¿Quién pensó que Stoppard necesitaba más sexo?

Es una señal de alerta cuando una producción de Tom Stoppard Arcadia comienza con una larga ración del tema de los años 80 “Wicked Game” mientras el público se sienta en la oscuridad. Es una versión, por lo que ni siquiera tiene la sólida línea de bajo o la quejosa guitarra occidental del original de Chris Isaak: el tempo está acelerado al mínimo, un piano vibra trágicamente y una voz de mezzo arde y tiembla a través de “The El mundo estaba en llamas y nadie podía salvarme excepto tú”. Nos dirigimos a una obra que depende de la ligereza y la agilidad, que se defiende de manera deslumbrante y divertida hasta que finalmente te atraviesa, y la mano aquí no podría ser más pesada.

La compañía de teatro Bedlam es conocida por sus giros irreverentemente imaginativos de textos clásicos, tanto teatrales como literarios, y su trabajo me entusiasma desde hace mucho tiempo. Hace más de una década, vi la primera producción de la compañía, una emocionante y sencilla película. Santa Juana en el que cuatro actores interpretaron los más de 25 personajes de Shaw y la obra, que es extremadamente hablador, disparado a una vida física plena, ardiente. Se ha enfrentado a Shakespeare y Chéjov (a veces al mismo tiempo), Ibsen, Jane Austen, Arthur Miller y JM Barrie. En años más recientes, también ha iniciado una serie de lecturas llamada «Hacer más: nuevas obras», una respuesta significativa a la demanda que enfrentan las compañías centradas en el canon y un lugar para que los dramaturgos «interroguen y exploten la idea de un ‘clásico’. .’” Lo que no ha hecho hasta ahora es abordar una obra que no es ni antigua ni nueva, donde el autor no está muerto ni en la habitación, y donde ese autor – y en particular la obra que nos ocupa – es conocido. tanto por el ingenio de Wilde como por las espectaculares complejidades de la estructura.

Lamentablemente —y es legítimamente triste— con esta Arcadia, Bedlam se pierde por completo el encargo. No es que haya «explotado» demasiado vigorosamente la historia entrelazada de Stoppard sobre los académicos modernos y la nobleza y los genios de principios del siglo XIX; es que la producción es en realidad, debajo de su puesta en escena gestual un tanto deslucida y fragmentada, una toma bastante sencilla y que parece completamente desinteresada en todo lo que hace que la obra sea magnífica. La fácil derrota de Stoppard, especialmente a este lado del Atlántico, es que es demasiado inteligente, demasiado fanfarrón, demasiado sofisticado, demasiado inteligente. Es engañoso, no reconocer las corrientes de anhelo, locura humana y angustia que recorren su obra. Si te gusta que tu patetismo se sirva como sopa, es posible que Stoppard no sea tu chico, pero de todos modos el latido del corazón está ahí.

Es una trampa pensar que Arcadia necesita que le agregues el elemento humano, y desde el gesto inicial de su producción, el director Eric Tucker, generalmente tan vivaz e ingenioso en sus enfoques de textos muy queridos, entra directamente en ello. Lo que nos dicen los acordes llorosos de “Wicked Game” es: “Oye, no te preocupes. Quizás hayas oído que esta obra es difícil y elegante, pero está bien, en realidad se trata de AMOR y SEXO”. ¿Por qué necesitamos tranquilidad? Ciertamente (junto con su enfoque en las matemáticas y la poesía), la obra de Stoppard es interesado en el “abrazo carnal” (“la atracción que Newton dejó fuera”) y en las cosas mucho más complicadas, mucho más dolorosas e igualmente que desafían la física que hacen nuestros corazones. Pero pensar que para darnos cuenta de eso necesitamos que el espectáculo tenga más sexo (más besos, más manos, más gemidos performativos y gritos apasionados) es desconfiar tanto del público como del juego.

La ironía de la gruesa capa de excitación potencialmente nerviosa de esta producción es que hace que el espectáculo sea infinitamente menos sexy. ¿Tucker nunca ha oído hablar de antici…? pación? Más importante aún, ¿qué pasa con las cosas, separadas unas de otras, que de hecho excitar a esta gente? “Lo que nos hace importantes es querer saber”, dice la investigadora Hannah Jarvis (Zuzanna Szadkowski). La emoción y la gloria de Arcadia está en observar cómo se desarrolla la pasión articulada. Desde la brillante adolescente Thomasina Coverly (Caroline Grogan), quien, en 1809, anticipará la tercera ley de la termodinámica al preguntarse alegremente una tarde por qué “no se pueden separar las cosas”, hasta su pariente lejano, Valentine Coverly (Mike Labbadia). , quien, casi dos siglos después, está volcando su alma en algoritmos iterados: estos personajes están llenos hasta la punta de los dedos de curiosidad, hambre de conocimiento y fascinación galvanizadora por las maravillosas complejidades del mundo. «Lo impredecible y lo predeterminado se desarrollan juntos para que todo sea como es», le dice Valentine a Hannah. “Así es como la naturaleza se crea a sí misma, en todas las escalas, el copo de nieve y la tormenta de nieve. Me hace tan feliz. Estar de nuevo en el principio, sin saber casi nada… Es el mejor momento posible para estar vivo, cuando casi todo lo que creías saber está mal”.

