de wes anderson ciudad asteroide Es una película algo difícil de explicar.
Como ocurre con muchas de las películas de Anderson, ciudad asteroide tiene una estructura de muñeca de anidación. El público debe navegar por varias capas de la narrativa antes de llegar al meollo de la historia. La película comienza en un estudio de televisión, con el narrador (Bryan Cranston) explicando que están a punto de presenciar una producción de ciudad asteroide, una obra del destacado dramaturgo estadounidense Conrad Earp (Edward Norton). La obra se desarrolla en la ciudad del mismo nombre, el sitio de una visita alienígena.
ciudad asteroide presenta la realidad de la obra como totalmente inmersiva. Estas escenas están filmadas en color, por lo que no pueden ser una representación precisa del programa de televisión en blanco y negro de la época. La cámara deja en claro que los personajes existen en un entorno de 360°, incluso si la cámara de Anderson solo tiende a girar en los ángulos rectos característicos del director y el diseño de producción es estilizado. La película presenta efectos y escalas que, si bien son obviamente artificiales, no se pudieron emular de manera convincente en el escenario o incluso en la televisión clásica.
Sin embargo, Anderson llama la atención repetidamente sobre el artificio de la película. El elenco de la película se presenta como los actores que interpretan los papeles dentro de la obra de teatro. El narrador articula la estructura de la historia antes de que la audiencia la vea. Antes de que la película comience correctamente, Earp explica el puesta en escena de la producción teatral, ya que la edición atrae la atención del público hacia el arte técnico utilizado para construir pinturas mate o efectos de sonido simples.
Las tarjetas de título marcan transiciones de actos y sugieren intermedios. La película también marca la puesta en escena del drama central con escenas del desarrollo y la producción de la obra de teatro: Earp trabaja duro en su máquina de escribir y luego visita al entrenador de actuación Saltzburg Keitel (Willem Dafoe) para pedirle consejo; Jones Hall (Jason Schwartzman) gana el papel de Augie Steenbeck; Mercedes Ford (Scarlett Johansson) huye de la producción antes de la noche de estreno; El matrimonio del director Schubert Green (Adrian Brody) se derrumba.
Incluso en términos de la narración visual de la película, Anderson le recuerda a la audiencia que están viendo una narrativa construida. Si bien la cámara de Anderson no es particularmente dinámica, se mueve más de lo normal dentro ciudad asteroide, llamando la atención sobre cómo controla la mirada del espectador dentro de los planos. En determinados momentos, los personajes parecen conscientes de la cámara e incluso parecen motivar su movimiento señalando o moviendo los ojos, como si rompieran la cuarta pared y se dirigieran al público.
En varios puntos durante el drama, estos niveles de realidad parecen colapsar entre sí. Una conversación entre Sandy Borden (Hope Davis) y Midge Campbell (Johansson como Ford) en una ducha comunal dentro la obra se interrumpe cuando ambas mujeres ven al narrador, quien se da cuenta de que no debería estar en la escena. En el clímax de la historia, luchando por entender de qué se trata la obra y si está interpretando bien el papel, Jones cambia de personaje y abandona el teatro.
Este enfoque de la narración no es inusual para Anderson. El Gran Hotel Budapest utiliza un marco similar para llegar a su narrativa central, presentando a la audiencia a un autor famoso (Tom Wilkinson) que visitó la institución del mismo nombre cuando era joven (Jude Law). Como ese hombre más joven, entabló una relación con el propietario, Zero Moustafa (F. Murray Abraham), quien compartió la historia de sus propias aventuras como un joven botones (Tony Revolori), que trabajaba para Gustave H. (Ralph Fiennes). .
El despacho francés se estructura como una edición de la revista homónima. Es una antología, siguiendo a un conjunto de reporteros mientras envían sus historias para su publicación. Herbsaint Sazerac (Owen Wilson) ofrece un recorrido en bicicleta por Ennui-sur-Blasé; JKL Berensen (Tilda Swinton) da una conferencia sobre el artista encarcelado Moses Rosenthaler (Benicio del Toro); Lucinda Krementz (Frances McDormand) describe a los estudiantes revolucionarios; Roebuck Wright (Jeffrey Wright) habla con el presentador de un programa de entrevistas (Liev Schreiber) sobre el arte de la detección culinaria.
En cada caso, Anderson cambia el estilo de la película para subrayar la transición, para llamar la atención de la audiencia sobre cómo se están aventurando más profundamente en una historia dada. Anderson cambia las relaciones de aspecto entre sus dispositivos de encuadre y, a menudo, hace una transición entre el blanco y negro y el color. Incluso el medio que se representa puede cambiar: televisión, conferencias, obras de teatro. anderson quiere el público entienda que está viendo algo construido. Estas no son representaciones objetivas de la realidad, sino una ventana cambiante al mundo.
Esto tiene sentido. anderson es un autor con un estilo visual muy característico. El diseño de producción de sus películas se realza, evitando el realismo o la verosimilitud en favor de algo más abstracto. Si el estilo visual distintivo de Tim Burton lo convirtió en el «primer autor del bebé» para los cinéfilos de la Generación X, un cineasta con una estética lo suficientemente fuerte y única como para servir como una clara demostración de lo que un director realmente aporta a su proyecto, entonces Anderson ocupa un espacio similar para la próxima generación.
Si el arte de la IA hubiera surgido dos décadas antes, es probable que Internet se hubiera inundado de avances falsos para Guerra de las Galaxias, señor de los Anilloso Avatar como lo imaginó Tim Burton en lugar de Wes Anderson. La estética distintiva de Anderson —su ingenio inexpresivo, su preferencia por los pasteles, su encuadre central, su composición simétrica, sus trabajos con modelos, sus tomas de carros— es algo que incluso un espectador casual puede reconocer como el producto de un artista singular. Uno puede mirar un cuadro de una película de Wes Anderson y saber es de una película de Wes Anderson.
