Curada por el equipo de IndieWire Crafts, Craft Considerations es una plataforma para que los cineastas hablen sobre trabajos recientes que creemos que merecen ser considerados para premios. En asociación con HBO, para esta edición analizamos cómo el director y estrella Bill Hader, el director de fotografía Carl Herse y el coordinador de dobles Wade Allen han llevado la filmación de “Barry” a nuevas alturas.
Nada podría estar en peligro de parecer visualmente más simple y poco llamativo que las tribulaciones de los aspirantes a actores en Los Ángeles, incluso aquellos que son sicarios reacios. Pero el creador de «Barry», Bill Hader, siempre ha amado las películas en las que «estás en un mundo tan único que cuando termina, estás atrapado en ese mundo». Hader le dijo a IndieWire que aborda la realización de películas para el programa desde la perspectiva más cinematográfica posible, utilizando imágenes y especialmente sonido para capturar los procesos de pensamiento y las dificultades emocionales de los personajes atrapados por sus propias malas decisiones. También es una comedia.
Para la combinación singular de humor, drama de personajes y narración visual de Hader, que solo se ha vuelto más expresiva en las tres temporadas de “Barry”, se inspira en los mundos cómicos pero elevados y visualmente deslumbrantes de directores como Jacques Tati. Al igual que Tati, Hader y su equipo creativo construyen un tipo de comedia distanciada, en la que la cámara puede habitar la perspectiva de Barry, pero a menudo extrae la comedia del programa desde la perspectiva que ofrece. en barry (interpretado por el propio Hader, por supuesto). “La cámara está en el punto de vista de alguien que está juzgando esto, que dice ‘Por favor, detente. Estás destrozando la casa. y luego cuando [the characters] volar fuera del marco, [the camera] dice, ‘Uf. Ni siquiera quiero ver esto’”, dijo Hader. «Te da información un poco más atrás y, al hacerlo, te da esta otra sensación que no es como una típica escena de pelea o secuencia de acción».
Hacer algo que sea atípico tanto para la acción como para la comedia (despiadado e implacable y aun así muy divertido) requiere un fuerte punto de vista y un verdadero arte. En los videos a continuación, verás cómo Hader dirige “Barry” para darle al programa su fuerte punto de vista y su estilo particularmente cinematográfico; cómo el director de fotografía Carl Herse captura visualmente las situaciones dramáticas de los personajes; y cómo el coordinador de especialistas Wade Allen combina la violencia y la comedia sin caer en la violencia cómica para las secuencias de acción del programa.
La dirección de “Barry”
El enfoque visual de Hader para “Barry” ha evolucionado a lo largo de sus tres temporadas. Siempre ha tratado de rodar sus episodios teniendo en cuenta el punto de vista de los personajes, pero ha habido un cambio de tratar de construir escenas que incorporen convenciones fílmicas a aquellas que intentan encontrar una forma más sólida y menos genérica; desde tratar de hacer que las escenas de suspenso se vean y se sientan como un thriller de Hitchcock hasta tomar la perspectiva más observacional de, quizás, un Preminger. «La escena [in Season 1] donde Fuches (Stephen Root) se lima los dientes, siento que he aprendido mucho desde entonces. Había algo al respecto que se parecía mucho a ‘Una película’”, dijo Hader.
Con la temporada 3 del programa, Hader ha adoptado un estilo que no revela todo lo que necesitamos saber sobre una secuencia desde el principio. Ocultar información visual fuera de un marco compuesto deliberadamente, omitir una partitura que nos dice cómo sentirnos, omitir cortes y dejar que las escenas se desarrollen en todo su absurdo: Hader ha descubierto que todo eso acerca al público a Barry. “Él necesita estar un poco desorientado y eso también nos desorientará un poco”, dijo Hader, en referencia al final de la temporada, donde Barry es capturado por la policía en el acto de intentar asesinar al padre de Janice (Paula Newsome). , Jim Moss (Roberto Sabiduría). «Cuando Barry entra en la casa de Jim Moss, incluso en la edición, todo el mundo estaba como, ‘¿Quieres un corte al detalle? [cops] que le están gritando, ¿verdad? Y yo estaba como, ‘No, no, no. Son los últimos’”.
Lo que Hader ha aprendido en el transcurso de la dirección del programa es que, a veces, los policías son lo último que necesitamos ver para comprender la verdad de lo que está sucediendo y cuán mal se ha jodido Barry. Hader está continuamente encontrando cinemáticas para que la audiencia complete la acción en pantalla en nuestras propias mentes, antes o sin necesidad de que se le muestre el proverbial zapato que está a punto de caer. Al igual que Barry Berkman, nos hacemos las peores cosas en la serie, y eso es lo que realmente duele. En el video de arriba, puede ver a Hader explicar cómo ha traducido sus influencias cinematográficas en el estilo cinematográfico particular de «Barry» y el uso del diseño de sonido para moldear las expectativas de la audiencia y transmitir los estados emocionales de los personajes.