Al escuchar a Labbadia pronunciar este discurso, uno pensaría que Valentine quiere decir «irritado» cuando dice «feliz». Como el ansioso aspirante a posgrado de Cambridge, Labbadia frunce el ceño, chasquea y camina con una bata de baño sucia, jugando un juego de disparos en primera persona en una consola de juegos portátil y haciendo rebotar malhumoradamente una pelota de tenis en la pared. Lo imaginas enfurruñado en un sótano rodeado de cajas de pizza y camisetas novedosas sucias. No es inusual interpretar a Valentine como neurodivergente, y cuando se trata del distanciamiento de Labbadia, esa puede ser la intención aquí, pero eso no debería hacer ninguna diferencia en la capacidad del personaje para sentir asombro o, en realidad, cualquier otra cosa que no sea molestia.

Labbadia no está solo. En conjunto, ArcadiaLos actores, que sin duda son capaces de más, pintan con colores únicos y no brillantes. El asombro es un componente principal de la obra: prácticamente funciona con la electricidad del descubrimiento, el éxtasis de la poesía, el hambre distintivamente humana por la belleza. Su otro motor es el humor: las escenas que tienen lugar en 1809 son, durante mucho tiempo, alta comedia al estilo de Oscar Wilde, y los personajes modernos de la obra tampoco se quedan atrás en el departamento de ingenio. Son personas que dicen cosas como: “No te metas en paradojas, Edward. Te pone en peligro de sufrir un ingenio fortuito” y, de un solo suspiro, “No hay más de dos o tres poetas de primer rango vivos ahora, y no mataré a tiros a uno de ellos con un golpe perpendicular en un mirador con un tiro”. una mujer cuya reputación no podría defenderse adecuadamente con un pelotón de mosquetería desplegado por turnos”.

Si encuentras el impulso y el ritmo de la obra, el alegría sus personajes aprenden a hablar: el 99 por ciento del texto se convierte en líneas de risa. Los crescendos en la producción de Tucker, cuando llegan, tienden a ser generados por resentimiento: por actores que buscan una válvula de escape al empujar, gritar y jugar lo negativo. Tucker ha optado, como siempre ha hecho Bedlam con sus importaciones británicas, que el elenco utilice su propio acento estadounidense. Nunca es un problema con Shakespeare, cuyo lenguaje es lo suficientemente robusto y realzado para manejar la variedad, y teóricamente podría funcionar aquí. (Ha funcionado para la empresa con Shaw). Pero incluso sin la pronunciación recibida, la clase no deja de existir y todavía tienes que decir líneas como: «Personalmente, creo que el viejo Murray estaba en la cima en eso». y «Sin duda estaban en el once de cricket cuando Harrow jugó contra Eton en Lords», o incluso simplemente «¡Fiddlesticks!» El acento es una cosa y el afecto es otra. Esto es algo flotante e intrincado, y tratar de atravesarlo lo aplana y desinfla. En palabras de Magnetic Fields, «No se puede utilizar una topadora para estudiar las orquídeas».

Y, sin embargo, hay ocasiones en que la obra todavía se hace oír; su belleza saldrá a la luz. Especialmente en el segundo acto, en el que, después del intermedio, Tucker hace que el público se traslade a nuevos asientos para que estemos frente al banco de sillas rojas de felpa en las que nos sentamos originalmente, el elenco parece respirar un poco más tranquilo. Cuando llegan a gemas exquisitas, como las recitaciones de Byron de Hannah y su compañero académico Bernard (Elan Zafir), los escalofríos aún llegan con toda su fuerza. Tucker también parece sentirse más a gusto en este acto, ya que dramatiza la creciente superposición de períodos de Stoppard haciendo que su conjunto se siente disperso por todo el banco de asientos, pasándose libros, manzanas y teodolitos entre sí a través del espacio y el tiempo. Como director, parece haber estado hambriento de este tipo de coreografía conceptual, de algo que hacer. (Esto es parte del problema: ha evitado realmente hacer la obra en sí.) El flujo de movimiento tiene algo de vida e interés, y muestra a la compañía en su mejor momento y, sin embargo, a medida que se acerca el clímax devastador y magnífico. , hay muy poca precisión y, por tanto, muy poco patetismo real, para que nuestros corazones reciban el golpe. Ésa es la paradoja magistral que opera en Arcadia: Como descubre Hannah, la aparentemente racionalista, en el arte como en la vida, se necesita tanto el caos como el orden, la imaginación romántica y la geometría sublime.

Arcadia Está en el West End Theatre hasta el 23 de diciembre.