez y facilidad el hombre y la naturaleza han colapsado el uno en el otro; Los fluidos corporales son datos listos para ser interpretados a lo largo del espectro de la biología y la mecánica. En última instancia, la enigmática exploración de la carne y la tecnología de Pae crea retratos abstractos de lo que significa estar vivo hoy.
Arte: Claudia Keep/Cortesía del artista
El tratamiento que la pintora Claudia Keep da a lo cotidiano es un ingenioso recordatorio para apreciar la simplicidad de la vida sin comprometer la calidad conmovedora de los detalles de la vida real y el poder del estado de ánimo. En la feria de este año, su trabajo será parte de una exposición colectiva de Parker Gallery; Las pinturas de Keep son sorprendentes por su capacidad para representar momentos congelados en el tiempo y pedir al espectador que simplemente ver, en lugar de meditar en una narrativa más amplia que puede o no ser tan esencial para sentir y comprender la pintura. Sus interpretaciones de objetos (tazas de té, colecciones de rocas) y escenas (una noche lluviosa en Los Ángeles, una araña tejiendo su tela) se logran a partir del estudio de fotografías, lo que le da a cada pintura un nivel preciso de realismo. Pintura de Keep de una cama deshecha con sábanas blancas, presentada en la edición de invierno de 2023 de La revisión de Parísejemplifica el poder sutil de observar momentos creados por humanos en movimiento.