Sin embargo, esta es una de las razones por las que esos facsímiles sintéticos generados por computadora del estilo de Anderson son tan frustrantes, incluso más allá del hecho de que parecen deber más al estilo de Anderson. Sábado noche en directo esbozar «The Midnight Coterie of Sinister Intruders» que lo hacen con cualquiera de las películas reales del director. Más concretamente, se pierden la intencionalidad de la técnica de Anderson. Más que eso, Anderson es un cineasta cuyo trabajo existe en total oposición a este modo de creación de contenido.
En pocas palabras, Anderson quiere que la audiencia entienda que el arte no existe en el vacío. No puede existir independientemente de las personas que lo crean. No puede ser sintetizado por algoritmos o generado como contenido. Casi todos los fotogramas del trabajo de Anderson están diseñados para recordarle al espectador que son algo creado por un ser humano, un individuo con un punto de vista y un centro emocional. Las historias son moldeadas por las personas que las cuentan, como una forma de dar sentido al mundo.
Una de las críticas más persistentes al trabajo de Anderson es que está “intencionalmente diseñado para crear una sensación de distancia emocional” entre el público y la película, y el público a menudo puede “sentirse tan desconectado como lo están los personajes” dentro de estas narrativas más amplias. Sin embargo, Anderson siempre ha sido un cineasta dolorosamente sincero. Sus personajes a menudo son sinceros sobre sus vulnerabilidades emocionales y sus dificultades para navegar en un mundo que es complicado y contradictorio.
Incluso dentro de ciudad asteroide, el formalismo de la película permite a los personajes secundarios la oportunidad de expresar vidas interiores sorprendentemente ricas. En otra película, los personajes pasarían monólogos enteros navegando por las contradicciones que la astrónoma Dra. Hickenlooper (Tilda Swinton) articula en su breve observación: “Nunca tuve hijos, pero a veces me pregunto si desearía tenerlos”. El general Grif Gibson (Jeffrey Wright) convierte la presentación de un premio en una meditación conmovedora sobre dos generaciones de servicio militar.
Más que eso, Anderson presenta la creación de arte como una expresión de una curiosidad humana fundamental que resuena a través de las propias narrativas. Personajes en ciudad asteroide están tratando de entender su lugar en el mundo, a menudo a través de la creación de arte. Green se muda a vivir tras bambalinas en el teatro después de divorciarse de su esposa Polly (Hong Chau) y sigue su consejo sobre la relación de Midge y Augie. El actor que interpreta al extraterrestre dentro de la obra (Jeff Goldblum) insiste en que el extraterrestre es “una metáfora”, pero no tiene idea de qué.
Esto es cierto incluso dentro de la obra. Augie es fotógrafo. Midge es un actor. Hickenlooper mira a las estrellas. Los niños del pueblo son científicos. Todos estos son modos de dar sentido al mundo. Después de la muerte de su esposa, Augie se pregunta si puede desempeñar el papel de padre único de sus hijos, justo cuando Jones cambia de personaje en el clímax de la obra para preguntarle a Green si está interpretando correctamente el papel de Augie. pidió que explicara ciudad asteroide la obra, Earp afirma que es «sobre el infinito y no sé qué más». Lo está descubriendo tanto como cualquiera.
Los personajes de la obra no entienden el universo, y los personajes fuera de la obra están igual de confundidos. El mecánico Hank (Matt Dillon) no puede explicar por qué se averió el auto de Augie. Cuando se le preguntó qué podría ofrecer el extraterrestre a la humanidad, el hijo de Augie, Woodrow (Jake Ryan), sugiere: “El significado de la vida; tal vez haya uno.” Buscando entender a Augie, Jones tiene un encuentro casual con la actriz que interpretó a la esposa de Augie en un borrador anterior (Margot Robbie), quien recita su única escena a modo de respuesta, una escena cortada de la obra.
Los temas de Anderson se sienten particularmente oportunos. Parece que el panorama multimedia es cada vez más hostil a la idea de los creadores. Una de las preocupaciones subyacentes de la actual huelga de escritores es que los estudios podrían recurrir a la IA para reemplazar a los narradores humanos. Existe una sensación más amplia de que tanto los estudios como los fanáticos en línea se han vuelto antagónicos a la idea de los autores, particularmente trabajando en películas con altos presupuestos y altos perfiles. Estos proyectos no deberían ser hechos por algoritmos, sino por personas.
Por supuesto, esta ansiedad se extiende más allá del mundo del espectáculo. El despacho francés fue una carta de amor al periodismo de formato largo como una forma de arte en sí mismo, con Anderson inspirado en la publicación del mundo real El neoyorquino. El periodismo se enfrenta a estas mismas amenazas existenciales. Los periodistas han sido convertidos en objetivos políticos, tildados de “enemigos del pueblo”. Ciertos medios de prensa han señalado la intención de utilizar IA para generar contenido, devaluando el trabajo de escritores y periodistas individuales como narradores.
En un momento en que quienes crean arte son cada vez más devaluados y pasados por alto, las películas de Anderson le piden al público que considere estas obras como objetos construidos. El director ciertamente no hizo ciudad asteroide como respuesta a los intentos de reducir su oficio a un meme amigable con la IA, y argumentar que ese caso específico socavaría la consideración más profunda de la película sobre la condición humana. Aún, ciudad asteroide es un recordatorio de cómo tales meditaciones son fundamental y profundamente humanas.