La cinematografía de “Barry”
“Barry” a menudo hace avanzar la historia y la emoción a través del sonido, pero el director de fotografía Carl Herse estaba entusiasmado con las oportunidades visuales en la temporada 3, la primera en el programa. “Realmente estamos encontrando a estos personajes en un lugar más oscuro de lo que nunca los hemos visto”, dijo Herse. Esa trayectoria emocional sombría proporcionó la base para visualizaciones ingeniosas de hasta dónde están llegando Barry y quienes lo rodean. Herse descubrió que quitar la luz del escenario soleado de Los Ángeles del programa podría expresar algunas tinieblas psicológicas existenciales, como en el Episodio 7, donde Sally (Sarah Goldberg) se aleja de su agente (Jessy Hodges), de manera realista fuera de la habitación, pero visualmente dentro. un pozo de amargura negra enteramente creado por ella misma, que Herse describió como «extremadamente expresivo y realmente muy simple».
Si uno tuviera que precisar el estilo visual de “Barry” en 10 palabras o menos, “extremadamente expresivo y realmente muy simple”, lo cubre bien. Herse coloca la cámara donde sea que capture mejor la respuesta emocional de un personaje, pero a menudo a cierta distancia, al menos al principio. “Barry” pone a la audiencia en una posición en la que sentimos la difícil situación de los personajes y no podemos evitar verlos retorcerse. En el Episodio 8, «a partir de ahora», donde Gene Cousineau (Harry Winkler) se encuentra acorralado en el garaje de Jim Moss, el interrogatorio de bricolaje comienza como un objetivo de dos disparos, pero lentamente se acerca más y más a la cara de Winkler a medida que aumenta su pánico.
“Lo que dice Moss es importante, pero realmente estás tratando de expresarle a la audiencia que Cousineau está atrapado en este punto”, dijo Herse. “La forma en que a Bill le gusta usar el sonido se presta muy bien para una toma como esa en la que entiendes la geografía de donde está Moss, pero cuando escuchas la silla arrastrándose contra el suelo, escuchas ese tipo de ruidos con eco, y sé lo que viene y todavía es impactante cuando entra en el marco de manera tan agresiva y [so close] en primer plano.” En el video de arriba, vea a Herse explicar cómo la cinematografía puede decirnos todo lo que necesitamos saber sobre los personajes sin necesidad de decir una línea de diálogo, así como también cómo la imagen funciona con el diseño de sonido del programa para emocionarnos y sorprendernos.
Las acrobacias de “Barry”
El coordinador de especialistas Wade Allen realmente valora la mezcla de acción y comedia que “Barry” ha perfeccionado durante tres temporadas. Es una alquimia que el programa continúa agudizando, y apunta hacia una acción más realista o más exagerada según lo requiera cada episodio y cada secuencia. Allen dijo que, desde el principio, Hader quería que la violencia en el programa fuera horrible e incómoda, no necesariamente una fuente de comedia. Con secuencias de lucha gigantes como las de «Ronny/Lilly», Allen y su equipo han tenido la oportunidad de explorar (y/o saltar como una ardilla voladora) secuencias de acción gloriosamente excesivas. Pero la elección de ser más espartano o más indulgente siempre surge de la comprensión de los personajes involucrados y de cómo la cámara está —o, con la misma frecuencia, no— mirando la secuencia; a menudo pasa de juzgar la acción a involucrarse en la reacción de pánico de un personaje y viceversa. “Creo que si la historia está ahí y si la actuación está ahí, no es necesario cubrirla desde mil ángulos diferentes”, dijo Allen. “Contamos tanta historia [this season] no confiar en los trucos tradicionales de acción».
Un gran ejemplo de un momento dentro de una secuencia que desafía la lógica de acción tradicional es el momento de «entrega» en medio de la escena de persecución en el Episodio 6, «710N». Ese ritmo es naturalmente cómico, dice Wade, porque «nunca funcionaría», pero como dos personajes lo intentan de todos modos, los resultados al nivel de Wile E. Coyote son divertidísimos. El programa obtiene mucho kilometraje cuando hace comedia de acción al ofrecer la oportunidad o la expectativa de un truco de película que se basa en la regla de Cool, solo para reforzar que las leyes de la física, de hecho, se aplican a estos personajes.
Incluso con el final de la secuencia de persecución de Taylor, donde el último de los motociclistas carga contra el techo de una concesionaria de autos usados, disparando, y la cámara observa desde la distancia mientras un vendedor le dispara con una escopeta, «Estamos realmente atenuando nuestro deseo de hacer esta gran reacción, la acción típica para hacerla caer por el borde del edificio”, dijo Allen. “Es uno de esos momentos en los que el realismo lo hace divertido”. En el video de arriba, vea cómo Allen y su equipo trabajaron con Hader para crear escenas que se abstengan de los grandes clichés de acción y, al hacerlo, se sientan aún más inventivos, sorprendentes y reales.
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